27 de Julio de 1984: Independiente de Avellaneda se consagra campeón de la Copa Libertadores por séptima vez

El 27 de julio de 1984, el Club Atlético Independiente se consagró campeón de la Copa Libertadores de América por séptima vez, consolidando su posición como el club más laureado en la historia del torneo. En la fase de grupos, Independiente compartió zona con Estudiantes de La Plata, Olimpia y Sportivo Luqueño. Avanzó como primero, superando a rivales paraguayos y argentinos con autoridad. En semifinales enfrentó a Nacional de Montevideo y Universidad Católica, clasificando a la final tras una sólida actuación. La serie final fue contra Grêmio de Porto Alegre. En el partido de ida, disputado el 24 de julio en Brasil, Independiente ganó 1 a 0 con gol de Jorge Burruchaga. El encuentro de vuelta se jugó el 27 de julio en el estadio Libertadores de América. El empate sin goles le permitió al conjunto argentino levantar el trofeo frente a su público. El equipo dirigido por José Omar Pastoriza estuvo conformado por figuras destacadas como Carlos Goyén, Ricardo Giusti, Claudio Marangoni, Ricardo Bochini, Jorge Burruchaga y Carlos Enrique, entre otros. El plantel se caracterizó por un juego colectivo sólido, eficiencia táctica y experiencia en instancias decisivas. La conquista de 1984 reafirmó el apodo de Independiente como “Rey de Copas”, título que había adquirido por su dominio continental durante las décadas anteriores. Ese mismo año, el club obtendría también la Copa Intercontinental, venciendo al Liverpool de Inglaterra.

1895. Colonos galeses no identificados (aún).Imagen tomada en la entonces llamada Colonia 16 de Octubre, que ahora se llama Trevelin, Chubut.

En 1864 el ministro del Interior del presidente Mitre, Guillermo Rawson, había autorizado el establecimiento de colonos galeses en el Chubut. Al año siguiente 153 personas desembarcaron de la Mimosa en un paraje que llamaron Puerto Madryn. Los recién llegados imaginaban una “Nueva Gales en Sudamérica”. Su aspiración era sencilla: ser dueños de una porción de tierra para trabajar y criar a sus familias. Mientras ondeaba la bandera del dragón rojo, vivieron en cuevas, hicieron chozas cerca de la playa, pero el viento las destrozó al poco tiempo. Pero su destino no estaba en las playas de Madryn sino en el río Chubut, que llamaron Camwy. Los hombres fueron a pie hasta la desembocadura del río. Las mujeres y niños, por mar. Sufrieron aislamiento, sequía y muchos años de frustraciones. Aquellos hombres de largas barbas y manos duras no perdieron la fe. Tampoco aquellas mujeres valientes, de numerosos hijos. Sabían de privaciones, creían en Dios y en el trabajo. Los indios les enseñaron a manejar el caballo, a usar la boleadora y el lazo . Fueron muchos años de amistad. Los nativos se jactaban de haber aprendido dos valiosas lecciones de “los galensos”: hacer pan y descansar el “día del Señor”. En 1873 tuvieron por fin una gran cosecha. La imagen que vemos fue tomada por el fotógrafoJohn Murray Thomas. Colección Juan Thomas.

Damas pasando para una foto, ´posiblemente al píe del Monumento al Ejercito Libertador en el Cerro de la Gloria. (ca.1930) Ciudad de Mendoza -

Foto  Gentileza Luciana Rinaldi. Encontrada en un contenedor de basura. 

Epcot, Disney World, Florida, EE.UU. (1980)

Walt Disney World, en Florida, abrió sus puertas el 1 de octubre de 1971 y recibió a 10,000 ansiosos fans en su primer día. Inicialmente, el complejo estaba formado por seis tierras temáticas individuales: Main Street USA, Adventureland, Fantasyland, Frontierland, Liberty Square y Tomorrowland. En 1982 se inauguró Epcot (en la foto, en construcción), cuyo nombre significaba inicialmente "Comunidad Prototipo Experimental del Mañana". Walt Disney World suele atraer a más de 52 millones de personas al año, lo que lo convierte en el complejo vacacional más visitado del mundo.

 ©Bettmann/Getty Images

💎 El diamante Hope: belleza azul y leyenda maldita

El diamante Hope es una de las gemas más famosas y enigmáticas del mundo. Su historia combina lujo, tragedia y superstición, y ha fascinado a generaciones por su intenso color azul y su reputada maldición. Extraído en el siglo XVII del Kollur Mine en la India, fue adquirido por el comerciante francés Jean-Baptiste Tavernier en 1666. Tavernier lo vendió al rey Luis XIV en 1668, quien lo mandó tallar como el “Diamante Azul de la Corona”. Durante la Revolución Francesa, en 1792, fue robado junto con otras joyas reales. En 1812, apareció en Londres como un diamante azul más pequeño, probablemente recortado para evitar su identificación. Fue adquirido por el banquero Henry Philip Hope, de cuya familia tomó su nombre. Pasó por manos de aristócratas, coleccionistas y joyeros, incluyendo Pierre Cartier y la socialité Evalyn Walsh McLean, quien lo lucía en fiestas pese a las advertencias sobre su maldición. Se dice que Tavernier lo robó de una estatua sagrada en la India, lo que habría desatado una maldición. Varios propietarios sufrieron desgracias: Luis XVI y María Antonieta fueron ejecutados; Evalyn McLean perdió a su hijo, su esposo fue internado, y su hija murió por sobredosis. Incluso el cartero que lo entregó al Smithsonian sufrió accidentes y pérdidas personales poco después. Desde 1958, el diamante Hope está en exhibición permanente en el Museo Nacional de Historia Natural del Smithsonian, en Washington D.C. Pesa 45.52 quilates, tiene un color gris-azul profundo y una fosforescencia roja que contribuye a su aura misteriosa

⚾ H. Weineman. El jugador de pelota más grande del mundo, 1908: fuerza, espectáculo y curiosidad en Emporium, Pennsylvania

La imagen compartida es un verdadero documento visual de la cultura popular deportiva de principios del siglo XX. En ella aparece un corpulento jugador de béisbol identificado como miembro del Citizens Base Ball Team de Emporium, Pennsylvania, en el año 1908. Su apodo: "World's Largest Ball Player", con un peso declarado de 450 libras (más de 200 kg), lo convierte en una figura excepcional dentro del béisbol amateur de la época. Su nombre era H. Weineman, según la inscripción en la imagen. Aunque no hay registros de que haya jugado profesionalmente, su tamaño lo convirtió en una atracción local, posiblemente en partidos de exhibición o ligas menores. El equipo "Citizens" era parte de una tradición de clubes comunitarios que florecieron en pequeñas ciudades estadounidenses a comienzos del siglo XX. El retrato tiene un estilo publicitario y humorístico, típico de postales o afiches promocionales de la era. Refleja el gusto por lo extraordinario y lo espectacular, muy en línea con la cultura circense y de ferias populares. El bate, la gorra y el uniforme con la palabra “CITIZEN” refuerzan su rol como símbolo local. En 1908, el béisbol ya era el deporte nacional en EE.UU., con ligas profesionales consolidadas y una fuerte presencia en comunidades rurales. Jugadores con características físicas inusuales eran celebrados como curiosidades deportivas, en una época donde el entretenimiento mezclaba deporte, humor y espectáculo.

El equipo de Basquetbol del Club Mendoza de Regatas, constituido por Llorca, Chiavetta, López, Alarcón, Cória, Barchillón, quien no aparece en la nota gráfica, se adjudicó el campeonato de basketball de tercera división de 1938, ganando todos los matches, De este modo, Regatas ha triunfado tres años consecutivos en este torneo

🍔 McDonald's al aire libre en 1976: entre hamburguesas, personajes y fantasía infantil. EEUU.

La imagen muestra un típico comedor al aire libre de McDonald's en 1976, época dorada del fast food como experiencia familiar. Lo que destaca es la figura central: un árbol antropomórfico con rostro alegre, parte del universo de personajes de McDonaldland, diseñado para atraer a los más pequeños con un toque de fantasía. En los años 70, McDonald's creó personajes como Ronald McDonald, Grimace, Hamburglar y Mayor McCheese, que aparecían en anuncios, juguetes y decoraciones. El árbol podría representar a Uncle O'Grimacey o algún personaje menor del entorno fantástico, diseñado para estimular la imaginación infantil. En 1976, McDonald's ya era un ícono cultural en EE.UU., con precios accesibles (¡una hamburguesa costaba menos de 50 centavos!) y una estética marcada por el ladrillo rojo, colores cálidos y mobiliario sencillo. Los comedores al aire libre y áreas de juego eran comunes, reflejando una época en que el fast food se asociaba con ocio, comunidad y celebración. Aunque no hay una confirmación exacta del lugar, este tipo de decoración era común en locales de McDonald's en estados como California, Illinois o Ohio, donde se desarrollaron muchas de las primeras experiencias temáticas de McDonaldland

🛩️ Entrenamiento de pilotos de combate en la Primera Guerra Mundial: entre madera, tela y coraje (1914–1918)

Durante la Primera Guerra Mundial (1914–1918), el entrenamiento de pilotos militares era rudimentario, peligroso y en constante evolución. La aviación aún era una novedad, y formar aviadores requería creatividad, improvisación y una rápida adaptación a las exigencias del combate aéreo. Simuladores mecánicos: Como enla imagen, se utilizaban estructuras de madera que imitaban la cabina de un avión, donde los pilotos practicaban el manejo de ametralladoras y la puntería en tierra. "Pingüinos": Aviones modificados para no despegar, usados para que los alumnos aprendieran a controlar el aparato en línea recta sobre el suelo. Rodadores: Aeronaves con alas reales pero motores limitados, que permitían practicar el despegue sin volar realmente. Vuelos progresivos: Los alumnos pasaban por etapas: primero maniobras simples, luego despegues, picadas, giros y finalmente espirales y combates simulados. Los pilotos eran entrenados como soldados especializados, no solo como aviadores. Aprendían tácticas de combate, reconocimiento, bombardeo y observación. Se practicaba el disparo con predicción, usando blancos móviles y siluetas para simular aviones enemigos. El entrenamiento era breve: muchos pilotos llegaban al frente con apenas 60 horas de vuelo, lo que los convertía en blancos fáciles para aviadores más experimentados. 🏫 Escuelas destacadas; Avord (Francia): Una de las más importantes, con más de 1.000 estudiantes y 1.300 aviones en 1917. Pau (Francia): Escuela de caza donde se entrenaban maniobras agresivas con aviones como los Nieuport y Spad. Los accidentes eran frecuentes: los aviones estaban hechos de madera, tela y alambres, y las maniobras violentas podían romper la estructura. El entrenamiento era acelerado por la urgencia bélica, y muchos pilotos morían antes de completar su formación.

⛪ La Basílica de San Francisco en 1902: símbolo de reconstrucción y devoción en la Mendoza post-terremoto

En el año 1902, la Basílica de San Francisco se erguía como uno de los templos más imponentes y significativos de la ciudad de Mendoza. Su presencia frente a la Plaza San Martín, en la esquina de Avenida España y Necochea, marcaba el corazón espiritual y patrimonial de la Ciudad Nueva, surgida tras el devastador terremoto de 1861.

🎬 Cine Cervantes de San Juan en 1939: faro cultural y arquitectónico del oeste argentino

En 1939, el Cine Cervantes era mucho más que una sala de proyección: era el epicentro cultural de la ciudad de San Juan, un símbolo de modernidad y encuentro social frente a la Plaza 25 de Mayo. La imagen compartida—un cartel de la película Sueño de Juventud con Diana Durbin— marca la inauguración de la temporada oficial, y nos transporta a una época de esplendor cinematográfico. Inaugurado el 23 de mayo de 1930, fue propiedad de José Estornell y parte de la firma Estornell Sociedad Anónima. Ubicado sobre calle Mendoza, lindero a la Casa España y frente a la plaza principal. Su estilo combinaba elementos Art Decó con detalles europeos, y contaba con 1.700 butacas, siendo la sala más grande de la historia sanjuanina. Fue el primer cine en proyectar un film sonoro en San Juan: El desfile del amor con Jeannette McDonald y Maurice Chevalier. El 3 de julio de 1933, Carlos Gardel cantó allí acompañado por sus guitarristas, en una noche que quedó grabada en la memoria colectiva. En 1939, se proyectaban películas de Hollywood como That Certain Age (Sueño de Juventud), protagonizada por Diana Durbin, Melvyn Douglas y Jackie Cooper. Formaba parte de un conjunto arquitectónico junto a la Catedral, el Palacio Episcopal y el Club Español. Sobrevivió al terremoto de 1944, pero fue demolido en los años 50 para abrir la avenida Ignacio de la Roza. Hoy, en su lugar se encuentra el edificio de ARCA, aunque su recuerdo persiste en fotografías, relatos y carteles 

1957 - 🏨 Gran Hotel de Potrerillos: joya arquitectónica entre montañas y memoria

El Gran Hotel de Potrerillos, inaugurado el 25 de enero de 1942, es uno de los íconos turísticos y patrimoniales más emblemáticos de Mendoza. Su historia refleja el impulso estatal al turismo de montaña y la evolución del paisaje mendocino como destino de descanso, deporte y contemplación. Fue diseñado por el arquitecto Arturo Civit con estilo neocolonial español-californiano, y construido por la empresa José Cartellone. Contaba con 43 habitaciones, calefacción central (una novedad para la época), salones amplios y mobiliario artesanal de gran calidad. Su emplazamiento privilegiado, frente al  Cordón del Plata, lo convirtió en postal clásica de la provincia. En los años 70 vivió una segunda época dorada: fue sede de concentración de las selecciones de Holanda y Polonia durante el Mundial de 1978. Luego cerró tras la quiebra de la empresa concesionaria, y permaneció abandonado por más de una década. En 2016 fue reabierto tras una restauración que respetó su estilo original, incorporando servicios modernos como spa, restaurante gourmet y viñedo propio. Hoy funciona como hotel boutique de 4 estrellas, con 34 habitaciones, piscina, restaurante, casa de té y espacios para eventos. Se ha consolidado como destino de bodas y experiencias gastronómicas, con el grill “1942” y vinos de altura producidos en el predio. El grupo concesionario impulsa un masterplan turístico que incluye anfiteatro, centro de convenciones y desarrollo del perilago. La imagen compartida del edificio en su época de esplendor— captura la esencia de este lugar: un refugio de montaña que combina historia, paisaje y hospitalidad.

🚤 La Cuyanita: emblema flotante del Parque General San Martín (imagen Gentileza de Luciana Rinaldi ca.1930)

La Cuyanita fue una embarcación icónica que surcó las aguas del lago artificial del Parque General San Martín en Mendoza desde la década de 1920. Su historia está marcada por nostalgia, modernización y múltiples transformaciones. Comenzó a operar en los años 20 como paseo turístico para mendocinos y visitantes. Atracaba en el muelle del Rosedal, desde donde partía con pasajeros rumbo al extremo norte del lago. Su recorrido incluía vistas al Club Regatas y a los bañistas de las playas serranas, en un entorno sereno y familiar. La embarcación original tenía un casco de 13 metros construido por el astillero Krupp en Alemania, luego de la Primera Guerra Mundial. Fue adaptada en Argentina para prestar servicios en el Delta del Paraná antes de llegar a Mendoza. Tenía capacidad para 20 a 26 personas y un diseño que combinaba funcionalidad con encanto visual. En los años 60 sufrió actos vandálicos y fue retirada temporalmente. En 1979, un accidente con un calentador provocó un incendio que destruyó gran parte de su estructura. Su casco fue trasladado a la Penitenciaría Provincial, donde quedó abandonado y deteriorado. En 2024 se lanzó una nueva versión de La Cuyanita, con diseño moderno, motor ecológico y capacidad para 25 pasajeros. Incluye una experiencia de realidad virtual que combina navegación tradicional con escenas inmersivas sobre la historia y cultura mendocina. El paseo dura 30 minutos y se ha convertido nuevamente en una atracción turística destacada del parque

La Producción y el Sistema Ferroviario en Argentina en 1973

Considerando el Totoral bajo el punto de vista material, es uno de los tantos pueblos pequeños de la nación que duermen el indolente letargo a que está sujeto, por lo general, todo lo que existe dentro de los territorios semidespoblados de las provincias interiores, esperando que fuerzas de vida más vigorosas les impriman los impulsos que necesitan y no tienen. Una solución del momento para tomar ese camino sería la población extranjera y vías férreas combinadas y servidas con el propósito de fomentar la producción de las localidades y estimular el nacimiento de las industrias. Examinando ligeramente las cosas, se le atribuye una gran importancia, que no tiene, al hecho de que la máquina a vapor cruce el territorio en una o en muchas direcciones, pues en tal caso las halagüeñas apariencias ocultan una triste realidad. Tal afán de lucro inmediato domina a las empresas ferrocarrileras, que las ha inducido a imponer tarifas monstruosas para los transportes, y en vez de ser un estímulo para la producción y fomento de los artículos regionales, constituyen un obstáculo insalvable para que sean aceptados y consumidos en cualquier mercado. La leña, la piedra, la cal y el yeso formarían grandes fuentes de riqueza para esta zona, sin que mediara otro procedimiento que la rebaja a precios equitativos de las tarifas ferrocarrileras. El ferrocarril tiene el mágico poder de transformar con su tránsito zonas despobladas y sin valor, cuando se le pone en condiciones de fomentar sus producciones y de dar útil salida a los artículos: de otro modo, no posee ventajas sino como una rápida mensajería para transportar personas. No es entonces más que una gran galera movida velozmente por la fuerza del vapor. No es posible aquí el cultive de cereales, no porque el suelo no los pueda producir, sino porque no deja utlidad pagando los enormes gastos del transporte. En la actualidad hay el pensamiento de arrancar un ramal desde la estación Sarmiento, el cual, empalmado con el Central Norte, pasaría por Totoral e iría a la villa de Loreto en la provincia de Santiago. Si ese ferrocarril consultase los intereses de las zonas que va a servir, sujetándose a un sistema de tarifas moderadas, sería para Totoral uno de los recursos más eficaces que pudieran impulsar su florecimiento. El granito y el corte de leña se podrían explotar en gran escala, y estos trabajos constituirían por mucho tiempo el factor más importante de la riqueza de estas regiones. (Damia Recuerdos de Córdoba. Impresiones de viaje. Citado por Carlos A. Segreti en Córdoba, ciudad y provincia. Siglos XVI-XIX, Córdoba, 1973)

“Inmigración productiva”, “Mendoza 1890”, “Cultores de la vid”…

Hacia 1890 la gente adinerada consumía bebidas importadas de bodegas francesas, italianas o españolas. Pero el grueso de la población del país se conformaba con los vinos y licores nacionales, aunque éstos fueran por el momento de baja calidad. Muchos inmigrantes llegaron a Mendoza para dedicarse al cultivo de la vid, aprovechando el clima y las características especiales de la región; habían sido expulsados de su patria por razones políticas o por la ruina de la industria vitivinícola. Traían una alta especialización: nuevas técnicas, conocimientos sobre fertilizantes, arados, sistemas de labranza y métodos para combatir las plagas. Así, las modalidades heredadas del período colonial fueron suplantadas por el sistema de contra espalderas francesas o por los parrales españoles e italianos, y para la poda se utilizó el sistema Guyot. El ferrocarril y las obras de riego sobre los ríos Mendoza y Tunuyán dieron el impulso final para el desarrollo de esta industria. Para enviar vinos a Buenos Aires, el gran mercado consumidor, se necesitaba disponer del capital necesario para realizar ventas a plazos más o menos largos y de la producción suficiente para asegurar un tipo de marca y mantener el stock durante el año. De allí el fracaso de muchas pequeñas bodegas. En cambio, durante la década de 1890 se consolidaron algunas firmas prestigiosas: los hermanos Tosso, oriundos de Italia, fundaron su establecimiento en 1891; los Mosso, también italianos, producían desde 1899 el vino de marca Hiena que se vendía en el Litoral y en Tucumán; Melgor y Herist, fundadores de La Peregrina (Maipú) en 1889, elaboraban vino de tipo francés de excelente calidad; Miguel y Alberto Aguinaga, orientales, produjeron en 1897 unos 3 000 hl de vino marca Vistalba en su bodega de Luján de Cuyo; otro pionero de la industria vitivinícola, Tiburcio Benegas, se había instalado en El Trapiche, y los hermanos Arizu, nativos de España y llegados al país en 1883, ya eran tan prestigiosos que compraban la producción de otros viñateros para industrializarla. Paralelamente, los mendocinos utilizaban las tierras de riego para cultivar frutas y hortalizas de muy buena calidad que el ferrocarril transportaba al mercado porteño. La provincia cuyana, a la cabeza de la industria del vino, poseía casi un tercio de las bodegas del país y generaba tres cuartas partes de la producción nacional. Alrededor del negocio vinícola la sociedad se modernizaba, se hacía más cosmopolita y progresista, la vieja élite criolla compartía el prestigio con los extranjeros, esos emprendedores gringos que estaban dando el tono a la nueva Mendoza. San Juan no resultó tan favorecida por los cambios ocurridos en la economía finisecular. Esta provincia padeció más que su vecina las consecuencias de la interrupción del comercio trasandino y, sobre todo, del engorde del ganado destinado a Chile. Sus industrias-fábricas de ladrillo, jabón, hornos de cal, alfarerías y canteras- sintieron la interrupción de estos intercambios; la llegada a la provincia del ferrocarril Gran Oeste Argentino, que se produjo en 1885, no trajo consigo demasiada prosperidad. Pero la ley de protección a la industria del vino, aprobada en 1875, permitió a San Juan incorporarse a la actividad y recibir inmigrantes especializados en el cultivo de la vid. Los grandes ganaderos de antaño, convertidos en industriales, se dedicaron con entusiasmo al nuevo negocio. Al finalizar el siglo se destacaban los bodegueros sanjuaninos Jaime Colomé, J. y E. Copello, y especialmente la bodega Colón, de los Graffigna, que logró un mercado estable para su producción en las provincias norteñas. San Luis, Salta en los valles calchaquíes y en Cafayate, Catamarca y La Rioja intentaron por esos años incorporarse a la industria vitivinícola con suerte dispar. La Rioja tuvo cierta expansión con sus vinos dulces, pero en Catamarca motivos políticos llevaron a la destrucción de las vides. De todos modos, hacia 1900 la producción argentina de vinos y alcohol les satisfacía las dos terceras partes del consumo nacional. La preocupación de los grandes bodegueros por mejorar los productos de sus establecimientos permitía augurar un futuro promisorio para la industria.

🌆 “La Avenida Mitre (ca.1940): La arteria dorada del Sur Mendocino”

En plena década del 40, la Avenida Mitre de San Rafael era mucho más que una calle: era el escenario principal de la vida urbana, comercial y simbólica del departamento. Con sus fachadas elegantes, autos de época y negocios emblemáticos como El Rincón Negro, esta avenida condensaba el pulso moderno de una ciudad que crecía entre viñedos, estaciones de servicio y vitrinas iluminadas.

🕊️ “El último combate del inmortal: adiós al titán de la lucha libre”. El 24 de julio de 2025, el mundo del entretenimiento deportivo perdió a uno de sus pilares más icónicos: Hulk Hogan, el gladiador rubio de 2 metros que convirtió la lucha libre en un fenómeno global.

A los 71 años, falleció en su hogar de Florida tras un paro cardíaco, dejando tras de sí una estela de músculos, carisma y frases inolvidables como “Whatcha gonna do when Hulkamania runs wild on you?”

🌊 “Elegancia entre las rocas: el verano californiano de 1945”

En plena posguerra, mientras el mundo comenzaba a reconstruirse, las costas de California ofrecían un respiro estético y simbólico. En 1945, cuatro mujeres posan sobre las rocas frente al océano Pacífico, modelando trajes de baño vintage que combinan funcionalidad y glamour. Los diseños, con lazos, pliegues y cortes altos, reflejan la transición entre la austeridad bélica y el renacer de la moda femenina. 

Contexto histórico y estilístico: Año clave: 1945 marca el fin de la Segunda Guerra Mundial y el inicio de una nueva era en la moda. Trajes enterizos con cintura marcada, escote moderado y detalles decorativos. Materiales de Algodón, rayón y primeras fibras sintéticas como el nailon, que permitían mayor ajuste y secado rápido.  Las estrellas de Hollywood y las pin-ups popularizaron estos modelos en revistas y postales.

La fotografía compartida no solo captura la moda, sino también una actitud: confianza, libertad y feminidad en un entorno natural. Las modelos, sobre las rocas, parecen esculpidas por el viento y el mar, en una escena que mezcla lo cotidiano con lo cinematográfico.

La Ópera de Sídney, Australia. Fue inaugurado oficialmente por la reina Isabel II el 20 de octubre de 1973. Aquí se muestra el edificio el día de su inauguración.

La Ópera de Sídney ha sido un elemento icónico del paseo marítimo de Sídney desde que se inauguró en 1973, albergando a lo largo de los años a algunos de los artistas y espectáculos más importantes del mundo. El edificio fue diseñado por el arquitecto danés Jørn Utzon, que renunció al trabajo y abandonó Australia a mitad de su construcción debido a circunstancias en las que estaba implicado el ministro de Obras Públicas, Davis Hughes. 

Florence Nightingale (1820–1910) fue una figura revolucionaria en la historia de la salud pública y la enfermería. Su legado se forjó en los campos de batalla de la Guerra de Crimea (1854–1856), donde transformó el cuidado de los heridos y sentó las bases de la enfermería moderna.

Durante la Guerra de Crimea, Nightingale lideró un grupo de 38 enfermeras voluntarias en el hospital militar de Scutari, cerca de Constantinopla. Las condiciones eran deplorables: suciedad, hacinamiento, falta de higiene y una tasa de mortalidad cercana al 40%. Florence reorganizó el hospital, introdujo prácticas de limpieza, ventilación y alimentación adecuada, y logró reducir la mortalidad al 2%. Su imagen recorriendo los pasillos con una lámpara se convirtió en símbolo de compasión y eficiencia. Fue pionera en el uso de gráficos estadísticos para demostrar el impacto de la higiene en la salud. Publicó informes que influenciaron reformas sanitarias en el ejército británico y en hospitales civiles. Fundó en 1860 la Escuela de Enfermería Nightingale en el Hospital St. Thomas de Londres, la primera institución laica para formar enfermeras profesionales. Aunque no participó directamente,  su trabajo inspiró a enfermeras como Dorothea Dix y Clara Barton (fundadora de la Cruz Roja Americana), quienes adoptaron sus principios de organización, higiene y atención humanitaria durante la Guerra Civil de EE. UU. (1861–1865)4. Sus escritos, especialmente Notas sobre enfermería (1859), fueron utilizados como guía en hospitales de campaña. Definió la enfermería como una disciplina científica y ética, centrada en el entorno del paciente. Rechazó honores y riquezas, dedicando su vida al servicio público. Fue la primera mujer en recibir la Orden del Mérito del Reino Unido (1907).

25 de Julio de 1945. Nace Juan Carlos “Chango” Cárdenas

Nombre completo: Juan Carlos Cárdenas Apodo: “El Chango” Fecha de nacimiento: 25 de julio de 1945 Lugar de nacimiento: Santiago del Estero, Argentina Fecha de fallecimiento: 30 de marzo de 2022 Posición: Delantero Club principal: Racing Club de Avellaneda. Trayectoria como jugador, Inició su carrera en Unión Santiago, de su ciudad natal. En 1962 se incorporó a Racing Club, donde debutó oficialmente. Fue cedido brevemente a Nueva Chicago en 1963. Regresó a Racing y formó parte del equipo campeón del torneo local en 1966. En 1967 ganó la Copa Libertadores y la Copa Intercontinental, convirtiendo el gol decisivo ante el Celtic FC en el desempate disputado en Montevideo. Entre 1972 y 1976 jugó en México para Puebla y Veracruz. Finalizó su carrera profesional en Racing Club en 1976.

Trayectoria como entrenador: Dirigió a General Lamadrid, Deportivo Armenio y All Boys en la década de 1980. Colaboró en las divisiones juveniles de Racing Club. Recomendó a Diego Milito para el primer equipo. Fue reconocido como Personalidad Destacada del Deporte por la Legislatura Porteña en 2014. En 2022, Racing Club y su ciudad natal le rindieron homenajes póstumos. Su gol en la final intercontinental de 1967 es considerado uno de los más emblemáticos del fútbol argentino

Durante la final de la Copa Intercontinental 1967, Cárdenas relató que apenas pateó desde más de 30 metros, salió corriendo a festejar antes de que la pelota entrara, porque sabía que el arquero no llegaría. “Le apunté al palo, me salió perfecto. Cuando la pelota estaba en el aire, ya estaba corriendo”, dijo

Cárdenas debutó en Racing ¡contra el Santos de Pelé! Tenía solo 16 años. En el precalentamiento, se quedó al lado del astro brasileño, quien le preguntó si era su primer partido. Luego se sacaron una foto juntos

Durante el viaje a Escocia para enfrentar al Celtic, el actor Sean Connery voló con el equipo y les dijo que hincharía por Racing porque era fan del Glasgow Rangers, el clásico rival del Celtic

Al llegar al vestuario de Racing, el legendario Omar Corbatta vio  a Cárdenas y le dijo: “¿Sos de Santiago? Entonces sos el Chango”. Así nació el apodo que lo acompañaría toda la vida

La Avenida del Libertador es una de las principales vías de circulación dentro del Parque General San Martín de Mendoza, y su historia está estrechamente ligada al desarrollo urbano, paisajístico y simbólico de este espacio público.

Originalmente conocida como Avenida Uriburu, fue parte del diseño inicial del parque, creado en 1896 por el paisajista francés Carlos Thays. Su trazado recto y flanqueado por álamos y plátanos fue pensado como eje de acceso y recorrido escénico, conectando los portones principales con el corazón del parque. En 1947, mediante la Ley 1744, se le asigna el nombre actual en homenaje al General José de San Martín, reforzando el carácter simbólico del parque como espacio de memoria nacional. A lo largo del siglo XX, la avenida fue pavimentada, arborizada y equipada con mobiliario urbano, consolidándose como eje paisajístico y recreativo.

Las primeras Vendimias en Mendoza eran un verdadero crisol de trabajo, celebración popular y construcción de identidad. En la imagen se ven vendimiadores entre barriles y viñedos parece capturar ese espíritu fundacional: el esfuerzo colectivo en torno a la uva y su transformación en vino.

La escena muestra vendimiadores en plena faena, rodeados de barriles y viñedos, en un entorno rural que evoca las primeras décadas del siglo XX. Es probable que represente una vendimia anterior a la institucionalización de la fiesta, cuando el trabajo y la celebración aún estaban íntimamente ligados al ciclo agrícola y a la vida comunitaria. Siglo XVII: La vid comienza a cultivarse en Mendoza para producir vino destinado a las misas. Cada capilla tenía su propio parral. Celebraciones espontáneas: Al finalizar la cosecha, los trabajadores festejaban con guitarras, cuecas y gatos cuyanos. Se elegía a la cosechadora más linda y se la coronaba con racimos de uva. Fiesta de las Chinas (siglo XIX): Encuentros en galpones coloniales donde se celebraba con vino nuevo, música y disputas por las mujeres más bellas. Primeras fiestas institucionales 1913: En el marco del Congreso de la Industria y el Comercio, se realiza un desfile de vendimiadores y carrozas alegóricas. Es el primer intento de fiesta pública. 1936: Se institucionaliza la Fiesta de la Vendimia por iniciativa del gobernador Guillermo Cano y el ministro Frank Romero Day. Participan 25.000 personas en el Estadio de Gimnasia y Esgrima. Se corona a Delia Larrive Escudero, representante de Godoy Cruz, como primera Reina. 1937-1940: Se incorporan elementos clave como la Marcha de la Vendimia, el Carrusel, la Bendición de los Frutos y la Vía Blanca de las Reinas. 

1910 - La Estación Puente del Inca fue uno de los hitos más altos —literal y simbólicamente— del Ferrocarril Trasandino, esa obra monumental que unió Argentina y Chile a través de la Cordillera de los Andes. Su historia está tejida entre rieles, glaciares, aguas termales y leyendas.

Nombre: Estación Puente del Inca Ubicación: Villa Puente del Inca, Departamento de Las Heras, Mendoza, Argentina Altitud: 2717 metros sobre el nivel del mar Fecha de Inauguración: 1902 Estado actual: Cerrada; estructura conservada parcialmente con valor patrimonial Edificación de tipología ferroviaria sencilla, con techo a dos aguas y estructura metálica. Plataforma ubicada frente al icónico puente natural de origen geológico. Paisaje circundante marcado por formaciones cordilleranas, nieve perpetua y aguas termales. Parte del Ferrocarril Trasandino Los Andes – Mendoza, obra binacional que conectó Argentina y Chile desde 1910. Estación estratégica para el tránsito de viajeros, montañistas y mercancías entre ambos países. Punto clave para la construcción del monumento al Cristo Redentor de los Andes. El servicio se interrumpió en 1934 por un glaciar que bloqueó el cauce del río Plomo. En 1935, el deshielo provocó un aluvión destructivo que afectó seriamente la estación. El servicio internacional cesó definitivamente en 1979; el local, en 1992.

🏛️ Estación Terminal del Ferrocarril Trasandino (Mendoza) 1907

La estación del Ferrocarril Trasandino en la ciudad de Mendoza fue mucho más que un nodo ferroviario: fue un portal simbólico entre dos mundos, el argentino y el chileno, y una pieza clave en la epopeya de unir los océanos Atlántico y Pacífico por rieles. Ubicación original: En la intersección de Belgrano y Sargento Cabral, cerca del centro mendocino. Inauguración: 22 de febrero de 1891, junto con el tramo hasta Uspallata. Estilo arquitectónico: Academicismo, con galería en forma de L y desarrollo perpendicular de las vías (estación “de punta”). Uso original: Transporte de pasajeros y cargas hacia Chile, con trasbordos desde el Ferrocarril Pacífico. Transformaciones: En 1944 quedó en desuso como estación de pasajeros. Desde 2002 alberga el Archivo General de la Provincia, con refuncionalización arquitectónica y jardines públicos. (La Imagen compartida) La entrada con pilares de piedra y techo a dos aguas evoca una caseta de control o acceso ferroviario, posiblemente vinculada a la infraestructura del Trasandino o a una estación secundaria. Su estilo rústico y el entorno arbolado refuerzan el carácter patrimonial y evocador del sitio.

🚛 25 de julio: Día de la Especialidad de Conductores Motoristas del Ejército Argentino

Esta fecha conmemora el rol esencial de los conductores motoristas, soldados especializados en la conducción y mantenimiento de vehículos militares. Su labor sostiene la movilidad táctica, logística y operativa del Ejército Argentino en todo tipo de terreno y misión. En 1938 se creó la Escuela Motorista, marcando el nacimiento formal de la especialidad. Durante la Segunda Guerra Mundial, ante la falta de importaciones, se diseñaron prototipos nacionales, lo que impulsó la mecanización del Ejército. La formación pasó por instituciones como la Escuela de Tropas Mecanizadas y la Escuela de Suboficiales Sargento Cabral. Funciones: Conducción de vehículos de combate, campaña y guarnición. Mantenimiento preventivo y reparaciones básicas. Apoyo logístico en operaciones militares, misiones de paz y asistencia comunitaria. Operan en ambientes extremos: nieve, barro, viento, selva o montaña. Requieren actualización constante ante los avances tecnológicos en vehículos y sistemas de navegación. Su patrono es San Cristóbal de Licia, protector de los caminos y los viajeros. Este día honra a quienes, con disciplina y compromiso, abren rutas para la defensa y el servicio.

FRASE DEL DÍA. No nacemos como mujer, sino que nos convertimos en una. (Simone de Beavoir)

“No se nace mujer, se llega a serlo” es una frase icónica de Simone de Beauvoir, filósofa francesa y figura clave del feminismo del siglo XX. Aparece en su obra El segundo sexo (1949), y condensa una idea revolucionaria: la identidad femenina no es un hecho biológico, sino una construcción social y cultural. No basta con nacer con características biológicas femeninas para “ser mujer”.  La sociedad moldea a las personas desde la infancia, asignando roles, expectativas y comportamientos según el género. Ser mujer implica aprender, asumir y resistir una serie de mandatos culturales que varían según el tiempo y el lugar. Beauvoir se apoya en el existencialismo: cada individuo se define por sus actos y elecciones, no por su esencia. La frase cuestiona el esencialismo (la idea de que hay una “naturaleza femenina” universal). Introduce el concepto de alteridad: la mujer ha sido históricamente definida como “el otro” frente al hombre, que se presenta como el sujeto universal. Fue clave para el desarrollo de los estudios de género y la crítica al patriarcado. Inspiró a pensadoras como Judith Butler, quien profundizó en la idea de que el género es una performance social, no una identidad fija. Hoy se usa también para reflexionar sobre identidades trans, no binarias y disidencias, ampliando el debate sobre cómo se construye el género.

25 de Julio. Día Internacional para el Bienestar Judicial: justicia con humanidad. Proclama: Asamblea General de Naciones Unidas Desde cuando se celebra: 2025

El 25 de julio fue proclamado por la Asamblea General de las Naciones Unidas como el Día Internacional para el Bienestar Judicial, a partir de la Resolución A/RES/79/266 aprobada en marzo de 2025. Esta fecha busca visibilizar la importancia de cuidar la salud física, mental y emocional de quienes integran el poder judicial: jueces, magistrados, comisionados y personal de tribunales. Los jueces enfrentan altos niveles de estrés, aislamiento y desgaste emocional por la responsabilidad de impartir justicia. El bienestar judicial es clave para garantizar la independencia, integridad y eficacia del sistema judicial. Un juez agotado o presionado puede comprometer la calidad de sus decisiones, afectando el acceso a la justicia y la confianza pública. Durante una conferencia regional en Nauru, se adoptó una declaración que establece siete principios rectores para promover el bienestar judicial: Reconocer que el bienestar es fundamental para la justicia. Eliminar el estigma sobre el estrés y la salud mental. Asumir una responsabilidad compartida entre jueces e instituciones. Fomentar una cultura judicial inclusiva y ética. Aplicar un enfoque holístico: prevención, intervención y recuperación. Adaptar las medidas al contexto local. Vincular el bienestar judicial con los derechos humanos. Este día recuerda que una justicia sana requiere personas sanas.

🥂 Un brindis por la novia: Oxford, Ohio, 1905

La fotografía titulada “Un brindis por la novia”, tomada en 1905 por el fotógrafo estadounidense Frank R. Snyder, captura un momento íntimo y ceremonial en la vida social femenina de principios del siglo XX. El retrato muestra a un grupo de mujeres elegantemente vestidas, reunidas alrededor de una mesa decorada con copas y candelabros, levantando sus copas en un gesto de celebración. La escena fue registrada en Oxford, Ohio, y forma parte de la Colección Frank Snyder conservada por las Bibliotecas de la Universidad de Miami. Las mujeres visten trajes largos de gala, típicos de la moda eduardiana, con detalles en encaje, mangas abullonadas y peinados recogidos. La disposición de la mesa, con copas de cristal y candelabros, sugiere una ocasión formal, posiblemente una despedida de soltera o una reunión previa a la boda. La mujer sentada en el centro podría ser la novia, rodeada por sus amigas o damas de honor, en un gesto de homenaje. En 1905, los rituales sociales femeninos estaban profundamente marcados por la etiqueta victoriana tardía, aunque ya comenzaban a surgir gestos más espontáneos como este brindis. Las fotografías grupales de mujeres eran comunes en álbumes familiares, pero esta imagen destaca por su composición teatral y simbólica. Frank Snyder, activo en la región de Ohio, documentó escenas cotidianas y celebraciones con un estilo que combinaba documentación y puesta en escena. La imagen ofrece una ventana a las costumbres sociales de la época, especialmente en comunidades universitarias o rurales del Medio Oeste estadounidense. Su conservación en una colección universitaria sugiere un interés por preservar la historia de la vida privada y femenina. Ha sido restaurada digitalmente y difundida como reimpresión vintage, lo que ha permitido su circulación como objeto decorativo y de estudio

🚸"Infancia obrera en movimiento: Carro de caja en el río Támesis (1925)" Reino Unido

La imagen muestra una escena entrañable y espontánea: tres niños pequeños juegan en las aguas poco profundas del río Támesis con un carro improvisado, hecho de una caja reciclada y tirado a mano. Uno lo arrastra desde la orilla, mientras los otros dos lo empujan o montan dentro del agua. Es una postal de la ingeniería infantil, donde la imaginación convierte objetos cotidianos en vehículos de aventura. En 1925, Londres vivía una etapa de recuperación tras la Primera Guerra Mundial. La infancia, aunque marcada por restricciones económicas, encontraba espacios de juego en entornos naturales como el río. El Támesis, más que un símbolo urbano, era un lugar de encuentro, pesca, baño y recreación para las clases trabajadoras. El uso de materiales reciclados como cajas para construir juguetes refleja tanto la escasez como la creatividad popular de la época. El carro de caja representa una forma de juego autónomo y colectivo, donde los niños diseñan sus propios mundos. La escena sugiere una ausencia de adultos, lo que refuerza la idea de libertad y exploración. El agua poco profunda añade un elemento de riesgo controlado, típico de los juegos al aire libre en ese período. La fotografía captura un momento de vida cotidiana no institucionalizada, lejos de escuelas o eventos oficiales. Es probable que haya sido tomada por un fotógrafo aficionado o parte de un proyecto etnográfico sobre la infancia urbana. Su valor reside en mostrar cómo los niños reapropian el espacio público para el juego, incluso en zonas fluviales.

🫖 Anne y sus amigos salvajes: una escena encantada en National Geographic, 1938

La fotografía publicada en la edición de National Geographic de agosto de 1938 muestra a una niña llamada Anne, sentada en una pequeña mesa de té, acompañada por dos invitados insólitos: una langosta espinosa y un halcón bebé. La imagen, titulada “Anne y su familia vivían solas en una isla. Disfrutó tomando el té con sus amigos, la langosta espinosa y el bebé halcón”, se convirtió en una de las postales más curiosas y entrañables del archivo fotográfico de la revista. La familia de Anne vivía aislada en una isla, probablemente en algún lugar del Caribe o del Pacífico, aunque la ubicación exacta no fue especificada. La escena fue capturada como parte de un reportaje sobre formas de vida remotas y autosuficientes, muy en línea con el espíritu explorador de National Geographic en los años 30. El fotógrafo —posiblemente parte del equipo editorial— utilizó un fondo pintado y una composición teatral para resaltar el carácter lúdico y simbólico de la escena. La langosta espinosa, colocada sobre la mesa, representa el vínculo cotidiano con la fauna marina, común en entornos insulares. El halcón bebé, posado cerca de la niña, sugiere una relación de confianza con la vida silvestre, casi como si fueran mascotas o compañeros de juego. Ambos animales, lejos de ser decorativos, parecen formar parte de una narrativa afectiva: Anne no está sola, sino acompañada por la naturaleza. La imagen mezcla documentación y fantasía, mostrando cómo la infancia puede adaptarse y florecer en entornos extremos. Refleja una visión romántica de la vida en la isla: autosuficiencia, inocencia y armonía con el entorno. En tiempos previos a la televisión, estas fotos eran ventanas al mundo, y esta en particular ofrecía una historia que parecía sacada de un cuento.

📸 Grace Kelly en “Rear Window” (1954): elegancia congelada en celuloide

La imagen que compartiste es una de las más icónicas del Hollywood clásico: Grace Kelly vestida con el célebre diseño de Edith Head para su entrada triunfal en Rear Window, capturada por el fotógrafo Bud Fraker en una sesión promocional de 1954. Esta foto no solo inmortaliza un momento cinematográfico, sino que también consagra un ideal de estilo, sofisticación y narrativa visual. Diseñado por Edith Head, el vestido combina un corpiño negro de escote profundo con una falda blanca de tul y gasa, adornada con bordados en forma de enredaderas que caen desde la cintura. La silueta evoca la estética de una figura de porcelana de Dresden, como deseaba Hitchcock: intocable, refinada, pero emocionalmente compleja. El conjunto se completa con guantes largos blancos, collar de perlas, zapatos de tacón con tiras y un pañuelo blanco, todo cuidadosamente elegido para reforzar el carácter de Lisa Fremont, una editora de moda neoyorquina. La escena de entrada de Lisa Fremont es una de las más estudiadas en la historia del vestuario cinematográfico. El vestido no solo comunica estatus social, sino también tensión narrativa: ¿puede una mujer tan elegante adaptarse al mundo del fotógrafo aventurero interpretado por James Stewart? Hitchcock pidió a Head que los trajes de Kelly transmitieran conflicto emocional, y este vestido lo logra con sutileza: belleza, lujo y vulnerabilidad. Fraker, fotógrafo oficial de Paramount, capturó a Grace Kelly en una serie de imágenes que difunden la estética del personaje más allá del film. Su estilo de iluminación suave y encuadre clásico refuerza la idea de una mujer suspendida entre el cine y la realeza, justo antes de que Kelly se convirtiera en princesa de Mónaco. El vestido ha sido replicado, reinterpretado y homenajeado en múltiples ocasiones, desde pasarelas hasta editoriales de moda. En 2010, un boceto original firmado por Edith Head fue subastado en Christie's, consolidando su valor como pieza de arte y diseño

“Tres musas del Atlántico: verano, curvas y libertad en Coney Island, 1935”

La imagen compartida captura un instante vibrante y despreocupado en la playa de Coney Island, Brooklyn, durante el verano de 1935. Tres mujeres con trajes de baño de época posan abrazadas, sonrientes y radiantes, encarnando el espíritu de una generación que comenzaba a redefinir la feminidad y el ocio público. Coney Island en los años 30 era el epicentro del entretenimiento popular en Nueva York: playas, parques de diversiones, espectáculos y una mezcla de clases sociales que se reunían para escapar del calor urbano. La moda de baño femenina estaba en plena transición: los trajes de una sola pieza ganaban popularidad, con cortes más ajustados que celebraban las curvas sin perder la modestia exigida por la época. La Gran Depresión aún marcaba la vida cotidiana, pero espacios como Coney Island ofrecían una válvula de escape accesible, donde la alegría y el cuerpo podían expresarse libremente. Las tres mujeres, probablemente amigas o hermanas, se muestran confiadas y alegres, abrazadas en la arena frente a una estructura de madera que podría ser parte del paseo marítimo. Sus poses y sonrisas transmiten una energía de camaradería y orgullo corporal que desafía los cánones rígidos de belleza de la época.

🚲“Papá holandés en modo multitarea: una postal familiar sobre dos ruedas”, 1966: una postal de ingenio y afecto familiar.

La imagen compartida es una joya documental que encapsula, con humor y ternura, el espíritu práctico y familiar de los Países Bajos en los años 60. En ella vemos a un hombre que lleva a dos niños: uno en el asiento delantero de su bicicleta y otro en un cochecito de bebé que él mismo empuja mientras pedalea. Todo esto ocurre en un camino rural, rodeado de campos abiertos, bajo una luz suave que acentúa la cotidianidad del momento. ¿Por qué “el padre más holandés”? Porque la bicicleta es el símbolo nacional por excelencia: medio de transporte, estilo de vida y filosofía urbana. Porque transportar a los hijos en bici es una práctica común en los Países Bajos, incluso hoy, pero esta imagen lleva el ingenio al extremo. Porque el acto de empujar un cochecito mientras se pedalea requiere equilibrio, fuerza y una dosis de amor paternal que trasciende lo funcional. La escena refleja una época en que la movilidad familiar dependía de la creatividad, no de la tecnología. El entorno rural sugiere una vida sencilla, donde la bicicleta era el vehículo universal. El padre no solo transporta: acompaña, cuida y adapta su rutina a las necesidades de sus hijos. Esta imagen ha circulado en redes y archivos vintage como ejemplo de “Dutch dad energy”, una mezcla de humor, eficiencia y cariño. Se ha convertido en un símbolo visual de la cultura ciclista holandesa, y suele acompañarse del título “The most Dutch dad ever”.

🍺 Jet, el labrador bartender de Preston: talento, humor y oficio canino. "Ratas por la mañana, cerveza por la noche: la doble vida de Jet"

En febrero de 1953, el periódico británico Sunday Mirror dedicó una doble página a una historia tan insólita como entrañable: la de Jet, un labrador retriever negro que vivía en Preston, Inglaterra, y que había sido entrenado por su dueño, Jimmy Gainer, para realizar tareas que iban mucho más allá del instinto animal. Jimmy Gainer era un cazador de ratas profesional, oficio común en la posguerra británica, cuando los roedores proliferaban en zonas urbanas. Jet lo acompañaba en sus recorridas, ayudando a detectar y atrapar ratas, mostrando una inteligencia y obediencia excepcionales. Pero su fama llegó por su “actividad secundaria”: Jet podía servir cerveza, tomar dinero de los clientes, depositarlo en la caja registradora y entregar el cambio. Tras una jornada de trabajo, Jimmy y Jet solían visitar pubs locales, donde el perro se convirtió en atracción habitual. Jet sabía abrir botellas, verter cerveza en vasos y llevarla con cuidado a los clientes, como si fuera un camarero entrenado. Su habilidad para manejar dinero y reconocer billetes lo convirtió en una sensación mediática, con fotos que lo muestran detrás de la barra, botella en hocico y mirada profesional. En la fotografía publicada, Jet aparece sirviendo una bebida, rodeado de botellas en un bar, con una expresión serena y concentrada. El gesto no es solo gracioso: transmite una relación de confianza y entrenamiento profundo entre humano y animal. La historia de Jet fue retomada por medios y coleccionistas de imágenes vintage como Vintage News Daily, que celebran su figura como ejemplo de ingenio popular y humor británico. Aunque no se sabe cuánto tiempo duró su “carrera de bartender”, Jet quedó en la memoria como uno de los perros más talentosos y carismáticos del Reino Unido. Jet no solo atrapaba ratas: atrapaba sonrisas.

🎉 24 de julio de 1951: nace Lynda Carter, la Mujer Maravilla original

Ese día, en Phoenix, Arizona, nació Linda Jean Córdova Carter, quien décadas más tarde se convertiría en un ícono cultural como Wonder Woman en la televisión. De ascendencia mexicana por parte de su madre, Carter comenzó su carrera artística como cantante, pero fue su coronación como Miss World USA en 1972 lo que la catapultó al estrellato. En 1975, fue elegida para interpretar a Diana Prince / Wonder Woman, en una serie que duró hasta 1979 y redefinió el rol femenino en la televisión. Su traje estrellado, su lazo de la verdad y su carisma convirtieron a Carter en símbolo de empoderamiento, especialmente en una época donde los personajes femeninos eran secundarios. A pesar de los efectos especiales modestos, su interpretación fue elegante, fuerte y empática, y marcó a toda una generación. Carter también desarrolló una carrera como cantante de jazz y blues, con discos como Portrait (1978) y At Last (2009). Participó en películas, series y videojuegos, y en 2020 hizo un cameo como Asteria en Wonder Woman 1984, cerrando el círculo con elegancia. Enfrentó desafíos como el alcoholismo, que superó con apoyo familiar. Fue parte del movimiento #MeToo, denunciando abusos sufridos en su carrera. Ha sido activa en causas como derechos LGBTQ+, salud mental y violencia de género. Hoy, Lynda Carter sigue siendo una figura querida y respetada. Su legado como Mujer Maravilla no solo vive en la pantalla, sino en su lucha por un mundo más justo.

📸 Una escena insólita y tierna: “Rock-a-bye-baby” con burro, ca. 1910

La imagen muestra a un hombre sentado en una silla de mimbre, con un pequeño burro en su regazo, como si fuera un bebé. Lleva sombrero de ala ancha y traje formal, mientras detrás se extiende un fondo pintado con árboles y senderos, típico de los estudios fotográficos de principios del siglo XX. En la esquina inferior derecha aparece el texto “ROCK-A-BYE-BABY”, una referencia humorística a la clásica canción de cuna. Esta fotografía probablemente fue tomada en Estados Unidos o Europa entre 1895 y 1915, cuando los estudios fotográficos ofrecían retratos escenificados con fondos pintados y poses teatrales. El uso de animales en retratos era poco común, pero no inaudito: los burros eran símbolos de ternura rural, trabajo humilde y, en algunos casos, comicidad. El título “Rock-a-bye-baby” sugiere una intención humorística, parodiando la idea de un padre meciendo a su hijo, pero con un burro en lugar de un bebé. Aunque en redes sociales se ha difundido la idea de que se trata del escritor Juan Ramón Jiménez con su famoso burro “Platero”, esto ha sido desmentido por la Casa Museo Zenobia-Juan Ramón Jiménez. La imagen aparece en repositorios como Shutterstock, atribuida a Bill Manns, con fecha estimada de 1895, cuando Jiménez tenía apenas 14 años. El contraste entre la seriedad del hombre y la absurda ternura del burro genera una escena que mezcla afecto, ironía y teatralidad. El fondo pintado y la pose cuidadosamente compuesta indican que no fue una foto espontánea, sino parte de una puesta en escena fotográfica, quizás para una postal o recuerdo. Esta imagen es un ejemplo encantador de cómo la fotografía antigua podía jugar con los códigos del retrato formal para crear momentos de humor y ternura.