sábado, 9 de mayo de 2020
ANTIGUO MÉTODO ANTICONCEPTIVO. Tomar MERCURIO
Desde los tiempos mas remotos una de las grandes preocupaciones de las mujeres era no quedar embarazadas. Para lograr su acometido recurrían a cualquier método sin importar sus efectos secundarios. En la antigua China la mujeres tomaban aceite con mercurio , con el tiempo la acumulación del mercurio en la sangre causaba problemas en la médula, insuficiencia renal , y hasta daños cerebrales, pero igual repetían su consumo porque lo esencial era no quedar embarazadas.
viernes, 8 de mayo de 2020
El Travestismo en Nueva York a Fines de la Década de 1930 y Principios d...
Las leyes de vestimenta cruzada rara vez se aplican en las ciudades estadounidenses en la actualidad. Sin embargo, entre 1848 y la Primera Guerra Mundial, 45 ciudades en los Estados Unidos aprobaron leyes contra el travestismo definido como "usar la ropa del otro sexo". En efecto, las leyes contra el vestuario se convirtieron en una herramienta flexible para que la policía aplique el género normativo en múltiples identidades de género, incluidas las mujeres masculinas y las personas que se identifican como transgénero o no conformes con el género. Pero a medida que pasaba el tiempo y evolucionaba la moda, era cada vez más difícil incluso definir qué implicaba el "travestismo" desde una perspectiva policial. La organización Gay & Lesbian Alliance Against Defamation define a los travestis específicamente como hombres heterosexuales que ocasionalmente usan ropa, maquillaje y accesorios asociados culturalmente con las mujeres. "En el momento en que la contracultura estaba en plena floración, las detenciones de travestismo eran expulsadas rutinariamente de la corte", Susan Stryker,Un profesor asociado de Estudios de Género y de la Mujer en la Universidad de Arizona, dijo a PBS . "Arrestar a personas con disfraces era principalmente una forma de acoso policial".
El 8 de Mayo de 1945, en Allentown, Pensilvania, EEUU, nacía el mas genial y mal humorado pianista de Jazz del siglo XX, ese día el mundo se vestía de gala para recibir a Keith Jarrett.
Con solo 3 años comenzó a tomar clases de piano y con solo 7 años realizó un concierto dejando atónito al público. Sus estudios no se limitaron al piano, incursionó en el Vibráfono, clavicordio, saxo soprano y hasta batería. Su formación académica la hizo en el Berklee College of Music de Boston donde formó sus primer grupo. Su talento crecía junto a su perfeccionismo y mal humor. Para pulir su estilo se unió a bandas de disímiles estilos y exigencias, toco para Don Jacoby, Tony Scott y Charles Lloyd. Formó sociedades de excepción con Miles Davis, Gary Burton y Chick Corea. Fue en el Jazz donde mas se destacó, aunque interpretó con igual maestría composiciones de Johann Sebastian Bach y Georg Friedrich Händel. Dentro de su vasta discografía pasarán a la historia las "improvisaciones", por su calidad y virtuosismo resulta increíble que esas obras maestras no existieran antes de ser ejecutadas. Su excéntrico perfeccionismo roza la histeria, suele interrumpir recitales si escucha una tos en la platea. En una oportunidad en el Teatro Colón de Buenos Aires notó que le sacaban una foto con un celular antes de iniciar el recital, se retiró tras el telón negándose a tocar, lo convencieron, luego de brindar un recital impecable sentenció "Gastaron millones de dólares en arreglar este teatro maravilloso y tiene un piano de mierda". Cuando toca el piano, parece que tuviera un cerebro para cada mano, resulta imposible entender como logra improvisar y lograr climas y atmósferas distintas con cada una de ellas.
El 8 de Mayo de 1794, en París, moría Lavoisier: el genio que pesó la materia, cambió la química y terminó bajo la guillotina
El 8 de mayo de 1794, en París, la Revolución Francesa apagó una de las mentes más brillantes de la historia de la ciencia: Antoine-Laurent Lavoisier, considerado el padre de la química moderna. Su muerte no fue solo la ejecución de un hombre, sino el símbolo brutal de una época en la que la razón, la política, el miedo y la justicia revolucionaria chocaron de frente. Lavoisier nació en París el 26 de agosto de 1743 —no el 16— y desde joven recibió una educación privilegiada en el Collège Mazarin, también conocido como Colegio de las Cuatro Naciones. Aunque estudió Derecho por tradición familiar, su verdadera pasión se inclinó hacia las ciencias naturales, la física, la química y la observación rigurosa del mundo. Su carrera científica comenzó a destacarse muy temprano. En 1768 fue elegido miembro de la Academia de Ciencias de París, una de las instituciones intelectuales más prestigiosas de Europa. Ese mismo año ingresó en la Ferme Générale, una poderosa organización privada encargada de recaudar impuestos para la monarquía francesa. Aquella decisión le dio recursos para financiar investigaciones, montar un laboratorio de primer nivel y desarrollar una obra científica extraordinaria, pero también terminaría siendo la causa política de su caída durante el Terror revolucionario. En 1771 se casó con Marie-Anne Pierrette Paulze, quien fue mucho más que su esposa: colaboró en el laboratorio, tradujo textos científicos del inglés, realizó dibujos de aparatos experimentales y ayudó a organizar parte del trabajo que cambiaría la química para siempre. Su papel fue fundamental para que las ideas de Lavoisier circularan con precisión en una Europa científica todavía dominada por viejas teorías. Lavoisier transformó la química porque la volvió una ciencia de medición exacta. Pesaba reactivos y productos, estudiaba los gases, analizaba la combustión y defendía una idea revolucionaria: en una reacción química, la materia no desaparece, sino que se transforma. Así quedó asociada su obra a la ley de conservación de la masa. También explicó el papel del oxígeno en la combustión y en la respiración, ayudó a demostrar que el agua no era un elemento simple sino un compuesto de hidrógeno y oxígeno, y participó en la creación de una nomenclatura química moderna. En 1789 publicó su obra más célebre, el Tratado elemental de química, donde presentó una nueva manera de ordenar la ciencia química. Allí definió el concepto de elemento como una sustancia que no podía descomponerse mediante los métodos químicos conocidos de su tiempo. Aquel libro fue una verdadera declaración de independencia frente a la antigua teoría del flogisto y marcó el nacimiento de la química moderna. Pero la historia dio un giro trágico. Durante la Revolución Francesa, su vínculo con la recaudación de impuestos del Antiguo Régimen lo convirtió en blanco político. Fue arrestado, juzgado y condenado junto a otros miembros de la Ferme Générale. El 8 de mayo de 1794, Lavoisier fue guillotinado en París junto a su suegro y otros recaudadores. La frase atribuida al matemático Joseph-Louis Lagrange resume la magnitud de la pérdida: “Bastó un instante para cortar esa cabeza, y quizá cien años no alcancen para producir otra igual”. Aquel día no murió solamente un químico. Murió un hombre que enseñó a la ciencia a medir, comprobar y nombrar el mundo de otra manera. La guillotina pudo detener su vida, pero no su legado: cada laboratorio moderno, cada fórmula balanceada y cada principio de conservación llevan todavía la huella de Lavoisier. #Lavoisier #AntoineLavoisier #HistoriaDeLaCiencia #QuímicaModerna #PadreDeLaQuímica #RevoluciónFrancesa #8DeMayo #Efemérides #CienciaEHistoria #MarieAnneLavoisier #ConservaciónDeLaMasa #MendozAntigua #Lavoisier #AntoineLavoisier #HistoryOfScience #ModernChemistry #FrenchRevolution #ScienceHistory #ChemistryHistory #FatherOfChemistry #May8 #ScientificRevolution
Un 8 de Mayo de 2012 en Adrogué, Argentina, fallecía Caloi: el lápiz que inventó a Clemente, desafió al Mundial 78 y cambió para siempre el humor argentino
El 8 de mayo de 2012, en Adrogué, se apagó la vida de Carlos Loiseau, el entrañable Caloi, uno de los grandes nombres del humor gráfico argentino. Había nacido en Salta el 9 de noviembre de 1948, pero gran parte de su historia personal y afectiva quedó ligada a Adrogué, donde vivió durante buena parte de su vida. Con apenas un lápiz, una mirada aguda y una sensibilidad popular única, fue capaz de construir un universo propio, lleno de ironía, ternura, fútbol, absurdo y crítica social. Su camino profesional comenzó muy joven. En 1966 publicó sus primeros trabajos en la mítica revista Tía Vicenta; al año siguiente creó la serie “Artista, Flor, Ejecutivo” en María Belén; luego pasó por Análisis y, desde 1968, comenzó una relación fundamental con el diario Clarín, donde su obra terminaría convirtiéndose en parte de la memoria cotidiana de millones de lectores. También colaboró con publicaciones como Satiricón, Mengano y El Gráfico, donde desplegó una de sus grandes pasiones: el humor deportivo. En 1973 apareció en Clarín “Clemente y Bartolo”. Bartolo era el conductor de tranvías, pero con el tiempo aquel pájaro sin alas llamado Clemente ganó la escena hasta transformarse en un ícono popular argentino. Desde la contratapa del diario, Clemente habló de política, fútbol, mujeres, aceitunas, costumbres urbanas y contradicciones nacionales con una libertad disfrazada de humor. Su personaje fue tan importante que en 2004 fue declarado Patrimonio Cultural de la Ciudad de Buenos Aires. Uno de sus momentos más recordados llegó durante el Mundial de 1978. Mientras el relator José María Muñoz desalentaba la costumbre de tirar papelitos en las canchas, Clemente hizo exactamente lo contrario: desde la historieta alentó a la gente a defender esa celebración popular. En la final entre Argentina y Holanda, el estadio se cubrió de papeles blancos, y esa imagen quedó grabada como una de las postales más emocionantes del campeonato. Pero Caloi no fue solo Clemente. En 1990 creó “Caloi en su tinta”, un programa dedicado a difundir el cine de animación de autor, que comenzó en ATC y luego pasó por otras pantallas hasta regresar a Canal 7. Aquella emisión fue una joya cultural de la televisión argentina: abrió una ventana a cortos, artistas y realizadores de todo el mundo, y recibió premios como el Martín Fierro al mejor programa cultural y educativo en 1993. Su legado siguió creciendo más allá de su muerte. La Biblioteca Nacional recordó recientemente la donación de originales, bocetos y materiales de Caloi realizada por su familia, una señal de que su obra ya pertenece al patrimonio cultural argentino. También dejó su huella en el cine con “Ánima Buenos Aires”, largometraje animado estrenado en Argentina el 3 de mayo de 2012, apenas cinco días antes de su fallecimiento. Caloi fue dibujante, humorista, observador social, cronista sentimental y artista popular. Junto a Quino y Fontanarrosa, integra una constelación irrepetible del humor gráfico argentino. Se fue el hombre, pero quedaron sus trazos, sus personajes, su voz y ese Clemente eterno que todavía parece gritar desde alguna tribuna: “¡Tiren papelitos!” #Caloi #CarlosLoiseau #Clemente #HumorGráfico #HistorietaArgentina #Mundial78 #TirenPapelitos #CaloiEnSuTinta #CulturaArgentina #Adrogué #Quino #Fontanarrosa #MendozAntigua #Caloi #CarlosLoiseau #Clemente #ArgentineComics #GraphicHumor #ComicArt #AnimationHistory #ArgentineCulture #WorldCup78 #LatinAmericanArt
El 8 de Mayo de 1982 en el circuito de Zolder, Bélgica, moría Gilles Villeneuve: el “diablo” de Ferrari que no necesitó una corona para volverse leyenda
El 8 de mayo de 1982, en el circuito de Zolder, Bélgica, la Fórmula 1 perdió a uno de sus pilotos más intensos, queridos y temerarios: Gilles Villeneuve, el canadiense que convirtió cada curva en una declaración de guerra contra el miedo. No fue campeón del mundo, pero su nombre quedó grabado entre los inmortales porque manejaba con una mezcla única de talento, furia, instinto y romanticismo deportivo. F1 recuerda que murió trágicamente en Zolder el 8 de mayo de 1982 y que, pese a sus números relativamente breves —6 victorias, 13 podios, 2 poles y ningún título mundial—, su figura alcanzó una dimensión legendaria. Nacido en Quebec, Villeneuve encontró primero la velocidad en las motos de nieve, donde aprendió a dominar máquinas inestables, superficies traicioneras y reflejos al límite. Luego pasó a los autos, brilló en la Fórmula Atlantic y llamó la atención de figuras del automovilismo internacional. En 1977 tuvo su oportunidad en la Fórmula 1 con McLaren, pero el destino lo esperaba vestido de rojo: Enzo Ferrari vio en él algo distinto y lo llevó a Maranello. Motorsport recuerda que, tras aquella aparición inicial, Ferrari apostó por un piloto todavía poco conocido en Europa, pero dueño de una valentía fuera de escala. Con Ferrari, Gilles se transformó en una figura de culto. Aceptó convivir con compañeros fuertes como Carlos Reutemann, Jody Scheckter y luego Didier Pironi, pero su estilo era imposible de domesticar. No corría solo para sumar puntos: corría para atacar, para buscar el hueco imposible, para levantar al público de las tribunas. En 1979 fue subcampeón detrás de Scheckter, ayudó al título de Ferrari y protagonizó una de las batallas más recordadas de la historia de la F1: el duelo con René Arnoux en Dijon-Prenois, rueda contra rueda, golpe contra golpe, por el segundo lugar del Gran Premio de Francia. F1 lo cita como uno de los momentos que cimentaron su mito. Villeneuve era amado porque parecía correr como si cada vuelta fuera la última. Su número 27, sus Ferrari rojas y su forma salvaje de manejar quedaron asociados para siempre a una época en la que la Fórmula 1 mezclaba gloria, peligro y héroes de carne y hueso. No siempre fue prudente, pero nunca fue indiferente. En una categoría donde muchos calculaban, Gilles aceleraba; donde otros administraban, él atacaba. La tragedia llegó durante la clasificación del Gran Premio de Bélgica de 1982. Según la reconstrucción de Motorsport, Villeneuve venía presionando en los minutos finales de la tanda cuando se encontró con el March de Jochen Mass, que circulaba más lento. Ambos eligieron el mismo lado en una fracción de segundo fatal: la Ferrari impactó contra el auto de Mass, salió despedida y se desintegró violentamente. Villeneuve sufrió heridas gravísimas, incluida una fractura cervical, y murió esa noche en el hospital de Lovaina. La historia dirá que Gilles Villeneuve nunca ganó un campeonato mundial. Pero la memoria del automovilismo sabe otra cosa: algunos pilotos no se miden solo por trofeos, sino por la huella que dejan. Gilles fue uno de ellos. Un corredor que convirtió seis victorias en eternidad, que hizo de Ferrari una religión emocional y que todavía vive cada vez que una tribuna recuerda que la velocidad también puede ser poesía, riesgo y coraje. #GillesVilleneuve #Ferrari #Formula1 #F1 #Zolder1982 #GranPremioDeBélgica #HistoriaDeLaF1 #Automovilismo #Maranello #Dijon1979 #ReneArnoux #EnzoFerrari #PilotosLegendarios #MendozAntigua #GillesVilleneuve #FerrariLegend #FormulaOne #F1History #MotorsportHistory #BelgianGP #Zolder #RacingLegend #ClassicF1 #MotorsportLegends
8 de mayo de 1980: el día en que la humanidad derrotó a la viruela, el monstruo que marcó rostros y tumbó imperios
El 8 de mayo de 1980, la 33.ª Asamblea Mundial de la Salud aceptó oficialmente la declaración de erradicación global de la viruela, una de las enfermedades más temidas de la historia humana. Aquel día, la Organización Mundial de la Salud certificó que el mundo quedaba libre de una peste que durante siglos había provocado epidemias devastadoras, muerte, ceguera, cicatrices y miedo La viruela era causada por el virus variola. No fue una enfermedad cualquiera: acompañó a la humanidad durante milenios. El CDC señala que existen rastros compatibles con viruela en momias egipcias de unos 3.000 años y que descripciones antiguas de una enfermedad similar aparecen en China, India y Asia Menor. Su expansión siguió las rutas del comercio, las guerras, las conquistas y los grandes movimientos de población. Su poder destructivo era enorme. En promedio, 3 de cada 10 personas infectadas morían, y muchos sobrevivientes quedaban con cicatrices profundas, a veces desfigurantes. La enfermedad también llegó a América con la expansión europea y la trata esclavista, golpeando con fuerza a poblaciones que no tenían defensas previas frente al virus. Mucho antes de la vacunación moderna existió la variolización, una práctica que consistía en exponer a una persona sana al material de las lesiones de alguien infectado, con la intención de provocar una forma más leve de la enfermedad y generar protección. Era un método riesgoso, pero morían menos personas que al contraer la viruela de manera natural. El gran salto llegó en 1796, cuando el médico inglés Edward Jenner observó que las ordeñadoras que habían padecido viruela vacuna parecían protegidas contra la viruela humana. Entonces inoculó material de una lesión de viruela vacuna en James Phipps, un niño de 8 años, y meses después comprobó que no desarrollaba la enfermedad. Aquellos experimentos, hoy éticamente inaceptables, abrieron el camino a la vacunación moderna. De allí viene la palabra “vacuna”, asociada originalmente a la viruela bovina. Sin embargo, todavía harían falta casi dos siglos para eliminar la enfermedad. En 1959, la OMS inició un plan mundial contra la viruela, pero la campaña tuvo dificultades por falta de recursos, personal, compromiso político y vacunas suficientes. El cambio decisivo llegó en 1967, con el Programa Intensificado de Erradicación: mejores vacunas liofilizadas, vigilancia de casos, vacunación masiva y estrategias de contención permitieron cerrar el cerco sobre el virus. El último caso natural de variola major ocurrió en Bangladesh, en 1975, en una niña llamada Rahima Banu. El último caso natural de variola minor fue el de Ali Maow Maalin, cocinero hospitalario en Merca, Somalia, diagnosticado correctamente en octubre de 1977. La última muerte por viruela ocurrió en 1978, en Birmingham, Inglaterra, por un accidente de laboratorio que afectó a Janet Parker. Después de décadas de ciencia, campañas sanitarias, vacunadores, médicos, enfermeros y equipos recorriendo pueblos remotos, la viruela fue vencida. La OMS considera su erradicación uno de los mayores logros de la salud pública internacional. Junto con la peste bovina, declarada erradicada en 2011, forma parte del pequeño grupo de enfermedades eliminadas globalmente por acción humana. Queda, sin embargo, una advertencia histórica. Tras la erradicación, las muestras oficiales del virus variola quedaron reducidas a dos repositorios autorizados por la OMS: el CDC en Atlanta, Estados Unidos, y el centro VECTOR en Koltsovo, Rusia. La OMS mantiene supervisión e inspecciones de bioseguridad sobre esos depósitos. Además, no es correcto afirmar que hoy no exista ningún stock de vacunas: el CDC informa que la Reserva Nacional Estratégica de Estados Unidos cuenta con vacunas contra la viruela, y la OMS también mantiene orientación sobre reservas para una eventual emergencia. El 8 de mayo de 1980 no fue una fecha más. Fue el día en que la humanidad demostró que una enfermedad que había aterrorizado al mundo podía ser derrotada con ciencia, cooperación y memoria. La viruela dejó de circular, pero su historia sigue recordándonos algo esencial: las grandes victorias sanitarias no nacen del azar, sino del conocimiento, la organización y la voluntad colectiva. #Viruela #ErradicaciónDeLaViruela #8DeMayo #HistoriaDeLaMedicina #EdwardJenner #Vacunación #OMS #SaludPública #HistoriaMundial #CienciaYHumanidad #MemoriaHistórica #MendozAntigua #Smallpox #SmallpoxEradication #VaccinationHistory #EdwardJenner #WHO #PublicHealth #MedicalHistory #ScienceHistory #HumanityWins
El local de ventas de plantas y flores que el Señor Penisse poseía en calle San Martín 1815 de Godoy Cruz. (1935) Mendoza
A la venta Coronas, Ramos y Canastas para Fiesta, Casamientos y Banquetes.
Esta es la primera fotografía tomada del desastre nuclear de Chernobyl, y la única foto que sobrevive desde la mañana del accidente. (1986)
Igor Kostin fue
un fotógrafo de Kiev que se hizo mundialmente famoso por sus imágenes de la
operación de limpieza. La imagen es muy ruidosa porque la radiación estaba
destruyendo la película en su cámara. De todos los disparos que tomó en
ese vuelo, este es el único que no se arruinó.
jueves, 7 de mayo de 2020
6 de mayo de 1968: el nuevo videófono de la compañía Toshiba, el Model 500 View Phone, siendo probado en la sede de la compañía de Tok
(Foto de Keystone / Hulton Archive / Getty Imágenes)
7 de Mayo de 1825, en Viena, Austria, moría Antonio Salieri: el genio condenado por una leyenda negra que Hollywood convirtió en villano
El 7 de mayo de 1825, en Viena, murió Antonio Salieri, uno de los compositores más influyentes de la Europa clásica y, al mismo tiempo, una de las figuras más injustamente recordadas por la historia popular. Durante mucho tiempo su nombre quedó atrapado en una acusación casi novelesca: la supuesta rivalidad mortal con Mozart. Sin embargo, detrás del mito había algo mucho más grande: un músico brillante, respetado en la corte imperial, maestro de generaciones y protagonista central de la vida musical vienesa. Salieri había nacido el 18 de agosto de 1750 en Legnago, entonces parte de la República de Venecia. Desde joven mostró talento musical y, a los 16 años, fue llevado a Viena por Florian Leopold Gassmann, compositor de la corte imperial. Allí fue presentado al emperador José II y comenzó una carrera extraordinaria dentro del mundo musical de los Habsburgo. Su primera ópera, Le donne letterate, se estrenó en Viena en 1770, y pocos años después ya era compositor de la corte. En 1788 alcanzó el prestigioso cargo de Hofkapellmeister, que ocupó durante 36 años. Aunque hoy muchos lo recuerdan por su relación con Mozart, Salieri fue en su tiempo un compositor de enorme prestigio. Escribió óperas para teatros de Austria, Francia e Italia, y su obra Tarare, estrenada en 1787, fue uno de sus grandes éxitos. También fue un colaborador importante de Lorenzo Da Ponte, el mismo libretista que trabajó con Mozart en obras fundamentales. Uno de sus hitos más notables fue L’Europa riconosciuta, ópera encargada para inaugurar, el 3 de agosto de 1778, el teatro que luego sería mundialmente conocido como La Scala de Milán. Más de dos siglos después, esa misma obra fue elegida por Riccardo Muti para reabrir La Scala en 2004, tras una larga restauración, un gesto que devolvió a Salieri parte del lugar que la leyenda le había quitado. Salieri también fue un maestro decisivo. No fue maestro formal de Mozart, como a veces se repite, sino colega, competidor y figura del mismo ambiente cortesano. Pero sí enseñó a músicos fundamentales como Ludwig van Beethoven, Franz Schubert y Franz Liszt. Beethoven incluso recibió de él lecciones de contrapunto y le dedicó sus tres sonatas para violín Op. 12. La rivalidad con Mozart existió como tensión artística en un mundo competitivo, pero la acusación de que Salieri lo envenenó no tiene base histórica. Britannica señala que no hay fundamento para esa creencia, nacida de rumores y convertida luego en mito literario y teatral. La leyenda fue alimentada por el relato de Pushkin, la ópera Mozart y Salieri de Nikolái Rimski-Kórsakov, la obra teatral Amadeus de Peter Shaffer y la famosa película de Miloš Forman de 1984. Así, el verdadero Salieri quedó oculto detrás del personaje ficticio: el villano envidioso, el compositor mediocre frente al genio absoluto de Mozart. Pero la realidad fue más compleja. Salieri fue un hombre de teatro, un funcionario musical poderoso, un docente generoso y una autoridad artística respetada en Viena. Su vida demuestra cómo una buena historia, aunque sea falsa, puede deformar durante siglos la memoria de una persona. En sus últimos años se alejó de la ópera y se dedicó más a la música religiosa. Murió en Viena el 7 de mayo de 1825, a los 74 años. Su nombre quedó ligado para siempre a Mozart, pero también a Beethoven, Schubert, Liszt, La Scala, la corte imperial y la gran tradición musical europea. Recordar a Antonio Salieri es mirar más allá del mito. No fue solamente “el rival de Mozart”. Fue un compositor importante, un maestro de gigantes y una víctima de la leyenda negra más famosa de la música clásica. #AntonioSalieri #Salieri #MozartYSalieri #Amadeus #MúsicaClásica #HistoriaDeLaMúsica #CompositoresClásicos #Viena #LaScala #EuropaRiconosciuta #Beethoven #Schubert #Liszt #Mozart #ÓperaClásica #LeyendaNegra #MendozAntigua #ClassicalMusic #MusicHistory #AntonioSalieri #OperaHistory #ViennaMusic #ClassicalComposers #MozartAndSalieri #BeethovenHistory #Schubert #Liszt #AmadeusMovie
7 de Mayo de 1664, Versalles: la fiesta del Rey Sol que convirtió un refugio de caza en el palacio más poderoso de Europa
El 7 de mayo de 1664, en las afueras de París, comenzó una celebración que marcaría para siempre la historia de Francia: “Los Placeres de la Isla Encantada”. No fue una simple fiesta cortesana. Fue la primera gran demostración pública del poder simbólico de Luis XIV, el Rey Sol, en Versalles. Durante seis días, la nobleza asistió a espectáculos, banquetes, música, danza, teatro y fuegos artificiales que ayudaron a construir la leyenda del lugar como escenario del lujo, la política y la grandeza monárquica. Versalles no había nacido como palacio. Su origen fue mucho más modesto: un sitio de caza frecuentado por Luis XIII, quien visitó la zona desde joven y luego mandó construir allí un pabellón de caza en 1623. Aquel refugio, levantado entre bosques y terrenos pantanosos al oeste de París, sería transformado décadas después por su hijo, Luis XIV, en una residencia monumental. A partir de la década de 1660, el Rey Sol impulsó una enorme transformación del lugar. Arquitectos, decoradores, pintores, escultores y paisajistas trabajaron para convertir aquella antigua casa de caza en un símbolo absoluto del poder real. Entre los grandes nombres asociados a esa obra estuvieron Louis Le Vau, Charles Le Brun y André Le Nôtre, responsable de los jardines que harían de Versalles uno de los paisajes más admirados de Europa. La fiesta de 1664 fue el gran anuncio de ese nuevo mundo. Inspirada en el poema épico Orlando furioso, de Ludovico Ariosto, reunió a la corte en un espectáculo cuidadosamente diseñado para deslumbrar. Versalles se presentaba como algo más que una residencia: era un teatro del poder, una escenografía política donde el rey mostraba que Francia podía superar al Louvre y convertirse en el centro del refinamiento europeo. Con el tiempo, el palacio siguió creciendo. En 1682, Luis XIV instaló allí la corte y el gobierno, convirtiendo a Versalles en el corazón político de la monarquía francesa. Desde entonces, el lugar fue residencia principal de los reyes de Francia desde Luis XIV hasta Luis XVI, según reconoce la UNESCO. La Revolución Francesa cambió para siempre su destino. En 1789, la familia real abandonó Versalles y el palacio dejó de ser el centro cotidiano del poder monárquico. Sin embargo, su peso histórico no desapareció. Con los siglos, sus salones, jardines y galerías siguieron siendo escenario de actos diplomáticos y acontecimientos internacionales. Uno de los episodios más famosos ocurrió en la Galería de los Espejos, donde el 28 de junio de 1919 se firmó el Tratado de Versalles, que puso fin oficialmente a la Primera Guerra Mundial. Ese mismo salón continúa siendo utilizado para recibir invitados oficiales de la República Francesa. Hoy, el Palacio y Parque de Versalles es Patrimonio Mundial de la UNESCO y uno de los grandes símbolos culturales de Francia. Desde 1995, funciona como establecimiento público administrativo, con autonomía para conservar, estudiar, restaurar y difundir su patrimonio. Versalles no fue solamente un palacio: fue una declaración de poder. Nació como refugio de caza, se convirtió en residencia real, fue escenario de fiestas deslumbrantes, sobrevivió a revoluciones y terminó transformado en museo, patrimonio y memoria universal. Su historia demuestra que algunos edificios no solo guardan paredes y jardines: guardan la ambición de una época, el brillo de una monarquía y las huellas de decisiones que cambiaron el destino de Europa. #Versalles #PalacioDeVersalles #LuisXIV #ReySol #LosPlaceresDeLaIslaEncantada #HistoriaDeFrancia #HistoriaEuropea #Barroco #JardinesDeVersalles #GaleríaDeLosEspejos #TratadoDeVersalles #PatrimonioMundial #UNESCO #MendozAntigua #Versailles #PalaceOfVersailles #LouisXIV #SunKing #FrenchHistory #EuropeanHistory #HallOfMirrors #TreatyOfVersailles #WorldHeritage #BaroqueHistory
El 7 de Mayo de 1915, Lusitania: el gigante del Atlántico que se hundió en 18 minutos y cambió el rumbo de la guerra
El 7 de mayo de 1915, frente al Old Head of Kinsale, en la costa sur de Irlanda, el transatlántico británico RMS Lusitania fue alcanzado por un torpedo disparado por el submarino alemán U-20. En apenas 18 minutos, uno de los barcos más famosos del mundo desapareció bajo el mar. Murieron cerca de 1.200 personas, entre pasajeros y tripulantes, en una de las tragedias marítimas más impactantes de la Primera Guerra Mundial. El Lusitania pertenecía a la Cunard Line, compañía que competía ferozmente con otras navieras por dominar la ruta entre Europa y América. En esos años, viajar en transatlántico era una mezcla de lujo, velocidad, prestigio y poder tecnológico. Mientras la White Star Line construía barcos como el Olympic, el Titanic y el Britannic, Cunard apostaba por gigantes veloces como el Mauretania, el Aquitania y el propio Lusitania. Construido en los astilleros de John Brown & Company, en Escocia, el Lusitania fue botado en 1906 y realizó su viaje inaugural en 1907. Medía aproximadamente 240 metros de eslora y fue, por un tiempo, uno de los mayores y más rápidos barcos de pasajeros del planeta. Su fama no se debía solo al lujo, sino también a su velocidad: podía cruzar el Atlántico a un ritmo extraordinario para la época. Pero en 1915 el Atlántico ya no era solo una ruta comercial: era un campo de guerra. Alemania había declarado zona de guerra las aguas que rodeaban a las Islas Británicas, y los submarinos alemanes comenzaron a atacar barcos considerados parte del esfuerzo bélico enemigo. El Lusitania viajaba desde Nueva York hacia Liverpool con casi 2.000 personas a bordo cuando fue detectado por el U-20. A las 14:10, el torpedo impactó contra el costado del buque. Poco después se produjo una segunda explosión, todavía discutida por historiadores, que aceleró el desastre. La inclinación del barco, el pánico, la velocidad del hundimiento y las dificultades para arriar los botes salvavidas convirtieron la evacuación en una pesadilla. Muchos pasajeros quedaron atrapados; otros cayeron al agua helada. El mar, que durante años había sido símbolo de progreso y conexión entre continentes, se transformó en una tumba. Entre las víctimas hubo ciudadanos estadounidenses, hecho que provocó una enorme indignación internacional. Aunque Estados Unidos no entró inmediatamente en la guerra —lo haría recién en 1917—, el hundimiento del Lusitania golpeó con fuerza a la opinión pública y se convirtió en uno de los episodios que deterioraron decisivamente la relación entre Washington y Berlín. El Lusitania no fue solamente un barco hundido. Fue el símbolo de una época que se quebraba: el sueño dorado de los grandes transatlánticos, el lujo del viaje oceánico, la confianza en la tecnología y la ilusión de que los civiles podían quedar al margen de la guerra moderna. Aquel 7 de mayo, el Atlántico se tragó un gigante. Y con él, una parte de la inocencia del mundo. #Lusitania #RMSLusitania #PrimeraGuerraMundial #HistoriaMarítima #CunardLine #U20 #SubmarinosAlemanes #OldHeadOfKinsale #TragediasDelMar #Naufragios #HistoriaUniversal #Transatlánticos #MemoriaHistórica #MendozAntigua #WorldWarI #WWI #MaritimeHistory #Shipwreck #OceanLiner #GermanUBoat #Cunard #AtlanticHistory #HistoricDisaster #HiddenHistory
El 7 de Mayo de 1840, en Vótkinsk, Rusia, nacía Chaikovski: el genio ruso que convirtió el dolor, la belleza y el amor imposible en música eterna
El 7 de mayo de 1840, en Vótkinsk, dentro del Imperio ruso, nació Piotr Ilich Chaikovski, uno de los compositores más célebres del Romanticismo y una de las figuras más universales de la música clásica. Su obra atravesó fronteras, idiomas y épocas porque logró algo excepcional: transformar la emoción humana en melodías inolvidables. Britannica lo define como uno de los compositores rusos más famosos, reconocido por sus melodías abiertas, su orquestación colorida y su enorme capacidad de provocar una respuesta emocional profunda. Chaikovski creció en una familia acomodada ligada a la administración y a la industria. Su padre, Ilyá Tchaikovsky, era ingeniero de minas y director de las obras metalúrgicas de Kamsko-Vótkinsk. Desde niño mostró una sensibilidad musical extraordinaria: comenzó a recibir clases de piano en 1845 y muy pronto quedó marcado por el sonido de la música en el hogar familiar. Sin embargo, sus padres no imaginaron al pequeño Piotr como músico profesional, sino como funcionario del Estado. Por eso, en 1850 fue enviado a la Escuela Imperial de Jurisprudencia de San Petersburgo, donde se formó para una carrera civil. La muerte de su madre, Aleksandra, víctima del cólera en 1854, fue una herida profunda en su vida. Años después, su padre comprendió finalmente su vocación artística y le permitió estudiar con el prestigioso profesor Rudolph Kündinger. Luego, Chaikovski ingresó en el recién creado Conservatorio de San Petersburgo, donde fue uno de sus primeros alumnos y se graduó en 1865. Allí se vinculó con figuras decisivas como Antón Rubinstein, que ayudaron a encaminarlo hacia la composición profesional. Su camino no fue sencillo. Chaikovski vivió entre tensiones íntimas, inseguridades, presiones sociales y una Rusia musical dividida entre el nacionalismo del llamado Grupo de los Cinco y una formación más académica y europea. Pero su talento terminó imponiéndose. Obras como la fantasía-obertura Romeo y Julieta y el Primer Concierto para piano lo colocaron entre los grandes nombres de su tiempo. Su vida sentimental también estuvo marcada por episodios intensos. Se vinculó con la soprano belga Désirée Artôt, pero la relación no prosperó. En 1877 se casó con Antonina Miliukova, una joven estudiante de música, en un matrimonio breve y atormentado que terminó en separación al poco tiempo. Los estudios actuales reconocen además que Chaikovski fue homosexual, una dimensión de su vida privada que durante mucho tiempo fue censurada o suavizada por prejuicios de época. Ese mismo año apareció una figura fundamental: Nadezhda von Meck, una viuda millonaria, apasionada por la música, que se convirtió en su mecenas y amiga epistolar. Su apoyo económico permitió que Chaikovski dejara obligaciones docentes y se concentrara en componer, viajar y difundir su obra. Tchaikovsky Research la identifica como patrona y amiga cercana del compositor, una presencia decisiva en su madurez artística. Chaikovski escribió sinfonías, óperas, conciertos, música de cámara, canciones y ballets. Entre sus obras más famosas están El lago de los cisnes, La bella durmiente, El cascanueces, la Obertura 1812, el Concierto para violín, la ópera Eugenio Oneguin, el Primer Concierto para piano y la Sexta Sinfonía, conocida como Patética. Su música unió dramatismo, lirismo, color orquestal y una sensibilidad capaz de emocionar tanto a especialistas como al público popular. Murió en San Petersburgo el 6 de noviembre de 1893, a los 53 años, oficialmente por complicaciones del cólera. Aunque circularon teorías sobre un posible suicidio, Britannica señala que esas versiones no cuentan con respaldo documental sólido. Fue enterrado en el cementerio Tijvin, dentro del Monasterio de Alejandro Nevski, donde también reposan otros grandes compositores rusos. Chaikovski no fue solo un compositor brillante: fue un hombre atravesado por contradicciones, sensibilidad extrema y una necesidad casi desesperada de convertir la vida en música. Sus partituras siguen sonando porque hablan de aquello que nunca envejece: el amor, la pérdida, la belleza, el miedo, la esperanza y el corazón humano frente a su propio misterio. #Chaikovski #Tchaikovsky #PiotrIlichChaikovski #MúsicaClásica #Romanticismo #HistoriaDeLaMúsica #ElLagoDeLosCisnes #ElCascanueces #Obertura1812 #LaPatética #Compositores #Rusia #CulturaUniversal #Efemérides #MendozAntigua #ClassicalMusic #MusicHistory #RussianComposer #SwanLake #TheNutcracker #1812Overture #RomanticMusic #CulturalHistory
miércoles, 6 de mayo de 2020
Imágenes a Color de Formato Medio de la Vida Cotidiana de Berna, Suiza, ...
El formato medio se ha referido tradicionalmente a un formato de película en fotografía fija y las cámaras y equipos relacionados que usan película. En general, el término se aplica a las películas y cámaras digitales que graban imágenes en medios de más de 24 por 36 mm (fotograma completo) (utilizados en fotografías de 35 mm), pero más pequeñas de 4 por 5 pulgadas (lo que se considera de gran formato fotografía). Este conjunto incluye 30 maravillosas fotos en color de formato medio tomadas por el fotógrafo británico Martin Snelling . Documentaron la vida cotidiana en los pueblos de Suiza como Wengen y Grindlewald en el invierno de 1959.
El 6 de mayo de 1985, en Buenos Aires, Argentina, se estrenaba la película "Esperando la carroza"
Origen: Argentina - Producción: Rosafrey & Susy Suranyi y Asociados - Dirección: Alejandro Doria - Guión: Alejandro Doria & Jacobo Langsner - Reparto: Antonio Gasalla, China Zorrilla, Luis Brandoni, Julio De Grazia, Betiana Blum, Juan Manuel Tenuta, Mónica Villa, Cecilia Rossetto, Enrique Pinti, Andrea Tenuta, Darío Grandinetti, Lidia Catalano, Juan Acosta, Miguel Ángel Porro y Clotilde Borella - Música: Feliciano Brunelli
Nota: La película es una adaptación de la obra de teatro homónima de Jacobo Langsner y dirigida por Sergio Otermin. La obra estrenada en Uruguay en 1962 se transformó en un suceso a ambos lados del Río de la Plata y aún es inexplicable como se tardaron mas de 20 años en llevarla al cine. En 1970 hubo una versión televisiva dentro del ciclo "Alta Comedia" protagonizado por la propia China Zorrilla. Los únicos sobrevivientes de la obra teatral en la película son el autor y el actor Juan Manuel Tenuta. Originalmente el papel de Mamá Cora iba a ser interpretado por Nini Marshall, pero el guión le pareció muy cruel con los ancianos y abandonó el proyecto. La gran mayoría de los insultos y los gritos no estaban detallados en el guión, Doria y Langsner prefirieron que los actores dijeran lo primero que se les ocurriera para que fueran mas creíbles. La casa donde transcurre el filme esta ubicada sobre la calle Echenagucía en el barrio de Versalles de la Ciudad de Buenos Aires. Si bien aún pertenece a los mismos dueños que en 1985, estuvo a punto de ser demolida por su mal estado. El GCBA la declaró patrimonio cultural y la restauró, hoy en día es visitada por fanáticos para sacarse fotos. Los ancianos del velorio y hasta el bebe de Jorge y Susana son vecinos del barrio.
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