La Escuela Emilia Herrera de Toro, evoca la memoria de aquella brillante matrona chilena que fuera amiga directa de Sarmiento.
domingo, 17 de mayo de 2020
Imágenes Coloreadas de Bellas Japonesas en Traje de Baño a principios de...
Este set de Okinawa Soba contiene fotos coloreadas de geishas y maiko en su mayoría que se hacen pasar por bellezas de baño durante las épocas Meiji y Taisho del antiguo Japón.
El 17 de Mayo de 1510, en Florencia, moría el pintor cuatrocentista, padre del renacimiento, ese día se apagaba la vida de "Sandro Botticelli". (EH)
Nacido el 1 de Marzo de 1445, con el nombre de "Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi", creció en un barrio de trabajadores en el arrabal de Solferino, su hermano mayor, Giovanni, lo llevó a vivir con él y lo educó. El apodo de su hermano "Botticello" (bebedor), provocó que cuando los veían juntos los llamaran "Botticello y Botticelli". Mientras aprendía el oficio de orfebre, fue aceptado en el taller del pintor Fray Filippo Lippi, de quien aprendió a dar la delicadeza expresiva de los rostros. Fue creciendo admirando a Masaccio, frecuentó el taller de Andrea del Verrocchio, donde trabajó al lado de Leonardo da Vinci, de esta época es la primera serie de "madonas". En 1470 abre su propio taller ya con un estilo definido, el esfumado de contornos y la casi eliminación de contraste de luz eran sus marcas. En 1475 pintó "Adoración de los magos" que llamó la atención de los Médicis que de inmediato contrataron sus servicios que le redundó en una buena posición económica y protección política. Transitó por el Neoplatonismo, una fusión de temas cristianos y paganos. En 1481 el Papa Sixto IV lo convocó junto a otros artistas florentinos para pintar los frescos de la capilla Sixtina. Todos tuvieron que aceptar una serie de convenciones, escalas y gamas cromáticas para que la obra se apreciara como un "Todo". Botticelli fue el responsable de "Castigo de Core, Datan y Abiram", "Hechos de la vida de Moisés" y "La tentación de Cristo". Poco a poco comenzó a desaparecer de los círculos sociales, nunca se casó por lo que vivía en soledad, se volvió algo ermitaño y su situación económica fue deteriorándose. Pese a haber realizado mas de 100 obras magníficas como "Adoración de los reyes", "La primavera" y "El nacimiento de Venus" murió pobre y olvidado el 17 de Mayo de 1510, su cuerpo descansa en la iglesia de Ognissanti de Florencia.
El 17 de Mayo de 2009, moría en Montevideo el escritor Uruguayo "Mario Orlando Hardy Hamlet Brenno Benedetti Farrugia", mas conocido como "Mario Benedetti". (EH)
Este prestigioso escritor perteneciente a la "Generación del 45" tuvo una prolífica carrera, escribió mas de 80 libros, y de los mas variados estilos, drama, cuantos, ensayos, poesías y novelas. Nació en "Paso de los toros", Uruguay, en 1920, cuando tenía 4 años su familia recaló en Montevideo, por problemas económicos su educación fue interrumpida en varias oportunidades y nunca terminó el secundario, tuvo que trabajar desde los 14 años en una casa de repuestos para automóviles. En 1938 se trasladó a Buenos Aires, donde se interesa en la poesía y el periodismo, aprende redacción y edición para regresar a Montevideo en 1943, donde alterna participaciones en revistas literarias como "Marginalia", "Marcha" (en el que llegó a director) y "Número" la mas importante de la época y donde comienza su militancia política. A partir de 1950, comienza a publicar recopilaciones de sus innumerables cuentos y paralelamente a recibir premios por ellos, hacia 1964 era requerido por todos los periódicos de América para escribir críticas literarias o publicar sus trabajos, en 1967 es nombrado director del "Centro de investigaciones literarias" con sede en La Habana, lo que él consideraba el mayor halago de su carrera. En 1971, como miembro del frente Tupamaro, funda el "Movimiento de Independientes 26 de Marzo", una agrupación que pasó a formar parte de la coalición de izquierdas del Frente Amplio, en 1973, todo cambió, el golpe de estado en Uruguay lo obliga a dejar su cargo en la Universidad y exiliarse en Argentina, dejando a su mujer a cargo de las madres de ambos, en 1976 la situación en Argentina se complica y recala en Perú, donde luego de ser detenido, huye a Cuba y finalmente a España, estos periplos duraron 10 años. En 1983 comienza lo que el llamó su "desexilio" tema omnipresente en sus obras de esa época, en 1985 Serrat graba el disco "El sur también existe" basado en su obra y trabajan juntos varios meses, entre 1987 y 1989 integró la "Comisión Nacional Pro Referéndum", constituida para revocar la "Ley de Caducidad de la Pretensión Punitiva del Estado", promulgada en diciembre de 1986 para impedir el juzgamiento de los crímenes cometidos durante la dictadura militar en su país. A partir de 1992 comenzó a cosechar lo que había sembrado, decenas de instituciones americanas lo premiaron además de las Universidades de Valladolid, Alicante y La Habana que lo nombraron "Doctor honoris causa", también recibió los máximos honores que entregan los países como El Salvador, Chile, Venezuela, Perú, España, Uruguay y Argentina. A los 88 años muró en Montevideo, el gobierno Uruguayo decreto que fuera velado en el palacio legislativo con los mas altos honores patrios.
El 17 de Mayo de 1814 en proximidades al puerto de Buceo, se llevaba a cabo la batalla crucial por el dominio del Río de La Plata, ese día se producía la "Batalla de Montevideo". (EH)
Desde Octubre de 1812, la ciudad de Montevideo se encontraba sitiada por vía terrestre, pero en el puerto se mantenía una flota española que aseguraba el aprovisionamiento de los 20 mil soldados realistas. El asedio del Almirante Guillermo Brown a la isla Martín García obligaba al capitán español Jacinto de Romarate a dividir sus fuerzas y desproteger Montevideo. Un inesperado y suicida movimiento de barcos españoles hacia la zona de Soriano, Oeste de Montevideo, dejó a la ciudad a merced de la flota revolucionaria. La experimentada tripulación de las Fragatas, Corbetas y Bergantines al mando de Brown no alcanzaban para vencer al poderío de fuego de las 11 embarcaciones españolas, pero las tácticas del almirante argentino desgastaron las municiones realistas, cuando el capitán de fragata español José Primo de Rivera se percata que la batalla cambiaría de mandos intenta huir hacia el este pero es interceptado y capturado por la Fragata "Hercules" al mando de Brown. El 17 de Mayo culminó la batalla con 2 barcos españoles incendiados y 3 capturados, además de la mitad de sus tripulaciones detenidas. Esto marcó el fin de la presencia española en el Río de la plata y la interrupción de los suministros para las tropas terrestres que cayeron definitivamente cuando un mes después Rondeau y Alvear invadieron Montevideo por tierra.
El 17 de Mayo de 1886, en Illinois, EEUU, moría el pionero del diseño y la fabricación de maquinaria agrícola, ese día se apagaba la vida de John Deere. (EH)
Nació en Vermont el 7 de febrero de 1804, siendo un niño, su padre desaparece misteriosamente por lo que fue criado por su madre, esta, apenas pudo brindarle una educación básica y enseñarle el oficio de sastre. Perseverante y con un envidiable espíritu de superación logra ser tomado como aprendiz de herrero convirtiéndose en un experto. En busca de progreso se traslada a Illinois donde busca un pueblo sin herreros, "Grand Detour" fue el lugar elegido para instalar la suya, la ausencia de competencia hizo que su negocio prosperara. Notó que gran cantidad de agricultores acudían al taller para reparar las puntas metálicas de sus rudimentarios arados de madera, John recordó que en su vieja sastrería puliendo las agujas con arena podía atravesar fácilmente el cuero, y decidió hacer una prueba. Construyó un arado en fundición de acero de una sola pieza y pulió su punta con arena, el resultado fue una verdadera revolución, este arado penetraba y se deslizaba de manera fluida por la pegajosa tierra de las llanuras del medio oeste de los EEUU. Su negocio creció de manera exponencial, comenzó a ofrecer todos los accesorios y complementos para la tarea agrícola, para ampliar la gama de productos ofrecidos se asocia con Leonard Andrus , aunque 5 años después se separa e instala una fábrica mas grande en Moline, a orillas del Mississippi, esto le facilitaba y ampliaba la comercialización de sus productos. Deere era el mayor proveedor de arados de a pie y a caballo de los EEUU, y la primera en abrir sucursales de comercialización, con todos sus productos patentados y con grandes ventas, decidió que su tarea estaba terminada, delegó el manejo de la empresa en su hijo Charles, quién la siguió manejando con el mismo éxito. En 1868 John Deere comenzó a dedicarse a tareas sociales, religiosas y políticas, fundó una iglesia congregacional, fue director de la biblioteca pública, presidente de la sucursal de Moline del banco nacional y alcalde de la ciudad, tareas que realizó hasta su muerte el 17 de Mayo de 1886. Hoy en día su empresa es una de las más importantes fabricantes de todo tipo de maquinaria agrícola y para la construcción.
El 17 de Mayo de 1953 en Roma, Italia, nacía ¿un mito?, ¿una leyenda?, ¿un ícono?, ¿un elegido? o todas al mismo tiempo, ese día el mundo recibía a un nuevo integrante Luca George Prodan. (EH)
Nada hacía suponer que este joven desgarbado, desalineado y pendenciero se transformaría en el faro de una generación, siendo un adolescente, mientras asistía al colegio Gordonstoun en Escocia junto al Príncipe Carlos, escapó para emprender un viaje por toda Europa, la interpol lo buscó infructuosamente, Luca volvió cuando se le dio la gana. En ese viaje de bautismo, (así lo llamaba él) recorrió cientos de pubs y clubes donde escuchó la música punk, rock sinfónico y psicodélica, esto le generó ganas de experimentar en ese campo. A los 17 años empezó a trabajar en la sede de Londres de la EMI, allí formó su primera banda "The New Clear Heads", de tendencia Punk, aunque el auge de los ritmos de las west indies como el Dub y el reggae lo marcarían para siempre. Luego de una sobredosis de heroína de la que casi no sobrevive, le aconsejaron que se alejara de la vida frenética por un tiempo y recordó una postal que su amigo Timmy McKern le envió desde su residencia en un lugar recóndito del mundo, las "Sierras Cordobesas" en Argentina, y se traslado allí de inmediato. Prodan se hizo amigo del cuñado de McKern, Germán Daffunchio y con un vecino de éste, Alejandro Sokol, Juntos comenzaron a componer temas, que serían los primeros de la banda que se estaba gestando, así nacía una de las bandas mas importantes de América, "Sumo". Con Stephanie Nuttal, una amiga inglesa de Luca dieron su primer recital en "El palomar" en las afueras de Buenos Aires, se instalaron en Hurlingham donde incorporaron a un nuevo amigo, Diego Arnedo, al poco tiempo invitaron a unirse a un saxofonista que escribía notas de rock para las revistas "El colectivo imaginario" y "Humor registrado" un tal Roberto Petinatto, con la llegada de Alberto Troglio y Ricardo Mollo el grupo estaba completo. Comenzando por el escenario underground fueron quemando etapas, el boca a boca era su mejor publicidad, el escándalo y las batallas en que solían terminar sus recitales no alejaban al público. Sus sucesivos discos "Corpiños en la madrugada", "Divididos por la felicidad", "Llegando los monos" y "After Chabón" hoy forman parte de la gran historia de la música, las canciones, generalmente en inglés, estaban disfrazadas de improvisación y tosquedad, pero eran verdaderas obras maestras. En un accidentado recital el 20 de diciembre de 1987 en el club Los Andes, momentos antes de hacer el último tema "Fuck You", dijo "ahí va la última", efectivamente lo fue, el 22 de Diciembre fue encontrado muerto de una hemorragia causada por una cirrosis hepática.
Rincón Bohemio. Bar y Pizería de Vicente Peñalver. San Martín 1053, departamento de San Rafael. (1945) Provincia de Mendoza
Reunón de la Familia Peñalver Collado, con motivo del próximo enlace del Sr. José María Peñalver y la Señorita Francisca Collado (centro de la foto)
sábado, 16 de mayo de 2020
Los Hermanos McDonald frente al aún no inaugurado primer McDonald's en San Bernardino, California, noviembre de 1948
La innovación también ha sido uno de los factores diferenciadores que ha ayudado a mantenerse por delante de la competencia. Un ejemplo importante es el servicio de autoservicio de McDonalds, que fue el resultado de un problema que enfrentó cerca de una base militar en Arizona, donde a los soldados en un lugar determinado no se les permitía salir de sus automóviles mientras vestían su uniforme. Así surgió la idea de Drive-thru, que fue un éxito instantáneo en los Estados Unidos.
En 1937, Patrick McDonald abrió The Airdrome, un puesto de comida. Las hamburguesas eran diez centavos. En 1940, sus dos hijos, Maurice y Richard (Mac y Dick), mudaron todo el edificio a San Bernardino, California. El restaurante pasó a llamarse "McDonald's Bar-BQ" y sirvió veinticinco artículos a la parrilla en su menú. En octubre de 1948, después de que los hermanos McDonald se dieran cuenta de que la mayoría de sus ganancias provenían de la venta de hamburguesas, cerraron su autocine para establecer un sistema con un menú simple de hamburguesas, hamburguesas con queso, papas fritas, batidos, refrescos y manzana. tarta. El autocine se eliminó para crear una forma de comer autoservicio. Mac y Dick McDonald instalaron su cocina como una línea de montaje para asegurarse de que tuvieran la máxima eficiencia. El nombre del restaurante fue cambiado nuevamente, esta vez simplemente a "McDonald's", y volvió a abrir el 12 de diciembre de 1948.
Conocida es la imagen del General San Martín, perpetuada en el famoso daguerrotipo tomado en París, en 1848.
Fue a instancias de su hija Mercedes, dos años antes de su muerte. Ese día se tomaron dos imágenes, una es la que vemos aquí, y la otra se extravió, pero tenemos idea de cómo era, porque han sobrevivido fotos de ese daguerrotipo perdido. Ambas imágenes son muy parecidas, solo cambia la posición de las manos. Se observa a Don José con chaquetón y pañuelo al cuello, con la mirada algo estrabica y perdida. Ya desde 1845 estaba ciego por cataratas, quizás esto justifique su mirar. Pero, ¿nunca te preguntaste que tan grande es un daguerrotipo? La segunda imagen te da la respuesta. Eran muy pequeños, pero con una gran nitidez y fidelidad de la imagen.
Impresionantes Imágenes en Blanco y Negro de los Teddy Boys a mediados d...
Los Teddy Boys fueron un movimiento juvenil con vestimenta llamativa, rebelde y a veces violento que se originó en Gran Bretaña en la década de 1950. La chaqueta eduardiana de tres cuartos de longitud con cuello de terciopelo, pantalones de tubo de drenaje y quiff se convirtió en un foco de moda masculina que todavía mantiene el estatus de culto en la actualidad. La invención del "adolescente" en la década de 1950 fue un fenómeno global, casi simultáneo. Definidos por grupos de jóvenes que se rebelan contra las expectativas de sus padres y la sociedad en general en su comportamiento, actitudes y vestimenta, surgieron movimientos en Estados Unidos, Australia, Japón y más allá. Identificables por su ropa y la música que tocaban, estos jóvenes se deleitaban en una libertad de posguerra que no disfrutaba la generación anterior. En el Reino Unido, una faceta de esta cultura juvenil recientemente emergente fue que los jóvenes de clase trabajadora adoptaron la sastrería formal y extravagante del vestido eduardiano. Conocidos como los 'Teds', sus chaquetas, a menudo suntuosos terciopelos, tenían solapas con muescas anchas adornadas con una corbata delgada o cordones de botas, y llevaban zapatos de burdel en sus pies. "El Ted se pavoneó con todo al frente, la sexualidad masculina abierta", escribió el periodista Richard Smith. Además de una forma de vestir y un estilo de música, debido a varios incidentes de alto perfil, los Teds también se asociaron con comportamientos rebeldes y juveniles y peleas públicas que los llevaron a ser expulsados de algunos lugares. Entre 1976 y 1979, Chris Steele-Perkins, en colaboración con el escritor Richard Smith, documentó el fenómeno de la cultura Ted en todo el Reino Unido en una serie de sorprendentes fotografías en blanco y negro. "Una gran parte de la iconografía de los Teds es obviamente prestada de Estados Unidos, pero no se manifestó en Estados Unidos de la misma manera", dijo Steele-Perkins. “No les importaba una pelea de vez en cuando, por lo que rápidamente se establecieron como una amenaza para la sociedad. Se pavoneaban sus cosas en las esquinas de las calles de Gran Bretaña y asustaban a las ancianas. Steele-Perkins fue más allá de simplemente capturar la moda distintiva del movimiento al documentar a los Teds interactuando en los alrededores de la sala de baile, el pub, la casa suburbana, los aparcamientos y los paseos marítimos. La serie se convirtió rápidamente en un clásico de la fotografía documental social británica.
16 de Mayo de 1929, La noche en que Hollywood inventó su propia inmortalidad: nacía el Oscar
El 16 de mayo de 1929, en el Blossom Room del Hollywood Roosevelt Hotel de Los Ángeles, se realizó la primera ceremonia de los premios de la Academia, todavía lejos del espectáculo televisivo y global que conocemos hoy. Aquella noche se distinguieron películas estrenadas entre 1927 y 1928, en una ceremonia íntima, elegante y breve, presidida por Douglas Fairbanks, entonces presidente de la Academia. La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas había nacido poco antes, en 1927, impulsada por figuras centrales de Hollywood como Louis B. Mayer, con la idea de organizar, fortalecer y prestigiar una industria cinematográfica que crecía a una velocidad impresionante. Pronto surgió la necesidad de premiar la excelencia artística y técnica del cine, y así nació un galardón que terminaría convertido en el símbolo más famoso del séptimo arte. En aquella primera edición, el premio a Mejor Actor fue para Emil Jannings, reconocido por sus trabajos en The Last Command y The Way of All Flesh. La estatuilla a Mejor Actriz fue para Janet Gaynor, mientras que Wings quedó registrada como la primera ganadora en la categoría principal, entonces llamada Outstanding Picture. También fueron reconocidas películas fundamentales como Sunrise y The Jazz Singer, esta última clave en el avance del cine sonoro. El trofeo, oficialmente llamado Academy Award of Merit, fue diseñado por Cedric Gibbons, director artístico de MGM, y llevado a forma tridimensional por el escultor George Stanley. La Academia describe la figura como un caballero de estilo art déco, de pie sobre un rollo de película, sosteniendo una espada. Sus cinco radios representan las ramas originales de la institución: actores, directores, productores, técnicos y guionistas. Durante años circularon versiones y leyendas sobre el origen del nombre “Oscar”. La explicación más repetida dentro de la propia Academia cuenta que Margaret Herrick, bibliotecaria y luego directora ejecutiva de la institución, dijo que la estatuilla se parecía a su tío Oscar. El apodo ya era conocido en 1934 y recién en 1939 fue adoptado oficialmente por la Academia. Lo que comenzó como una cena reservada para la elite cinematográfica terminó transformándose en una de las ceremonias más famosas del planeta. Aquella noche de 1929 no solo se entregaron premios: Hollywood empezó a construir su propio ritual de gloria, memoria y leyenda. #PremiosOscar #Oscars #HistoriaDelCine #Hollywood #AcademyAwards #CineClásico #HollywoodRoosevelt #PrimeraCeremoniaOscar #CineMudo #Wings #EmilJannings #JanetGaynor #MendozAntigua #OscarHistory #FilmHistory #ClassicHollywood #OldHollywood #CinemaHistory #GoldenAgeHollywood #AcademyAwardsHistory
16 de Mayo de 1703, en París, moría Charles Perrault: el hombre que tomó viejas leyendas populares y creó el reino eterno de los cuentos de hadas
El 16 de mayo de 1703, en París, moría Charles Perrault, el escritor francés que transformó relatos orales, leyendas antiguas y narraciones populares en algunas de las historias más famosas de la literatura universal. Había nacido en París el 12 de enero de 1628 y perteneció a una familia acomodada, vinculada al mundo intelectual y administrativo de la Francia de Luis XIV. La Académie française, de la que fue elegido miembro en 1671, lo recuerda como poeta, funcionario y hombre clave del debate cultural de su tiempo. Perrault no empezó su vida literaria como autor de cuentos infantiles. Estudió Derecho, trabajó cerca de los círculos de poder y participó activamente en instituciones culturales del reino. También escribió odas, discursos y textos ligados al prestigio de la monarquía francesa. Britannica destaca que fue abogado de formación, funcionario de edificios reales y una figura importante en la célebre disputa entre “antiguos y modernos”, donde defendía la idea de que la literatura de su época podía superar a la tradición clásica grecolatina. Pero su verdadera inmortalidad llegó tarde, cuando ya era un hombre mayor. En 1697 publicó “Histoires ou contes du temps passé”, obra conocida como “Cuentos de mamá ganso” o “Tales of Mother Goose”. Allí reunió y dio forma literaria a relatos que venían circulando desde hacía generaciones: historias de miedo, advertencias morales, fantasías campesinas y tradiciones populares que hasta entonces vivían sobre todo en la oralidad. De ese libro salieron versiones decisivas de cuentos como Caperucita Roja, La bella durmiente, El gato con botas y Barba Azul. También quedaron asociados a su legado relatos como Cenicienta y Pulgarcito, que luego serían reescritos, suavizados, ilustrados y adaptados una y otra vez en libros, teatro, cine y televisión. Lo notable es que Perrault no eliminó por completo la oscuridad original de esos cuentos: los ordenó, los embelleció y les dio una forma elegante, pero mantuvo su corazón inquietante. En sus historias hay encanto, sí, pero también peligro, desobediencia, castigo, astucia y advertencias para la vida. Perrault convirtió el cuento popular en literatura. Les dio castillos, reyes, princesas, ogros, hadas, animales parlantes y finales memorables. Pero, sobre todo, les dio una estructura capaz de atravesar los siglos. Por eso sus relatos siguen vivos más de 300 años después: porque hablan de miedos universales, de niñas frente al bosque, de jóvenes perseguidos, de puertas prohibidas, de zapatos perdidos, de sueños mágicos y de la eterna esperanza de que la inteligencia pueda vencer al peligro. Uno de los espacios más asociados a su imaginario es el Castillo de Ussé, en el valle del Loira. El propio sitio del château lo presenta como inspiración para La bella durmiente, y la oficina turística de Touraine también vincula sus torres, fachadas y atmósfera con el cuento que Perrault inmortalizó. Charles Perrault murió en París, pero dejó abiertas las puertas de un mundo que todavía habitamos. Cada vez que alguien escucha “había una vez”, cada vez que un niño imagina un castillo encantado, cada vez que un bosque parece esconder una amenaza o una promesa, vuelve a aparecer la sombra luminosa de aquel escritor que tomó viejas voces del pueblo y las convirtió en eternidad. Porque Perrault no inventó todos los cuentos. Hizo algo quizá más poderoso: les dio una forma capaz de no morir nunca. #CharlesPerrault #CuentosDeHadas #CuentosDeMamáGanso #LiteraturaUniversal #CaperucitaRoja #Cenicienta #LaBellaDurmiente #ElGatoConBotas #BarbaAzul #Pulgarcito #HistoriaDeLaLiteratura #MendozAntigua #FairyTales #MotherGoose #ClassicLiterature #FrenchLiterature #Storytelling #LiteraryHistory #ChildrensBooks #FolkloreHistory
16 de Mayo de 1990, en Beverly Hills, moría Sammy Davis Jr.: el artista que bailó contra el racismo y convirtió el escenario en libertad
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El 16 de mayo de 1990, en Beverly Hills, se apagaba la vida de Sammy Davis Jr., uno de los artistas más completos y magnéticos del siglo XX. Cantante, bailarín, actor, músico, comediante y showman absoluto, fue conocido como “Mr. Entertainment”, un apodo que resumía una carrera marcada por el talento, la energía y una capacidad única para dominar cualquier escenario. Había nacido el 8 de diciembre de 1925, en Harlem, Nueva York, hijo de artistas del vodevil. Desde niño vivió entre camarines, giras y teatros: a los tres años ya actuaba junto a su padre y su tío en el Will Mastin Trio, y a los siete debutó en el cine en el cortometraje Rufus Jones for President. No tuvo una infancia común: creció trabajando, aprendiendo a bailar, cantar, imitar, actuar y sobrevivir en un mundo que todavía cerraba demasiadas puertas a los artistas afroamericanos. Su vida estuvo atravesada por el racismo. Durante sus giras, muchos hoteles, restaurantes y clubes aceptaban que actuara, pero no que usara las instalaciones. En el ejército, durante la Segunda Guerra Mundial, también sufrió humillaciones y maltratos raciales. Davis transformó ese dolor en impulso: alguna vez explicó que su talento era su arma para enfrentar el prejuicio. En 1954 sufrió un grave accidente automovilístico que le hizo perder el ojo izquierdo. Durante la recuperación se acercó al judaísmo, religión a la que terminó convirtiéndose, al encontrar paralelos entre la persecución sufrida por el pueblo judío y la discriminación padecida por los afroamericanos. Ese episodio no lo detuvo: volvió al escenario, primero con un parche y luego con una prótesis, y siguió construyendo una carrera imparable. En los años 50 y 60 se convirtió en una figura central del espectáculo estadounidense. Cantaba, bailaba tap, actuaba, hacía imitaciones, tocaba instrumentos y tenía una velocidad escénica que pocos podían igualar. Integró el mítico Rat Pack junto a Frank Sinatra, Dean Martin, Peter Lawford y Joey Bishop, y brilló en Las Vegas, Broadway, televisión y cine. En 1960 participó en Ocean’s Eleven, película que ayudó a consolidar la leyenda de aquel grupo. Pero Sammy Davis Jr. no solo rompió barreras artísticas: también desafió barreras sociales. Su matrimonio con la actriz sueca May Britt, en 1960, provocó una ola de rechazo racista en una época en la que el matrimonio interracial seguía siendo ilegal en muchos estados de Estados Unidos. La pareja recibió amenazas, sufrió presiones y pagó costos profesionales por vivir una historia de amor que incomodaba a una sociedad todavía profundamente segregada. Su carrera dejó discos, películas, musicales y momentos inolvidables. Actuó en Broadway, fue nominado al Tony por Golden Boy, participó en películas como Porgy and Bess, Sweet Charity, The Cannonball Run y Tap, y fue reconocido con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, el Kennedy Center Honor y, de manera póstuma, el Grammy Lifetime Achievement Award. En 1989 le diagnosticaron cáncer de garganta. La enfermedad avanzó con rapidez y el 16 de mayo de 1990 murió a los 64 años. Como homenaje, las luces del Strip de Las Vegas se apagaron durante diez minutos, un gesto reservado a figuras de enorme impacto público. Sus restos descansan en Forest Lawn Memorial Park, en Glendale, California. Sammy Davis Jr. fue mucho más que un entertainer. Fue un hombre que cargó sobre su cuerpo las heridas del racismo, la fama, la enfermedad y el prejuicio, pero aun así salió a escena con una sonrisa, un paso de baile y una voz capaz de llenar el mundo. Porque Sammy no actuaba solamente para entretener. Actuaba para demostrar que el talento también puede ser una forma de resistencia. #SammyDavisJr #MrEntertainment #RatPack #FrankSinatra #DeanMartin #HistoriaDelEspectáculo #HollywoodClásico #LasVegas #Broadway #Jazz #TapDance #CulturaAfroamericana #DerechosCiviles #MendozAntigua #ClassicHollywood #EntertainmentHistory #BlackHistory #CivilRights #AmericanMusic #ShowBusiness
El 16 de Mayo de 1990, fallecía Jim Henson: el mago que convirtió muñecos de tela en criaturas eternas y cambió para siempre la infancia del mundo
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El 16 de mayo de 1990 se apagaba la vida de Jim Henson, el creador de The Muppets, uno de los artistas más originales e influyentes de la televisión y el cine del siglo XX. Aunque muchas veces se lo recuerda como “titiritero”, Henson fue mucho más que eso: fue creador, guionista, director, productor, actor de voz, diseñador de mundos y un verdadero revolucionario de la imaginación. Fuentes biográficas ubican su muerte en Nueva York, a los 53 años, tras una breve y fulminante enfermedad. Desde joven entendió que la televisión podía darle a los muñecos una vida nueva. En los años 50 creó Sam and Friends, un breve programa televisivo donde apareció por primera vez Kermit, la rana que luego se transformaría en uno de los personajes más queridos del planeta. Ese ciclo le valió a Henson un premio Emmy en 1958 y marcó el comienzo de una forma distinta de hacer humor, fantasía y emoción con marionetas. Su gran salto llegó en 1969, cuando Joan Ganz Cooney lo convocó para participar en Sesame Street. Allí, Henson y su equipo dieron vida a personajes inolvidables como Ernie, Bert, Oscar the Grouch, Grover, Cookie Monster y otros habitantes de una calle que enseñó a millones de niños a contar, leer, imaginar y convivir. Sesame Workshop recuerda que el primer episodio de Sesame Street se emitió en 1969 y que, ya en su primera temporada, alcanzó a millones de chicos y familias. Pero Henson no quería que sus criaturas quedaran encerradas solo en el público infantil. Soñaba con un espectáculo para toda la familia. Después de años de rechazos en Estados Unidos, encontró apoyo en el productor británico Lew Grade, y en 1976 nació The Muppet Show. El éxito fue gigantesco: según The Jim Henson Legacy, el programa llegó a 235 millones de espectadores en más de 100 países y ganó tres premios Emmy durante sus cinco temporadas. Por aquel escenario desfilaron estrellas internacionales como Gene Kelly, Rudolph Nureyev, Steve Martin y John Cleese, mientras Kermit, Miss Piggy, Fozzie Bear, Gonzo, Animal y tantos otros demostraban que un muñeco de tela podía tener más humanidad que muchos actores de carne y hueso. Henson no solo movía personajes: les daba pausas, miradas, dudas, torpezas, ternura y una expresividad que parecía imposible. En los años 80 llevó su ambición creativa todavía más lejos. Con películas como The Dark Crystal y Labyrinth, esta última producida por George Lucas, exploró mundos fantásticos, criaturas complejas y nuevas tecnologías de animatrónica. The Jim Henson Company destaca que esos proyectos impulsaron el desarrollo de personajes tridimensionales con movimientos avanzados y dieron origen a lo que luego sería Jim Henson’s Creature Shop, un espacio clave para la creación de criaturas y efectos especiales. Henson murió demasiado joven, pero dejó un universo que sigue vivo. Sus personajes enseñaron que la ternura también puede ser inteligente, que el humor puede convivir con la emoción y que la imaginación, cuando está bien hecha, no envejece. Jim Henson no creó simples muñecos. Creó amigos de tela para millones de personas. Y cada vez que una rana canta, un monstruo ríe, un oso cuenta un chiste malo o un niño aprende mirando una pantalla, algo de su magia vuelve a respirar. Porque Jim Henson no solo entretuvo a la infancia: le enseñó al mundo a creer que hasta un pedazo de tela podía tener alma. #JimHenson #TheMuppets #LosMuppets #Kermit #PlazaSésamo #SesameStreet #TelevisiónInfantil #HistoriaDeLaTV #CulturaPop #CineFantástico #TheDarkCrystal #Labyrinth #MendozAntigua #MuppetsHistory #JimHensonLegacy #ChildhoodMemories #PopCultureHistory #Puppetry #ClassicTV #FantasyCinema. Jim Henson murió el 16 de mayo de 1990, a los 53 años, por una infección bacteriana fulminante que derivó en síndrome de shock tóxico estreptocócico, sepsis y falla orgánica. Al comienzo creyó que era un resfrío fuerte o una gripe, pero la infección avanzó muy rápido. PEOPLE señala que falleció por shock tóxico causado por Streptococcus pyogenes; UTMB resume el desenlace como falla orgánica producto de sepsis. Sus restos no descansan en una tumba tradicional. Fue cremado, y sus cenizas fueron conservadas por su familia hasta que en 1992 fueron esparcidas cerca de Taos, Nuevo México, un lugar que él había señalado como especial.
16 de Mayo de 2006, en Miami, EEUU, fallecía Jorge Porcel: el “Gordo de América” que hizo reír a millones, conquistó la TV argentina y llegó hasta Hollywood
El 16 de mayo de 2006, en Miami, fallecía Jorge Porcel, uno de los grandes nombres del humor popular argentino y latinoamericano. Había nacido como Jorge Raúl Porcel de Peralta el 7 de septiembre de 1936, en la ciudad de Buenos Aires, y murió a los 69 años, después de una operación de vesícula biliar, según recordó La Nación en su despedida. Su historia artística comenzó lejos de las grandes luces. De joven animaba reuniones, hacía imitaciones y contaba historias con una gracia natural que no tardó en llamar la atención. Su gran puerta de entrada fue “La revista dislocada”, el célebre ciclo radial donde compartió camino con figuras como Carlos Balá, Mario Sapag y Nelly Beltrán. A partir de allí llegó la televisión, el teatro de revista y una carrera que lo convertiría en un verdadero fenómeno de masas. En los años 60, los hermanos Gerardo y Hugo Sofovich lo incorporaron a “Operación Ja Ja”, y luego llegaría “El botón”, uno de los programas humorísticos más recordados de la televisión argentina. Allí coincidió con una constelación de actores populares y, sobre todo, con quien sería su gran compañero de ruta: Alberto Olmedo. La Nación recuerda que en 1972 ambos hicieron “Fresco y Batata”, y que juntos conformaron una de las duplas de mayor impacto popular de la Argentina. Porcel y Olmedo fueron, durante años, una máquina de teatro, cine y televisión. Con guiones picarescos, improvisación, timing cómico y una química explosiva, dominaron una época. Porcel también brilló en ciclos como “Polémica en el bar”, “La Tuerca”, “Operación Porcel”, “¿Lo viste a Porcel?”, “Las gatitas y ratones de Porcel” y “La Tota y la Porota”. Su humor podía ser ingenuo, desbordado, popular, exagerado y profundamente televisivo: una forma de comedia que millones esperaban frente a la pantalla. En cine dejó una huella enorme. Cine Nacional registra su participación en 48 películas argentinas o coproducciones, con una carrera cinematográfica que se extendió entre 1964 y 1988, y con títulos emblemáticos como “Los caballeros de la cama redonda”, “Las mujeres son cosa de guapos”, “Mi novia el...”, “Los colimbas se divierten” y “Rambito y Rambón, primera misión”. Su fama fue tan grande que cruzó fronteras. Ya radicado en Estados Unidos, participó en “Carlito’s Way”, la película de Brian De Palma protagonizada por Al Pacino. Allí interpretó a Reinaldo “Ron” Sasso, dueño de un club nocturno, en lo que fue una de las apariciones más inesperadas y recordadas de un actor argentino en Hollywood. TN recuerda que aquella película marcó su regreso al cine después de cinco años y también su última incursión cinematográfica. Pero detrás del ídolo popular también hubo un hombre atravesado por cambios profundos. En Miami condujo programas para el público hispano, cantó boleros, abrió un restaurante llamado “A la Pasta con Porcel” y, en sus últimos años, se acercó fuertemente a la fe evangélica. La Nación señala que en Florida dedicó buena parte de sus energías a la actividad religiosa y que allí vivió hasta su muerte. Su trayectoria también fue reconocida por la Fundación Konex, que le otorgó en 1981 el Diploma al Mérito como Actor de Variedades, confirmando su lugar entre las grandes figuras del espectáculo argentino. Jorge Porcel fue una figura inmensa, con luces, sombras, excesos, popularidad arrolladora y una marca imborrable en la memoria televisiva. Fue el hombre de los gestos enormes, de la risa fácil, del morcilleo, de la dupla inolvidable con Olmedo y de una forma de humor que pertenece a una Argentina que ya no existe, pero que muchos todavía recuerdan con nostalgia. Porque Porcel no solo hacía chistes: ocupaba la pantalla entera. Y cuando aparecía, millones sabían que algo estaba por pasar. #JorgePorcel #ElGordoPorcel #HumorArgentino #TelevisiónArgentina #CineArgentino #AlbertoOlmedo #OlmedoYPorcel #OperaciónJaJa #PolémicaEnElBar #LaTuerca #CarlitosWay #AlPacino #HistoriaDeLaTV #MendozAntigua #ArgentineComedy #ClassicTV #ArgentineCinema #LatinAmericanComedy #ComedyLegend #TVHistory. Los restos de Jorge Porcel descansan en el Panteón de la Asociación Argentina de Actores, en el Cementerio de la Chacarita, en Buenos Aires. Fueron trasladados desde Miami y sepultados allí el 24 de mayo de 2006. Según publicó La Nación, su féretro fue ubicado frente al de Alberto Olmedo, su histórico compañero de dupla humorística.
Antiguos Métodos Anticonceptivos. Testículos de Comadreja
Las mujeres de la edad media creían en este método porque lo suponían infalible y consistía en atarse testículos de ese animal en la parte interior del muslo. Según ellas, se creaba una mágica barrera protectora que anulaba el efecto de los espermas, aunque se supone que funcionaba porque los hombres deben haber salido corriendo ante esta terrible escena. También se pensaba que si la mujer llevaba un hueso de comadreja atado a su cuello, en el momento del coito, quedaría esteril para siempre.
viernes, 15 de mayo de 2020
Imágenes de Motores de Vapor después de una Explosión de Caldera fin del...
Hay muchas causas para las explosiones de la caldera, como un mal tratamiento del agua que causa escamas y sobrecalentamiento de las placas, bajo nivel de agua, una válvula de seguridad atascada o incluso una explosión del horno que, a su vez, si es lo suficientemente grave, puede causar una explosión de la caldera. La mala capacitación del operador que resulta en negligencia u otro mal manejo de la caldera ha sido una causa frecuente de explosiones desde el comienzo de la revolución industrial. Las explosiones de la caldera son un peligro particular en las calderas de tubo de fuego (tipo locomotora) porque la parte superior de la caja de fuego (lámina de corona) debe estar cubierta con cierta cantidad de agua en todo momento; o el calor del fuego puede debilitar la lámina de la corona o la corona se queda hasta el punto de falla, incluso a la presión de trabajo normal. Este tipo de falla no se limita a los motores ferroviarios, ya que las calderas de tipo locomotora se han utilizado para motores de tracción, motores portátiles, motores de deslizamiento utilizados para minería o tala, motores estacionarios para aserraderos y fábricas, para calefacción y como calderas de paquetes que proporcionan vapor. para otros procesos En todas las aplicaciones, mantener el nivel de agua adecuado es esencial para una operación segura. En las calderas de locomotoras de vapor, dado que el conocimiento se obtuvo por ensayo y error en los primeros días, las situaciones explosivas y el consiguiente daño debido a las explosiones eran inevitables. Sin embargo, el diseño y el mantenimiento mejorados redujeron notablemente el número de explosiones de calderas a fines del siglo XIX. Otras mejoras continuaron en el siglo XX. En las calderas terrestres, las explosiones de los sistemas de presión ocurrieron regularmente en calderas de vapor estacionarias en la era victoriana, pero ahora son muy raras debido a las diversas protecciones proporcionadas, y debido a las inspecciones regulares obligadas por los requisitos gubernamentales y de la industria. Los calentadores de agua pueden explotar con sorprendente violencia cuando sus dispositivos de seguridad fallan.
15 de mayo de 1993: Día Internacional de la Familia, instituido por el Asamblea General de las Naciones Unidas.
Familia en un conventillo en Buenos Aires, 1908.
"Don Blas y doña Paula Livona junto a los niños Valentina, Pascual, Ángela
"Don Blas y doña Paula Livona junto a los niños Valentina, Pascual, Ángela
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