viernes, 15 de mayo de 2020
Indianápolis 15 de Mayo de 1982: el día en que la velocidad mostró su rostro más brutal
El 15 de mayo de 1982, durante las pruebas de clasificación para las 500 Millas de Indianápolis, el automovilismo vivió una de sus jornadas más estremecedoras. Aquel día murió el piloto estadounidense Gordon Smiley, después de perder el control de su monoplaza en una vuelta de calentamiento y chocar de frente contra el muro del Indianapolis Motor Speedway. La prensa de la época informó que el accidente ocurrió antes de los ensayos oficiales de clasificación para la carrera del 30 de mayo. Smiley no era un improvisado. Había nacido en Omaha, Nebraska, y había recorrido buena parte del automovilismo norteamericano: Fórmula Ford, Fórmula Atlantic, Can-Am, Fórmula 5000 y Super Vee. También compitió en Europa en la Aurora AFX British F1 Championship, donde en 1979 logró una victoria en Silverstone con un Surtees-Cosworth, un dato que muestra hasta dónde había llegado su carrera antes de probar suerte en la Indy. En Indianápolis ya tenía experiencia. En la edición de 1980 largó 20.º y abandonó por problemas de turbo, mientras que en 1981 partió 8.º, llegó a liderar una vuelta y terminó fuera por accidente en la vuelta 141, según los registros históricos oficiales del Indianapolis Motor Speedway. Pero 1982 era otro mundo. Los autos de Indy, empujados por la aerodinámica de efecto suelo y motores cada vez más potentes, estaban entrando en una era de velocidades extremas. En ese contexto, Smiley salió a pista con el auto número 35 de Intermedics. En la curva, el coche se descontroló, corrigió bruscamente y terminó impactando casi de frente contra el muro a una velocidad cercana a las 200 millas por hora, cerca de 320 km/h. Autoweek recuerda que Smiley fue el primer piloto muerto en Indianápolis desde 1973 y que, hasta hoy, sigue siendo el último fallecido durante una clasificación en esa pista. La tragedia ocurrió apenas una semana después de la muerte de Gilles Villeneuve en la clasificación del Gran Premio de Bélgica de Fórmula 1, en Zolder. Aquella seguidilla de accidentes dejó al descubierto una verdad incómoda: los autos se habían vuelto velocísimos, pero la seguridad todavía no avanzaba al mismo ritmo. Con el tiempo, el automovilismo comenzó a cambiar. La investigación de accidentes, la mejora de los habitáculos, los materiales más resistentes y los monocascos de fibra de carbono se volvieron parte central de la evolución técnica. McLaren ya había iniciado esa revolución en la Fórmula 1 con el MP4/1, el primer auto ganador con estructura compuesta de fibra de carbono, una tecnología que marcaría el futuro de la seguridad en los monoplazas. La muerte de Gordon Smiley quedó grabada como una de las advertencias más duras de la historia del deporte motor. No fue solo el final de un piloto veloz y ambicioso: fue una señal brutal de que la búsqueda de récords necesitaba ir acompañada por una transformación profunda en la protección de quienes se sentaban al volante. Aquel 15 de mayo de 1982, Indianápolis dejó de hablar solamente de velocidad. Empezó a hablar, también, de supervivencia. #MendozAntigua #GordonSmiley #Indianapolis500 #Indy500 #IndianapolisMotorSpeedway #Automovilismo #HistoriaDelAutomovilismo #DeporteMotor #IndyCar #RacingHistory #MotorsportHistory #Formula1 #GillesVilleneuve #SeguridadAutomovilistica #VelocidadYRiesgo #EfemeridesDeportivas #VintageRacing #AutoRacing #MotorsportSafety #RacingLegends
Paraguay 15 de Mayo de 1811: la noche en que un puñado de jóvenes desafió al Imperio y encendió una patria libre
El 15 de mayo de 1811 quedó marcado como uno de los días fundacionales de la historia paraguaya. En Asunción, durante la noche del 14 y la madrugada del 15, un grupo de jóvenes oficiales criollos dio el paso decisivo que abrió el camino hacia la independencia del Paraguay. La Secretaría Nacional de Cultura del Paraguay recuerda que aquella revolución fue el primer paso para la creación de un Paraguay independiente y que sus protagonistas eran en su mayoría hombres muy jóvenes, de entre veinte y veintiocho años. El contexto era explosivo. España estaba sacudida por la invasión napoleónica y por la caída de Fernando VII; Buenos Aires, desde la Revolución de Mayo de 1810, buscaba extender su influencia sobre las antiguas provincias del Virreinato; y en Paraguay crecía el rechazo a las presiones externas, a las trabas comerciales y al gobierno del español Bernardo de Velasco. La crisis no venía de un solo frente: llegaba desde Europa, desde Buenos Aires y desde el propio malestar interno paraguayo. La noche del 14 de mayo, los revolucionarios se movieron con rapidez. Entre los nombres centrales aparecen Pedro Juan Caballero, Vicente Ignacio Iturbe, Juan Bautista Rivarola, Mauricio José Troche y otros patriotas. Según la Secretaría Nacional de Cultura paraguaya, aquel grupo tomó los principales cuarteles de Asunción y, en la madrugada del día 15, presentó una nota al gobernador Velasco exigiendo la entrega de armas, dinero y documentos oficiales. El Archivo Nacional de Asunción conserva documentos fundamentales de esa jornada, entre ellos la nota de Pedro Juan Caballero al gobernador Bernardo de Velasco, fechada el 15 de mayo de 1811, en la que se solicitaba la entrega de la plaza, armamentos y otras medidas decisivas para asegurar el control del movimiento revolucionario. Velasco terminó cediendo. No fue apartado de inmediato, pero su autoridad quedó herida de muerte. El 16 de mayo se formó un gobierno provisorio integrado por el propio Velasco, José Gaspar Rodríguez de Francia y Juan Valeriano Zevallos. Como ocurrió en otros procesos americanos, todavía se juró fidelidad formal a Fernando VII: una maniobra política para ganar tiempo y evitar una reacción inmediata de las fuerzas realistas. Pero el proceso ya no tenía retorno. Lo que había comenzado como una acción cívico-militar en Asunción terminó abriendo el camino a una independencia singular: Paraguay no quiso quedar sometido ni a España ni a Buenos Aires. Educ.ar resume ese punto clave al señalar que Paraguay se emancipó y se convirtió en uno de los primeros países latinoamericanos en organizarse como nación independiente. Por eso el 14 y 15 de mayo de 1811 no recuerdan solo una fecha patria. Recuerdan una decisión histórica: la de un pueblo que eligió gobernarse a sí mismo. Sin grandes ejércitos extranjeros, sin una batalla sangrienta en la capital y sin esperar permiso de nadie, Paraguay empezó a escribir su propio destino. Aquella madrugada, entre campanas, cuarteles, documentos y ultimátums, nacía una certeza que ya no podría apagarse: Paraguay quería ser libre. #IndependenciaDelParaguay #Paraguay1811 #HistoriaParaguaya #PedroJuanCaballero #VicenteIgnacioIturbe #FulgencioYegros #BernardoDeVelasco #Asunción #PatriaLibre #HistoriaLatinoamericana #MendozAntigua #ParaguayanIndependence #ParaguayHistory #LatinAmericanHistory #Freedom #IndependenceDay #HistoricMemory #SouthAmericanHistory
El 15 de Mayo de 2004, en Madrid, España fallecía Narciso Ibáñez Menta: el hombre que convirtió el miedo en arte y dejó una sombra eterna en la TV argentina
El 15 de mayo de 2004, en Madrid, se apagaba la vida de Narciso Ibáñez Menta, una de las figuras más extraordinarias del teatro, el cine y la televisión en lengua española. Había nacido en Sama de Langreo, Asturias, el 25 de agosto de 1912, y murió a los 91 años, dejando una huella imborrable en la cultura argentina y española. Hijo del actor Narciso Ibáñez y de la cantante Consuelo Menta, creció entre escenarios. Fue un niño prodigio: en la Argentina lo conocieron como “Narcisín”, aquel pequeño artista que cantaba, bailaba, recitaba e interpretaba con una seguridad asombrosa. Debutó en Buenos Aires en 1919, con apenas siete años, en la zarzuela Los granujas, en el Teatro de la Comedia. Pero el niño prodigio se transformaría con el tiempo en algo mucho más poderoso: un artesano del miedo. Admirador del arte de la caracterización, aprendió maquillaje, gestualidad, climas y silencios hasta convertirse en un actor capaz de cambiar de rostro, de voz y de alma ante el público. En la Argentina desarrolló una etapa decisiva de su carrera: entre 1931 y 1963 se radicó en el país, donde trabajó intensamente en teatro y llegó a afirmar que se sentía no solo un actor argentino, sino también “un hombre argentino”. En los escenarios llevó adelante obras clásicas y modernas como Fausto, Muerte de un viajante, Manos sucias, El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde y El fantasma de la ópera. En 1934 se casó con la actriz argentina Josefina “Pepita” Serrador Marí, madre de su único hijo, Narciso Ibáñez Serrador, el recordado “Chicho”, con quien compartiría páginas fundamentales de la televisión de suspenso. Su nombre también quedó ligado al cine argentino. Participó en películas como Una luz en la ventana, La bestia debe morir y Obras maestras del terror. El sitio Cine Nacional registra su participación en 31 películas argentinas o coproducciones, mientras que el Archivo Lumiton recuerda que Una luz en la ventana es considerada la primera película argentina de terror y marcó su debut cinematográfico como protagonista. Pero fue en la televisión donde se volvió leyenda. En Canal 7 brilló con ciclos como Los malditos de la historia y Obras maestras del terror. Luego llegarían títulos inolvidables como El hombre que volvió de la muerte, Otra vez Drácula, El Robot y El pulpo negro. Su figura quedó asociada para siempre a una forma de terror elegante, teatral, psicológico y profundamente humano: no necesitaba gritos ni efectos excesivos; le bastaba una mirada, una pausa, una puerta entreabierta. También trabajó en España junto a su hijo en producciones que marcaron época. Historias para no dormir, emitida por TVE entre 1965 y 1970, se convirtió en un clásico del terror televisivo, y episodios como El asfalto siguen siendo recordados como piezas inquietantes de la televisión iberoamericana. Narciso Ibáñez Menta fue uno de los primeros artistas reconocidos con el Premio Martín Fierro y en 1981 recibió el Diploma al Mérito Konex como uno de los cinco mejores actores dramáticos de radio y televisión de la historia argentina. Su grandeza no estuvo solo en asustar. Estuvo en comprender que el verdadero terror no nace del monstruo visible, sino de la espera, del silencio, de la sombra que se mueve lentamente. Por eso su legado sigue vivo: porque Narciso Ibáñez Menta no actuaba el miedo. Lo construía. Lo respiraba. Lo convertía en arte. #NarcisoIbáñezMenta #MaestroDelTerror #HistoriaDeLaTV #TelevisiónArgentina #CineArgentino #TeatroArgentino #ObrasMaestrasDelTerror #ElHombreQueVolvióDeLaMuerte #ElPulpoNegro #HistoriasParaNoDormir #MendozAntigua #HorrorLegend #ArgentineCinema #ClassicHorror #TelevisionHistory #TheatreLegend #SpanishHorror #VintageTV
El 15 de Mayo de 1930, en Córdoba, nacía Juan Carlos Mesa: el cordobés que escribió la risa de la televisión argentina
El 15 de mayo de 1930, en la ciudad de Córdoba, nacía Diego Isidro Mesa, a quien el país conocería para siempre como Juan Carlos Mesa: actor, autor, guionista, humorista, libretista y una de las grandes plumas de la comedia argentina. Su nombre real, fecha de nacimiento y muerte —2 de agosto de 2016— figuran registrados en Todo Tango, que también lo recuerda como letrista, actor y libretista. Mesa empezó en la radio cordobesa, ese territorio donde la imaginación tenía que hacerlo todo: poner la escena, fabricar personajes, crear ritmo y sostener la atención del oyente solo con voces y palabras. En 1956 impulsó “La Troupe de la Gran Vía”, un programa nacido en Córdoba que reflejaba con humor lo que pasaba en la vida urbana de la ciudad y que tuvo gran repercusión. Con el tiempo, aquella gracia cordobesa cruzó definitivamente hacia Buenos Aires. Fue convocado para escribir en televisión y terminó integrando una generación de autores que cambió la manera de hacer humor en la pantalla chica. En Canal 11 trabajó en “Los sueños del gordo Porcel” y luego, junto a Carlos Garaycochea y Jorge Basurto, participó en la creación de “La Matraca”, ciclo que más tarde se mudó a Canal 13. Su firma quedó detrás de algunos de los grandes nombres del humor nacional. Escribió para figuras como Pepe Biondi, Carlos Balá, Alberto Olmedo y Tato Bores, y sus textos acompañaron programas emblemáticos como “La Tuerca”, “Hupumorpo”, “Los Campanelli”, “Mi cuñado” y “Mesa de noticias”. La Prensa lo definió como una figura clave del humor argentino y destacó su rol como autor de ciclos fundamentales de la televisión. Pero Juan Carlos Mesa no fue solamente un hombre que hacía reír: fue un escritor de precisión. Su humor no dependía del golpe fácil ni de la grosería. Trabajaba el equívoco, el absurdo, la ternura, la exageración y el juego verbal. En una entrevista publicada por La Nación, él mismo recordaba su amor por la poesía, la literatura y la escritura, y explicaba que siempre buscó un humor sin agresión gratuita ni vulgaridad. En 1983 llegó uno de sus mayores éxitos: “Mesa de noticias”, donde además de escribir también actuó. Aquel programa instaló personajes, frases, estilos y situaciones que quedaron en la memoria popular. Después vendrían otros trabajos, como “El gordo y el flaco”, junto a Gianni Lunadei, y participaciones en ficciones como “Primicias”, de Pol-ka, donde interpretó a Américo Baigorria. También dejó huella en el cine, con guiones para películas como “El veraneo de los Campanelli”, “El picnic de los Campanelli”, “Los colimbas se divierten”, “Rambito y Rambón primera misión” y “Los colimbas al ataque”. Su obra atravesó radio, televisión, cine, teatro y café concert, convirtiéndolo en una verdadera usina creativa del espectáculo argentino. En 1997 regresó a Córdoba y volvió a la radio con “El despertador”, ciclo por el que obtuvo importantes reconocimientos, entre ellos premios Martín Fierro. Era, de algún modo, el regreso al origen: la palabra al aire, el oído del público, la gracia cordobesa convertida en compañía diaria. Juan Carlos Mesa murió el 2 de agosto de 2016, a los 86 años, dejando una marca enorme en la cultura popular. Fue uno de esos artistas que parecen haber estado siempre: detrás de un sketch, de una frase, de una escena familiar, de un personaje inolvidable o de una carcajada compartida frente al televisor. Porque Mesa no solo escribió humor. Escribió una parte de la memoria afectiva de la televisión argentina. #JuanCarlosMesa #HumorArgentino #TelevisiónArgentina #ComediaArgentina #MesaDeNoticias #LaTuerca #LosCampanelli #TatoBores #PepeBiondi #CarlosBalá #AlbertoOlmedo #CórdobaArgentina #HistoriaDeLaTV #MendozAntigua #ArgentineComedy #ArgentineTV #ClassicTV #ComedyLegend #TVHistory #LatinAmericanTelevision
El 15 de Mayo de 1925, en Las Garzas, Provincia de Santa Fe, nacía Horacio Guarany: el cantor que desafió al silencio y convirtió al folclore en bandera popular
El 15 de mayo de 1925, en Las Garzas, provincia de Santa Fe, nacía Eraclio Catalín Rodríguez Cereijo, el hombre que el país conocería como Horacio Guarany. No fue solo un cantor: fue una voz áspera, sentimental y combativa que llevó al folclore argentino desde los caminos polvorientos hasta los grandes escenarios. Nacido en el corazón del chaco santafesino, creció marcado por la vida dura del monte, la pobreza rural y la memoria de los trabajadores explotados en tiempos de La Forestal. La Secretaría de Cultura de la Nación recuerda que aquellas penurias familiares quedarían grabadas en su sensibilidad y, años después, alimentarían muchas de sus canciones. Desde muy joven sintió que el canto era destino. Aprendió guitarra y payada, y a los 17 años se fue a Buenos Aires para probar suerte. Vivió en pensiones, trabajó en oficios humildes y cantó en bares de La Boca, mientras buscaba abrirse camino con una voz que parecía venir del monte, del vino, de la tristeza y de la rebeldía. Su carrera comenzó a tomar fuerza cuando se acercó a músicos paraguayos y empezó a cantar también en guaraní. En 1957, su interpretación de “El mensú”, de Ramón Ayala, lo instaló definitivamente en la radio y lo acercó a una temática que lo acompañaría siempre: la vida de los trabajadores, los olvidados, los perseguidos y los pueblos explotados. En 1961 pisó por primera vez el escenario del Festival Nacional de Cosquín, el mismo año de su nacimiento, y desde entonces se convirtió en una presencia legendaria de la plaza Próspero Molina. Allí crecieron canciones como “Guitarra de medianoche”, “Milonga para mi perro”, “Piel morena”, “Regalito” y la inmortal “Si se calla el cantor”. Guarany fue mucho más que un intérprete de canciones: fue poeta, guitarrero, escritor, actor y símbolo popular. La Fundación Konex destaca que grabó más de 80 discos y compuso más de 600 canciones, una obra enorme que lo ubica entre los grandes nombres de la música argentina. Pero su vida también estuvo atravesada por la persecución. Por sus ideas políticas y por el contenido social de su canto, recibió amenazas, sufrió atentados y debió exiliarse en la década de 1970. Algunas de sus canciones fueron censuradas durante la dictadura, y sus discos desaparecieron de radios y catálogos. Aun así, volvió al país en 1978 y siguió cantando, aun bajo amenazas. Con el regreso de la democracia, su figura recuperó fuerza. Volvió a los escenarios, a la televisión, a los festivales y al contacto directo con un público que nunca lo había olvidado. En 1985 recibió el Premio Konex de Platino como cantante masculino de folclore, y en 2014 fue reconocido con el Konex a la Trayectoria. Horacio Guarany murió el 13 de enero de 2017, en Luján, a los 91 años. Pero su voz sigue viva cada vez que alguien canta una zamba, una milonga o una canción de protesta con el corazón encendido. Porque Guarany no cantaba para adornar el silencio. Cantaba para romperlo. #HoracioGuarany #FolcloreArgentino #SiSeCallaElCantor #MúsicaPopular #CantorDelPueblo #Cosquín #HistoriaArgentina #CulturaArgentina #LasGarzas #SantaFe #MendozAntigua #ArgentineFolklore #FolkMusic #LatinAmericanMusic #ArgentineCulture #PeopleSinger #MusicHistory #ProtestSong
jueves, 14 de mayo de 2020
Imágenes de Abraham Lincoln, el Primer Presidente de los Estados Unidos ...
Abraham Lincoln, el decimosexto presidente de los Estados Unidos, fue el primer presidente en ser ampliamente fotografiado. Las siguientes imágenes son algunas de las icónicas que ayudan a documentar su vida, desde sus primeros años en la política hasta su ascenso a la presidencia.
Estación de Servicio YPF, autorizada. En el lugar más céntrico del departamento de Tunuyan. Propietario Felipe Martín (1942) Provincia de Mendoza
Talleres con mecánicos expertos para cualquier trabajo. Repuestos para todo género de coches. Servicio nocturno permanente
La Edad de Oro Holandesa: Hermosas Pinturas de Johannes Vermeer a Mediad...
Johannes Vermeer (1632-1675) fue un pintor del período barroco holandés que se especializó en escenas interiores domésticas de la vida de clase media. Fue un pintor de género provincial moderadamente exitoso en su vida, pero evidentemente no era rico, dejando a su esposa e hijos endeudados con su muerte, tal vez porque produjo relativamente pocas pinturas.
Vermeer trabajó lentamente y con mucho cuidado, y con frecuencia usaba pigmentos muy caros. Es particularmente conocido por su tratamiento magistral y el uso de la luz en su trabajo.
“Casi todas sus pinturas están aparentemente ubicadas en dos habitaciones pequeñas en su casa en Delft; muestran los mismos muebles y decoraciones en varios arreglos y a menudo representan a las mismas personas, en su mayoría mujeres ". Vermeer fue reconocido durante su vida en Delft y La Haya, pero su modesta celebridad dio paso a la oscuridad después de su muerte. En el siglo XIX, fue redescubierto por Gustav Friedrich Waagen y Théophile Thoré-Bürger, quienes publicaron un ensayo que le atribuye 66 cuadros, aunque solo 34 cuadros se le atribuyen universalmente hoy. Desde entonces, la reputación de Vermeer ha crecido, y ahora es reconocido como uno de los más grandes pintores de la Edad de Oro holandesa. Al igual que algunos artistas holandeses importantes de la Edad de Oro, como Frans Hals y Rembrandt, Vermeer nunca fue al extranjero. Al igual que Rembrandt, fue un ávido coleccionista de arte y comerciante.
Estas increíbles fotos de hermosas pinturas son parte del trabajo de Vermeer entre las décadas de 1650 y 1670.
El 14 de Mayo de 2015, en Las Vegas, EEUU, moría B.B. King: el hombre que hizo llorar a Lucille y convirtió el blues en idioma universal
El 14 de mayo de 2015, en Las Vegas, murió B.B. King, el legendario “Rey del Blues”, uno de los guitarristas y cantantes más influyentes del siglo XX. Tenía 89 años y dejaba una obra inmensa, marcada por una forma única de tocar: pocas notas, vibrato inconfundible y una emoción capaz de atravesar cualquier frontera. Britannica lo define como una figura principal en el desarrollo del blues y una influencia decisiva para generaciones de músicos populares. Había nacido el 16 de septiembre de 1925, cerca de Itta Bena, Mississippi, con el nombre de Riley B. King. Creció en el Delta, entre el trabajo duro, la pobreza rural, el gospel de la iglesia y el sonido profundo de los campos algodoneros. Esa mezcla de dolor, fe y resistencia sería la base emocional de toda su música. De joven trabajó en tareas agrícolas y comenzó a cantar y tocar la guitarra en iglesias y radios locales. Su destino cambió cuando llegó a Memphis, una ciudad clave para el blues. Allí trabajó como disc jockey en la emisora WDIA, donde recibió el apodo de “Blues Boy”, luego abreviado simplemente como B.B. King. Su carrera despegó en los años cincuenta con “Three O’Clock Blues”, su primer gran éxito. Desde entonces, King no dejó de grabar, viajar y presentarse. Llegó a tocar cientos de conciertos por año, convirtiendo el escenario en su verdadera casa. Su guitarra, Lucille, se volvió inseparable de su leyenda: no era solo un instrumento, era una voz paralela, una extensión de su alma. La historia de Lucille nació en un incendio durante una actuación en Arkansas. Dos hombres pelearon por una mujer llamada Lucille y el local comenzó a arder. King logró salir, pero volvió a entrar para rescatar su guitarra. Desde entonces decidió llamar Lucille a sus guitarras, como recordatorio de no arriesgar la vida por una pelea ajena. Esa anécdota terminó convirtiéndose en uno de los mitos más conocidos del blues En 1964, grabó en Chicago el histórico álbum “Live at the Regal”, una obra considerada esencial para entender su fuerza en vivo. Luego, en 1969, su versión de “The Thrill Is Gone” lo acercó a nuevas audiencias y le dio su primer Grammy. Con el tiempo alcanzaría 15 premios Grammy y 30 nominaciones, además de recibir el Grammy a la trayectoria en 1987. Ese mismo año, 1987, fue incorporado al Rock and Roll Hall of Fame, confirmando que su influencia ya no pertenecía solo al blues: también había moldeado el lenguaje del rock, el soul y la música popular moderna. El propio Salón de la Fama lo presenta como el “King of the Blues” y destaca su capacidad de unir públicos a través de una música nacida del dolor y transformada en belleza. B.B. King compartió escenarios con leyendas, abrió conciertos para los Rolling Stones en 1969 y llevó el blues a públicos que quizá nunca se habían acercado a ese género. El Museo B.B. King recuerda que también fue incorporado al Blues Foundation Hall of Fame en 1984 y que recibió doctorados honorarios y reconocimientos de numerosas instituciones. Hasta sus últimos años siguió tocando, viajando y defendiendo una idea simple pero poderosa: el blues no era tristeza pura, sino una manera de sobrevivir a la tristeza. Por eso su música suena como una conversación entre la herida y la esperanza. El 14 de mayo de 2015 se apagó Riley B. King, pero no se apagó Lucille. Cada nota larga, cada silencio exacto y cada frase de guitarra que parece responderle a una voz humana siguen recordando que B.B. King no solo tocó blues: lo convirtió en una forma universal de sentir.
El 14 de Mayo de 1944 en California, EEUU, nacía George Walton Lucas. (EH)
Desde muy joven su sueño era ser piloto de carreras, pero al finalizar la secundaria sufrió un grave accidente que casi le cuesta la vida, por lo que cambió su destino e ingresó a la carrera de cine, donde se destacó de inmediato, presentó algunos cortos y ganó una beca para ser aprendiz de Francis Ford Coppola. Coppola vio en Lucas la gema de un mago y le produjo su primera película, una idea original de George, "THX 1138" una película subterránea en línea argumental de "Un mundo feliz" y "1984", Lucas fundó "Lucasfilm Ltd" y realizó su pequeña pero no menos importante "American Graffiti". En 1974 se embarcó el gran proyecto de su vida, "Star Wars", debido a la exigencia técnica que requería la historia, hubo que "reinventar el cine", el mismo Lucas fundó "ILM", “Industrial, Light & Magic”, que en solo 2 años realizó el salto tecnológico mas importante de la historia del cine. Con "Star Wars" la industria del cine cambió por completo, las salas debieron ser remodeladas, fue la primera película sin créditos en el comienzo y la de mayor cantidad de copias en circulación. Cuando el proyecto estaba listo lo presentó a la Twentiethy Century Fox que dudaba de su viabilidad, Lucas propuso renunciar a su salario a cambio del 40% de la facturación de la película y los derechos del merchandising, Fox aceptó creyendo hacer un buen trato, gran sorpresa se llevaron cuando tuvieron que compartir los millonarios dividendos que transformaron a Lucas en el mejor pago de la historia del cine. Lucas paso de ser un desconocido, al gurú de la industria, ya no necesitó que un estudió le financie un film, el se encargó con su propio dinero de completar la saga "Star Wars", todos se querían asociar con él, pero eligió a su amigo Steven Spielberg, para dirigir su siguiente proyecto, la trilogía de "Indiana Jones" e hizo con la Paramount el mismo trato que con la Fox. Se dedicó a la producción de películas de fantasía hasta que su empresa “ILM” realizó “Jurassic Park”, entonces decidió que estaba en condiciones técnicas de llevar a la pantalla sus proyectos pendientes, el resultado son la segunda trilogía de “Star Wars”, “The Phantom Menace”, “Attack of the Clones” y “Revenge of the Sith”. Su obra esta ligada a las fantasías de 3 generaciones de jóvenes que crecieron y desarrollaron sus sueños en escenarios diseñados en su mente. Influiría en la vida de millones de personas, abriendo las puertas de la imaginación y la magia, los personajes de sus planetas lejanos adornan los dormitorios de millones de niños en todo el mundo. La venta de “Lucasfilm Ltd” a la Disney para la realización de una nueva trilogía de Star Wars bajo su supervisión nos garantiza que “El sueño continua”.
14 de Mayo de 2003, muere Dante Quinterno: el hombre que dibujó a Patoruzú y convirtió la historieta argentina en leyenda
El 14 de mayo de 2003, en Buenos Aires, murió Dante Raúl Quinterno, uno de los grandes pioneros de la historieta y la animación argentina. Tenía 93 años y dejaba detrás un universo gráfico que marcó a generaciones: Patoruzú, Isidoro Cañones, Patoruzito, Upa, la Chacha, Patora y Pampero, personajes que pasaron del papel a la memoria popular. La imagen adjunta lo muestra rodeado de figuras de sus criaturas más famosas, como si el creador estuviera acompañado por ese mundo propio que había nacido de su imaginación. Allí está la clave de su legado: Quinterno no solo dibujó personajes, construyó una mitología criolla. Había nacido en Buenos Aires el 26 de octubre de 1909, dentro de una familia de origen piamontés vinculada a la zona rural de San Vicente, donde sus antepasados se dedicaron al cultivo de frutales. Desde chico mostró una inclinación evidente por el dibujo. La Secretaría de Cultura recuerda que su primera colaboración en un medio apareció cuando tenía apenas 9 años, en una sección infantil de Caras y Caretas. Más tarde se formó cerca de figuras decisivas como Diógenes “el Mono” Taborda y Arturo Lanteri, pioneros del humor gráfico nacional. Su debut profesional llegó en 1925 con la tira “Panitruco”. Luego vendrían “Don Fermín”, “Un porteño optimista” y “Las aventuras de Don Gil Contento”. En 1928, dentro de esa última historieta publicada en el diario Crítica, apareció por primera vez un personaje de nombre casi imposible: Curugua Curuguagüigua. Poco después sería rebautizado como Patoruzú, nombre inspirado en una golosina de la época llamada Pasta de Orozú. Aquel cacique tehuelche ficticio, noble, fuerte, generoso y justiciero, se convirtió en uno de los grandes símbolos de la historieta argentina. La Secretaría de Cultura lo define como uno de los héroes ficcionales más importantes del país, y La Nación señaló que Patoruzú logró instalarse en la vida cotidiana de varias generaciones. El éxito fue enorme. En 1936, Quinterno lanzó la revista Patoruzú, que agotó rápidamente su primera tirada. Más tarde, el universo se expandió con personajes como Isidoro Cañones, el vividor porteño que funcionaba como contrapunto perfecto de la nobleza de Patoruzú, y Patoruzito, la versión infantil del cacique. En los años 50, la revista llegó a vender cerca de 300.000 ejemplares semanales, una cifra impresionante para el mercado editorial argentino. Quinterno también fue un pionero de la animación. Viajó a Estados Unidos para estudiar producción de dibujos animados y tomó contacto con los estudios Fleischer y con Walt Disney. A su regreso impulsó “Upa en apuros”, estrenada el 20 de noviembre de 1942, considerada el primer dibujo animado cinematográfico en colores realizado en Argentina y en la región. El proyecto había nacido con la ambición de ser un largometraje, pero la falta de película virgen durante la Segunda Guerra Mundial obligó a reducirlo. Además de dibujante, Quinterno fue empresario editorial y productor agropecuario. Fundó un verdadero imperio alrededor de sus personajes y también creó “Dinámica Rural”, publicación vinculada a su otra gran pasión: el campo. Con el tiempo se alejó del primer plano público, pero siguió controlando la producción y el destino de sus creaciones desde la editorial. Dante Quinterno fue reservado, meticuloso y casi misterioso. Dio muy pocas entrevistas, evitó la exposición y prefirió que hablaran sus dibujos. Pero su obra habló fuerte: llevó la historieta argentina a una escala masiva, creó personajes inolvidables y abrió un camino entre el humor gráfico, la industria editorial y la animación. Murió el 14 de mayo de 2003, pero Patoruzú sigue galopando en la memoria cultural argentina. Porque Quinterno no solo inventó un personaje: dibujó una parte profunda, contradictoria y entrañable del imaginario nacional. #MendozAntigua #DanteQuinterno #Patoruzú #IsidoroCañones #Patoruzito #UpaEnApuros #HistorietaArgentina #ComicArgentino #HumorGráfico #DibujoAnimadoArgentino #CulturaArgentina #Efemérides #BuenosAires #MemoriaPopular #ArgentineComics #ComicHistory #AnimationHistory #ArgentineCulture #ClassicComics #CulturalHeritage
miércoles, 13 de mayo de 2020
Mujeres de la Década de 1950 eran más Geniales de lo que Sabíamos
Estas instantáneas muestran que las mujeres de la década de 1950 eran geniales.
El 13 de Mayo de 1930, en Lysaker, moría el hombre que venció al hielo y después salvó vidas: Fridtjof Nansen, el gigante noruego que convirtió la aventura en humanidad
El 13 de mayo de 1930, en Lysaker, cerca de Oslo, moría Fridtjof Wedel-Jarlsberg Nansen, uno de los personajes más extraordinarios de la historia noruega: explorador polar, científico, oceanógrafo, diplomático y humanitario. Había nacido el 10 de octubre de 1861, en la antigua Kristiania —hoy Oslo—, y desde joven combinó una rara mezcla de disciplina intelectual, resistencia física y espíritu aventurero. Britannica lo define como explorador, oceanógrafo, estadista y humanitario, reconocido por sus expediciones al Ártico y por su labor internacional después de la Primera Guerra Mundial. Antes de convertirse en leyenda, Nansen fue científico. Estudió zoología, trabajó en el Museo de Bergen y realizó investigaciones sobre el sistema nervioso de animales marinos. Su formación académica no fue un detalle menor: esa mirada científica lo acompañó siempre, incluso cuando se internó en los hielos. Para él, explorar no era solo conquistar territorios desconocidos, sino observar, medir, comprender y dejar conocimiento. Britannica recuerda que sus trabajos sobre histología y sistema nervioso fueron considerados pioneros y que luego orientó gran parte de su carrera hacia la oceanografía. Su primera gran hazaña llegó en 1888, cuando lideró la travesía del casquete helado de Groenlandia. En lugar de avanzar desde la zona habitada hacia el interior, eligió comenzar desde la costa oriental, una decisión extrema: al cortar la posibilidad de retirada, el grupo solo podía seguir adelante. Cruzaron el hielo entre tormentas, frío intenso y aislamiento, y debieron pasar el invierno en Godthåb, actual Nuuk, donde Nansen estudió la vida de los inuit. De aquella experiencia nacieron obras que marcaron la literatura de exploración polar, como The First Crossing of Greenland y Eskimo Life. Pero su nombre entró definitivamente en la historia con la expedición del Fram, el barco diseñado para no ser destruido por la presión del hielo, sino para elevarse sobre él. Nansen partió en 1893 con la audaz idea de dejar que la nave quedara atrapada en la banquisa y derivara lentamente a través del océano Ártico. El plan parecía una locura, pero era ciencia aplicada al límite. El Fram, construido según sus ideas, resistió la presión del hielo, y Nansen, junto a Hjalmar Johansen, intentó alcanzar el Polo Norte con trineos, perros y kayaks. No llegaron al polo, pero alcanzaron los 86°14’ norte, la latitud más septentrional lograda hasta entonces por un ser humano. A su regreso, Noruega lo recibió como a un héroe. Sin embargo, Nansen no quedó atrapado en su propia gloria. Continuó investigando, enseñando y escribiendo. Fue profesor en la Universidad de Kristiania y realizó importantes aportes a la oceanografía física, especialmente en el estudio de las corrientes marinas, las aguas del Ártico y la formación de aguas profundas. Su vida parecía suficiente para una leyenda científica, pero aún faltaba su etapa más humana. En 1905, durante el proceso de separación entre Noruega y Suecia, Nansen participó activamente en la vida política de su país. Aunque muchos lo veían como una figura capaz de encarnar el futuro nacional, apoyó la instauración de la monarquía constitucional y fue nombrado primer ministro de Noruega en Londres entre 1906 y 1908. Durante la Primera Guerra Mundial, también negoció en Estados Unidos el abastecimiento de productos esenciales para Noruega. Después de la guerra, su prestigio mundial fue puesto al servicio de una causa inmensa: rescatar seres humanos. La Sociedad de las Naciones le encargó la repatriación de prisioneros de guerra dispersos tras el conflicto. Según Britannica, la tarea involucraba a cerca de 500.000 prisioneros, y Nansen informó en 1922 que 427.886 habían sido repatriados. El Nobel Prize señala que su labor incluyó el intercambio de unos 400.000 prisioneros entre Rusia, Alemania y el antiguo Imperio austrohúngaro. Su nombre quedó unido para siempre al “Pasaporte Nansen”, un documento creado en 1922 para personas desplazadas y apátridas, que les permitía cruzar fronteras, buscar trabajo y reconstruir una vida cuando ya no tenían patria que los reconociera. ACNUR recuerda que ese documento fue uno de los antecedentes históricos más importantes de los actuales documentos de viaje para refugiados. También intervino en la terrible hambruna que golpeó a Rusia entre 1921 y 1922. Trabajó junto a la Cruz Roja y otras organizaciones para llevar ayuda a millones de personas afectadas por el hambre. Por esa combinación de eficacia, coraje moral y compromiso con los desplazados, los hambrientos y los prisioneros, recibió el Premio Nobel de la Paz en 1922. La motivación oficial del Nobel fue su papel en la repatriación de prisioneros de guerra, la ayuda internacional y su tarea como Alto Comisionado de la Sociedad de las Naciones para los refugiados. Fridtjof Nansen murió el 13 de mayo de 1930, pero su legado siguió vivo. Varias islas, regiones árticas e instituciones llevan su nombre, y el Nansen International Office for Refugees, creado después de su muerte, obtuvo el Premio Nobel de la Paz en 1938. Pocos hombres lograron unir de forma tan poderosa la aventura, la ciencia y la compasión. Nansen no fue solo el explorador que desafió al hielo: fue el hombre que entendió que la mayor frontera no estaba en el Polo Norte, sino en la capacidad humana de ayudar a quienes habían perdido todo. #FridtjofNansen #Nansen #Historia #Efemerides #Noruega #Exploradores #PoloNorte #Fram #PremioNobelDeLaPaz #Refugiados #PasaporteNansen #HistoriaMundial #MendozAntigua #History #WorldHistory #Norway #PolarExplorer #ArcticExploration #NobelPeacePrize #Humanitarian #Refugees #NansenPassport
13 de Mayo de 1981, el disparo que estremeció al Vaticano: el día en que Juan Pablo II sobrevivió al odio y respondió con perdón
El 13 de mayo de 1981, la Plaza San Pedro pasó en segundos de la emoción religiosa al espanto. Durante la audiencia general, mientras el papa Juan Pablo II recorría la plaza en un vehículo abierto y saludaba a los fieles, el turco Mehmet Ali Ağca abrió fuego contra él. Según la cronología oficial de la Santa Sede, el ataque ocurrió a las 17:19 y el pontífice, gravemente herido, fue trasladado al Policlínico Gemelli, donde debió ser operado durante seis horas. Ağca disparó en medio de una multitud que no alcanzó a comprender de inmediato lo que estaba ocurriendo. La escena fue caótica: gritos, corridas, custodios abalanzándose sobre el vehículo y una plaza paralizada por el miedo. Vatican News recuerda que, tras los disparos, Juan Pablo II cayó ensangrentado en brazos de su secretario y comenzó una carrera desesperada hacia el hospital, mientras el mundo seguía las noticias con angustia. El atentado no solo sacudió a la Iglesia Católica: también abrió una de las investigaciones más enigmáticas de la Guerra Fría. Durante años se habló de posibles conexiones con redes turcas, mafias internacionales, servicios secretos búlgaros e incluso intereses soviéticos. Sin embargo, esa llamada “pista búlgara” debe contarse con cautela: documentos del Departamento de Estado de Estados Unidos señalaban ya en 1982 que las afirmaciones de Ağca sobre un complot búlgaro no estaban confirmadas y advertían que el atacante había caído en contradicciones y mentiras durante la investigación. Lo que sí quedó grabado para siempre fue la reacción del propio Juan Pablo II. Apenas cuatro días después del ataque, desde su cama del hospital Gemelli, pidió rezar por “el hermano que me disparó” y dijo que lo había perdonado sinceramente. Años más tarde, el 27 de diciembre de 1983, el papa visitó a Ağca en la cárcel romana de Rebibbia. La conversación fue privada, sin micrófonos, pero la imagen del pontífice sentado frente al hombre que quiso matarlo recorrió el mundo como uno de los gestos de perdón más impactantes del siglo XX. El episodio también quedó unido a la devoción de Juan Pablo II por la Virgen de Fátima. El atentado ocurrió un 13 de mayo, fecha vinculada a la primera aparición de Fátima en 1917. El Vaticano señala que, tras sobrevivir, el papa pidió conocer el texto del llamado “tercer secreto” de Fátima, y años después interpretó su supervivencia con una frase que se volvió célebre: una “mano materna” habría guiado el camino de la bala. En junio de 2000, el presidente italiano Carlo Azeglio Ciampi concedió el indulto a Ağca, quien fue enviado a Turquía para cumplir condenas pendientes por delitos anteriores. La Santa Sede registró que Juan Pablo II expresó satisfacción por la clemencia concedida a su agresor. Desde aquel día, la seguridad pontificia cambió para siempre. El atentado marcó el fin de una época en la que los papas podían acercarse a las multitudes con una protección mucho más simple. A partir de entonces, los vidrios blindados, los protocolos estrictos y las comitivas de seguridad se volvieron parte habitual de cada aparición pública. Pero la historia del 13 de mayo de 1981 no se recuerda solamente por los disparos. Se recuerda porque, en medio de una época atravesada por la violencia política, la Guerra Fría y el fanatismo, Juan Pablo II respondió con un gesto inesperado: sobrevivió al odio y eligió el perdón. #JuanPabloII #MehmetAliAgca #AtentadoAlPapa #PlazaSanPedro #Vaticano #Historia #Efemerides #GuerraFria #Perdon #Fe #Fatima #IglesiaCatolica #MendozAntigua #JohnPaulII #PopeJohnPaulII #Vatican #StPetersSquare #ColdWar #History #Forgiveness #Faith #AssassinationAttempt #WorldHistory
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