Luna Park 10 de Abril de 1938: el día que Buenos Aires fue sede del mayor acto nazi fuera de Alemania

El 10 de abril de 1938, en Buenos Aires, el Luna Park se convirtió en escenario de un hecho estremecedor: el mayor acto pronazi realizado fuera de Alemania. La convocatoria sirvió para respaldar el Anschluss, es decir, la anexión de Austria al Reich, anunciada oficialmente por Adolf Hitler en marzo de ese año y luego refrendada en un plebiscito propagandístico fijado para el 10 de abril. Aquella consulta llegó después de la ocupación militar y en un contexto de exclusiones y coerción, por lo que funcionó más como legitimación política que como una votación libre. En la Argentina, el gobierno de Roberto Marcelino Ortiz, que había asumido la presidencia el 20 de febrero de 1938, observaba con inquietud el crecimiento de las simpatías hacia el nazismo en ciertos sectores locales. Según reconstrucciones históricas, el intento de realizar un plebiscito formal fue rechazado, pero esa limitación no impidió que el apoyo al régimen hitleriano se canalizara a través de un gran acto político en el estadio porteño, impulsado por círculos austro-germanos y con respaldo diplomático alemán. Las cifras de asistencia varían según la fuente, pero las estimaciones más repetidas ubican la concurrencia entre 12.000 y 20.000 personas. El estadio apareció cubierto de simbología nazi, sonaron marchas y consignas de adhesión al Tercer Reich, y el público respondió con saludos hitlerianos y vivas al Führer. Por eso, aquella reunión en el Luna Park quedó registrada como la manifestación de apoyo al nazismo más masiva celebrada fuera del territorio alemán. Pero afuera del estadio la escena era muy distinta. En la zona de Plaza San Martín, la Federación Universitaria Argentina y otros sectores opositores organizaron una contramarcha de repudio. La policía reprimió con dureza y los disturbios dejaron dos muertos, además de heridos, detenidos y destrozos en el centro porteño. Así, mientras adentro se exaltaba al régimen nazi, en la calle también quedaba expuesta una fuerte resistencia argentina frente a ese avance ideológico. Cuando las fotografías del interior del Luna Park comenzaron a circular, el impacto fue enorme: no solo mostraban miles de brazos en alto y una puesta en escena abiertamente nazi, sino también la cercanía de parte de las redes políticas, sociales y empresarias que veían con simpatía al Tercer Reich. Hoy, además, ese episodio puede estudiarse con más profundidad gracias a la apertura de documentación desclasificada sobre actividades nazis en la Argentina publicada por el Archivo General de la Nación. #LunaPark1938 #HistoriaArgentina #NazismoEnArgentina #Anschluss #BuenosAires #DecadaInfame #RobertoOrtiz #AdolfHitler #MemoriaHistorica #HistoriaDelSigloXX #ArgentinaHistory #NaziRally #BuenosAiresHistory #HistoricalMemory #WorldHistory #Fascism #HolocaustContext #LatinAmericanHistory #NeverForget #PoliticalHistory

Galera en que se dice que iba Facundo Quiroga cuando fue asesinado, el 26 de febrero de 1835 en Barranca Yaco, Córdoba. 📷 Tomada por Caras y Caretas en 1904.

Patricio Peralta Ramos, fundador de la ciudad de Mar del Plata (c.1880).

Bargueño con incrustaciones de marfil y carey, pertenecientes al Virrey Sobremonte en su casa de Córdoba (1921).

Estación de servicio YPF en Goya, Corrientes (1939).

Una máscara de gripe modificada para un humo, 1918

Una foto de una máscara contra la gripe promocionada por la revista Popular Science durante la pandemia de 1918. Tiene un agujero para fumar, pero no para exhalar el humo. Popular Science estaba satirizando el uso de máscaras, que según ellos eran científicamente ineficaces.

El Centro de la Ciudad Capital de Mendoza (1990)

Hotel Bolivar. (1928) Lima. Perú

Construcción del Puente en el Distrito de Nueva California. Departamento de San Martín. (1940) Mendoza

Toponimia del Departamento de General Alvear. Pioneros Alveareños. Pedro Christophersen. Provincia de mendoza

De origen Noruego, nacido en Tonsberg, el 28 de Mayo de 1845, vino al país en 1871, al tiempo contrajo matrimonio en Capital Federal con Carmen de Alvear, y entre sus actividades relacionadas con el departamento de General Alvear figuran las desarrolladas a partir de 1909, cuando adquirió las acciones de la sociedad chilena y al restaurarla y ocupar la presidencia de su directorio, gestionó el derecho de riego para 25.000 hectáreas, sumándolas a las 5000 ya otorgadas anteriormente a Diego de Alvear. Resulta digno destacar que Pedro Christophersen, por su elevada cultura, se desempeñó en la Argentina como cónsul general y encargado de negocios, representando a Rusia Imperial, Dinamarca, Suecia y Noruega, países que lo distinguieron con altas condecoraciones; entre ellas la Gran Cruz de la Orden de Noruega de San Olaf; la Gran Cruz de la Estrella Polar de Suecia; y la Comendador de Danborg de Dinamarca. No faltó en su vida el gesto magnífico que aureola a los grandes, cuando salvó de la muerte al grupo expedicionario encabezado por el explorador Roald Amundsen, que se había internado en el Polo Sur, para lo cual costeó y financió por su cuenta y riesgo el barco Fran, el que en 1911 restituyó al explorador y sus acompañantes desde las regiones polares. El 18 de Agosto de 1930, dice la crónica periodística con motivo del fallecimiento de  Pedro Christophersen, que este hombre se fue para siempre de nosotros, con el espíritu sano como muy pocos y con la certidumbre de que en la tierra nada dejó sin concluir, ni nada que desagraviar, porque jamás supo ofender.  En, General Alvear, tiene la Colonia San Pedro del Atuel, en homenaje a su fundador. Dicha colonia tiene un nombre coloquial que es Carmesa, gracias a que Christophersen coloco un cartel de su empresa llamada Carmen s.a (la llamo así por su hija Carmen) en el techo de la estación de trenes. Con el tiempo se borró el punto de s.a y por eso todos cuando llegaban leían Carmensa, como hoy es conocido .

El 9 de Abril de 1963 fallecía Xul Solar: el genio argentino que pintó lo invisible y soñó con reinventar el lenguaje del mundo

El 9 de abril de 1963 falleció en Tigre Xul Solar, una de las figuras más originales, enigmáticas y brillantes del arte argentino del siglo XX. Su nombre real era Oscar Agustín Alejandro Schulz Solari, y había nacido en San Fernando el 14 de diciembre de 1887. Hijo de Emilio Schulz Riga y de Agustina Solari, creció en un ambiente atravesado por la música, los idiomas y la sensibilidad artística. Desde muy joven se destacó por su facilidad para el dibujo y comenzó estudios de Arquitectura, aunque pronto entendió que su camino iba por otro lado: el de una creación mucho más libre, audaz y visionaria. En 1912 emprendió un viaje a Europa que resultó decisivo para su formación. Durante esos años recorrió distintas ciudades y entró en contacto con las corrientes de vanguardia que estaban transformando el arte moderno. En Florencia conoció a Emilio Pettoruti, con quien trabó una amistad fundamental, y ese vínculo lo acercó al clima intelectual y estético de una Europa en plena ebullición. La influencia de Paul Klee y de las búsquedas expresionistas también quedó asociada a su evolución artística, visible en una obra cada vez más personal, cargada de signos, símbolos, color y espiritualidad. Xul Solar no fue solo pintor: fue también astrólogo, músico, inventor, estudioso de religiones, creador de mundos y de lenguajes propios. Su universo estaba atravesado por las ciencias ocultas, la numerología y la astrología, intereses que lo llevaron a desarrollar piezas tan singulares como el Panajedrez, una reformulación del ajedrez tradicional vinculada a constelaciones, combinaciones simbólicas y pensamiento creativo. También ideó no una sino dos lenguas: el neocriollo, pensado como una síntesis para América Latina, y la panlengua, concebida como un idioma universal, monosilábico y de base astrológica y numérica. Su pintura, inconfundible y adelantada a su tiempo, se distinguió por los colores intensos, las formas geométricas, los elementos arquitectónicos, los signos esotéricos y la incorporación de palabras e invenciones lingüísticas dentro de la imagen. En esa obra convivían lo ingenuo y lo místico, lo lúdico y lo inquietante, como si cada cuadro pudiera ser leído a la vez como sueño, mapa espiritual y visión profética. Admiró las vanguardias europeas, pero jamás renunció a la idea de repensarlas desde América y desde un fuerte impulso criollo y universal al mismo tiempo. Amigo cercano de Jorge Luis Borges, Xul frecuentó ambientes intelectuales y dejó una huella que excede largamente la pintura. Borges lo recordó como un ser irrepetible, un verdadero “ciudadano del universo”. Así fue Xul Solar: un artista imposible de encasillar, capaz de crear idiomas, reformular juegos, imaginar nuevas escrituras y convertir el arte argentino en una experiencia espiritual, simbólica y profundamente moderna. Murió a los 75 años, pero su legado sigue siendo una de las aventuras más fascinantes de la cultura argentina. #XulSolar #ArteArgentino #HistoriaDelArte #VanguardiaArgentina #PinturaArgentina #Borges #Panajedrez #Panlengua #Neocriollo #CulturaArgentina #ArgentineArt #ArtHistory #ModernArt #AvantGarde #LatinAmericanArt #JorgeLuisBorges #MysticArt #Symbolism #VisionaryArtist #CulturalLegacy #History, #HistoryLovers, #HistoryFacts, #HistoryBuff, #Historical, #HistoricalPhotography, #HistoricalImages, #HistoricalPhotos, #Vintage, #VintageStyle, #VintagePhoto, #VintagePhotography, #Retro, #OldPhotos, #OldPicture, #Archive, #Archives, #PhotoArchive, #BlackAndWhitePhotography, #Photography

9 de abril de 1959: murió Frank Lloyd Wright, el genio que hizo de la naturaleza una forma de arquitectura

El 9 de abril de 1959 falleció en Phoenix, Arizona, uno de los nombres decisivos de la arquitectura del siglo XX: Frank Lloyd Wright. Había nacido el 8 de junio de 1867 en Richland Center, Wisconsin, hijo de William Carey Wright, predicador y músico, y de Anna Lloyd Jones, maestra. Su infancia, marcada por el paisaje rural de Wisconsin y por un contacto profundo con la naturaleza, dejó una huella decisiva en su manera de pensar el espacio, la luz y la relación entre edificio y entorno. Aunque comenzó estudios de ingeniería civil en la Universidad de Wisconsin, no terminó la carrera: cursó apenas dos semestres antes de orientarse definitivamente hacia la arquitectura. En 1887 se instaló en Chicago, donde trabajó primero en distintos estudios y luego ingresó al prestigioso despacho de Adler & Sullivan, colaborando directamente con Louis Sullivan durante unos seis años. En 1893, ya independizado, abrió su propio estudio y empezó a desarrollar la línea que lo volvería famoso: las llamadas “casas de la pradera”, viviendas de marcada horizontalidad, techos bajos, grandes aleros, plantas abiertas y largas bandas de ventanas que integraban el exterior a la vida cotidiana del interior. En esas obras tempranas ya aparecía una de sus grandes obsesiones: derribar la rigidez de la casa tradicional y reemplazarla por espacios más fluidos, luminosos y orgánicos. Esa búsqueda también se manifestó en el Larkin Company Administration Building de Buffalo, levantado desde 1903, donde diseñó un gran patio central iluminado desde arriba y rodeado por balcones interiores, además de introducir innovaciones técnicas muy avanzadas para su tiempo, como aire acondicionado, calefacción radiante y mobiliario incorporado. En 1911 comenzó a construir en Spring Green, Wisconsin, su casa-estudio Taliesin, una de las obras más personales de toda su trayectoria. Allí volcó su ideal de una arquitectura “orgánica”, ligada al paisaje y a los materiales del lugar. La propiedad sufrió dos incendios graves, en 1914 y 1925, y Wright la reconstruyó en ambas ocasiones. Entre esos años desarrolló además una etapa crucial en Japón, donde trabajó aproximadamente entre 1915 y 1922 en el célebre Imperial Hotel de Tokio, edificio que se volvió legendario por su comportamiento frente al gran terremoto de 1923. Más adelante, en 1937, fundó Taliesin West en Arizona, su laboratorio del desierto y residencia de invierno, sede que hoy continúa vinculada a su legado y a su fundación. Desde entonces firmó algunas de las obras más célebres de la arquitectura moderna. Entre ellas se destacan la Casa Kaufmann, más conocida como Fallingwater o Casa de la Cascada, construida en 1935 en Pennsylvania; la primera Casa Jacobs, prototipo de sus viviendas usonianas; el futuro Museo Guggenheim de Nueva York, cuyo encargo recibió en 1943; y la sede de S. C. Johnson & Son en Racine. En este último edificio llevó su audacia estructural al límite con sus famosas columnas dendriformes, semejantes a hongos o nenúfares: pese a las dudas iniciales, una prueba de carga realizada en 1937 demostró que resistían varias veces el peso exigido. La muerte de Frank Lloyd Wright cerró una vida extraordinaria, pero no detuvo su influencia. Su obra cambió para siempre la arquitectura contemporánea al proponer edificios menos rígidos, más humanos y en diálogo con el paisaje. Hablar de él es hablar de modernidad, de audacia creativa y de una idea que todavía sigue vigente: que una construcción no debe imponerse a la naturaleza, sino convivir con ella. #FrankLloydWright #Arquitectura #HistoriaDeLaArquitectura #ArquitecturaModerna #ArquitecturaOrgánica #Taliesin #TaliesinWest #CasaDeLaCascada #Fallingwater #MuseoGuggenheim #Historia #Efemérides #Architecture #ModernArchitecture #OrganicArchitecture #PrairieStyle #ArchitecturalHistory #DesignHistory #Guggenheim #FallingwaterHouse

El 9 de Abril de 1933, en Neuilly-sur-Seine, barrio de las afueras de París, nacía Jean-Paul Belmondo: la nariz rota que rompió el molde del galán y se volvió inmortal en el cine francés

El 9 de abril de 1933, en Neuilly-sur-Seine, a las afueras de París, nacía Jean-Paul Belmondo, una de las grandes leyendas del cine francés. Hijo del escultor Paul Belmondo y de la pintora Sarah Rainaud-Richard, creció rodeado de arte, aunque en su juventud intentó tomar otro camino: soñó con el fútbol y se entregó con pasión al boxeo amateur. Aquella nariz marcada y su estilo desafiante, lejos de perjudicarlo, terminaron dándole una presencia inconfundible, áspera y seductora a la vez, que más tarde se convertiría en una de sus marcas personales en la pantalla. Sin demasiadas expectativas al comienzo, estudió arte dramático en el Conservatoire National d’Art Dramatique de París, aunque su carácter irreverente no le facilitó el camino académico. Después de sus primeras experiencias teatrales, dio sus pasos iniciales en el cine con pequeños papeles, entre ellos À pied, à cheval et en voiture en 1957. Poco después apareció en la televisión francesa en Les Trois Mousquetaires, donde ya empezaba a perfilarse esa combinación de dureza, ironía y magnetismo que lo haría único. El gran vuelco llegó cuando Jean-Luc Godard le dio su primer papel verdaderamente decisivo en À bout de souffle (Breathless), rodada en 1959 y estrenada en 1960, película que lo convirtió en uno de los rostros fundamentales de la Nouvelle Vague. Desde allí, Belmondo dejó de ser solo una promesa para transformarse en una figura central del cine europeo, capaz de pasar del policial al drama, de la aventura al humor, con una naturalidad arrolladora. Con el tiempo tomó mayor control de su carrera, produjo sus propios proyectos y orientó muchos de sus papeles hacia la acción, la comedia y el cine popular, sin perder jamás el carisma que lo distinguía. Se hizo célebre también por realizar él mismo muchas escenas de riesgo, una decisión que le ganó admiración dentro de la industria. A lo largo de una trayectoria enorme, dejó títulos inolvidables y muy distintos entre sí, como Le Magnifique, su participación en Casino Royale y, para muchísimos admiradores, la icónica Le Professionnel. Su peso en la historia del cine fue tal que Cannes le rindió un homenaje especial en 2011 y en 2016 recibió el León de Oro honorífico de Venecia por el conjunto de su carrera. #JeanPaulBelmondo #CineFrancés #NouvelleVague #HistoriaDelCine #LeyendaDelCine #Belmondo #Breathless #ABoutDeSouffle #LeProfessionnel #FrenchCinema #CinemaLegend #MovieHistory #ClassicCinema #FilmIcon #NuevaOlaFrancesa #History, #HistoryLovers, #HistoryFacts, #HistoryBuff, #Historical, #HistoricalPhotography, #HistoricalImages, #HistoricalPhotos, #Vintage, #VintageStyle, #VintagePhoto, #VintagePhotography, #Retro, #OldPhotos, #OldPicture, #Archive, #Archives, #PhotoArchive, #BlackAndWhitePhotography, #Photography

El 9 de Abril de 1926, en Chicago, EEUU, nacía Hugh Hefner: el hombre que cambió para siempre la cultura pop, el erotismo editorial y la libertad de hablar de sexo

El 9 de abril de 1926 nació en Chicago, Estados Unidos, Hugh Marston Hefner, una figura clave de la cultura del siglo XX y el fundador de Playboy. Su nombre quedó ligado a la revolución sexual de fines de los años 50 y de las décadas siguientes, así como a los debates sobre libertad de expresión, moral pública y transformación de los medios. Falleció el 27 de septiembre de 2017, a los 91 años, por causas naturales en su residencia de Los Ángeles. Criado en una familia metodista de Chicago, Hefner estudió en Sayre Elementary School y luego en Steinmetz High School. Tras servir en el Ejército de Estados Unidos al final de la Segunda Guerra Mundial, cursó Psicología en la Universidad de Illinois en Urbana-Champaign, donde se graduó en 1949. Después trabajó en el mundo editorial y publicitario, incluido un paso por Esquire, y más tarde se desempeñó como circulation manager de la revista infantil Children’s Activities, etapa en la que empezó a tomar forma la idea de crear una publicación masculina distinta a todo lo conocido hasta entonces. Ese proyecto nació en 1953. Junto con colaboradores como Eldon Sellers, Hefner pensó primero en llamarlo Stag Party, pero el nombre debió cambiarse y finalmente quedó como Playboy. El primer número se armó con recursos muy modestos y tuvo un golpe de impacto inmediato gracias a la publicación de fotos de Marilyn Monroe adquiridas de una sesión realizada originalmente para un calendario. El resultado fue sorprendente: aquella edición inicial vendió casi 54 mil ejemplares, una cifra extraordinaria para una revista debutante. Poco después, el director de arte Art Paul diseñó el célebre conejo que se convertiría en una de las marcas más reconocibles del mundo editorial. Con el tiempo, Playboy dejó de ser solo una revista. Sumó entrevistas célebres, textos literarios, humor gráfico, el famoso desplegable central y una estética propia que marcó época. También se expandió a clubes nocturnos, televisión, cine y licencias comerciales, hasta convertirse en un poderoso fenómeno multimedia. Más tarde, la irrupción de competidores más explícitos, como Penthouse y Hustler, desafió su reinado, pero Hefner decidió sostener una línea basada en una mezcla de erotismo, estilo de vida y periodismo cultural. Su legado sigue siendo discutido: para algunos fue un emblema de liberación y modernización; para otros, una figura inseparable de la objetivación de la mujer y de las contradicciones de su tiempo. #HughHefner #Playboy #HistoriaDelSigloXX #CulturaPop #RevoluciónSexual #LibertadDeExpresión #HistoriaEditorial #MarilynMonroe #HistoriaDeLasRevistas #Efemérides #HughHefnerLegacy #PlayboyMagazine #PopCultureHistory #SexualRevolution #FreedomOfExpression #MagazineHistory #MediaHistory #CulturalHistory #VintageCulture #IconosDelSigloXX #History, #HistoryLovers, #HistoryFacts, #HistoryBuff, #Historical, #HistoricalPhotography, #HistoricalImages, #HistoricalPhotos, #Vintage, #VintageStyle, #VintagePhoto, #VintagePhotography, #Retro, #OldPhotos, #OldPicture, #Archive, #Archives, #PhotoArchive, #BlackAndWhitePhotography, #Photography

Petrona Arias de White, hija de uno de los primeros pobladores de Dolores (provincia de Buenos Aires), de 98 años de edad (1925).

Palacio de la familia Peña de Basualdo. Plaza San Martín, Buenos Aires, c.1910.

Noche de chicas. La Gaceta Mercantil, 23 de octubre de 1827.

Estadio Monumental, Club Atlético River Plate, 1938.

El Doctor Mancera, su Señora y el Señor Pedro Niseggi, en el puente de Cacheuta. (1928) Mendoza

Dos mujeres con el rostro protegido por la Pandemia de 1918.

La Mejor Escuela. Goyeneche con la Orquesta de Horacio Salgan a la que se incorporó en 1952.

El cantor Ángel Díaz a la derecha del gran pianista, tuvo gran influencia en la carrera del Polaco. Este luego pasó a la Orquesta de Anibal Troilo. Fue una etapa brillante para ambos artistas. Siempre se dijo que Pichuco fue el director que mejor provecho le sacó a sus cantores

José Zelaya, que triunfó en la carrera de automóviles con un coche Doodge. El Borbollón. (1925) Mendoza

Las máscaras de smog se han convertido en toda la rabia en Londres debido a los niveles de contaminación atmosférica, 1953. Fotografiado por Juliette Lasserre

Toponimia del Departamento de General Alvear. Pioneros Alveareños. Ingeniero OVE BOSCH. Provincia de Mendoza

Llegó a General Alvear recién recibido de Ingeniero Civil, dedicándose en su especialidad a la colonización y parcela-miento de las tierras en esa localidad. Trazaría canales e hijuelas para llevar el agua del río Atuel a los lotes

Bagdad, 8 de abril de 2003: el día en que el fuego de un tanque mató a José Couso y Taras Protsyuk en el Hotel Palestine

08/04/2003. Ese día, en Bagdad, murieron los camarógrafos Taras Protsyuk y José Couso cuando un tanque estadounidense disparó contra el Hotel Palestine, el edificio donde se alojaba la mayor parte de la prensa internacional que cubría la invasión de Irak. El hecho ocurrió en medio de la ofensiva sobre la capital iraquí y se convirtió en uno de los episodios más graves y recordados de violencia contra periodistas durante aquella guerra. El Committee to Protect Journalists y Reuters señalaron que el proyectil impactó en el hotel y causó la muerte de ambos camarógrafos. Taras Protsyuk, camarógrafo de Reuters, tenía una amplia experiencia cubriendo conflictos armados. José Couso, camarógrafo español de Telecinco, también había trabajado en escenarios de guerra y se encontraba en Bagdad registrando el avance militar sobre la ciudad. Ambos estaban hospedados en el Hotel Palestine, a orillas del Tigris, que por entonces era la base principal de numerosos corresponsales extranjeros en la capital iraquí. La mañana del 8 de abril, un tanque M1A1 Abrams del ejército de Estados Unidos, situado en la ribera opuesta del río, disparó contra el edificio. Según la reconstrucción del CPJ, el proyectil impactó en un balcón del piso 15, donde periodistas observaban y filmaban los combates. Taras Protsyuk murió como consecuencia directa del impacto, mientras José Couso sufrió heridas gravísimas y falleció poco después en el hospital. La explicación oficial estadounidense sostuvo que el disparo respondió a un supuesto fuego enemigo proveniente de la zona del hotel. Sin embargo, organizaciones como Reporteros Sin Fronteras y el propio CPJ cuestionaron esa versión y sostuvieron que la tragedia era, como mínimo, evitable, en parte porque el Palestine era conocido internacionalmente como sede de la prensa extranjera en Bagdad. Años después, Reuters volvió a reclamar una nueva investigación, insistiendo en que seguían existiendo serias dudas sobre lo ocurrido. El caso tuvo además un largo recorrido judicial y político. En España, la Audiencia Nacional impulsó una causa por la muerte de José Couso y llegaron a ser señalados tres militares estadounidenses: el sargento Thomas Gibson, el capitán Philip Wolford y el teniente coronel Philip de Camp, identificados en resoluciones y coberturas periodísticas sobre la investigación. El Tribunal Supremo español confirmó que la justicia española era competente para investigar el caso, pero Estados Unidos rechazó la extradición de los militares. Con el tiempo, nuevas revelaciones reforzaron la dimensión política del expediente. Reuters informó en 2010 que los cables de WikiLeaks mostraban contactos y presiones diplomáticas de Estados Unidos sobre autoridades españolas para frenar o debilitar causas judiciales sensibles, entre ellas la de José Couso. Otros medios internacionales confirmaron que la embajada estadounidense en Madrid buscó que la investigación quedara estancada. Por eso, recordar el 8 de abril de 2003 no es solo evocar una tragedia de guerra. Es volver sobre un episodio que expuso brutalmente los riesgos del periodismo en conflictos armados y dejó una herida abierta en la memoria de la prensa internacional. La muerte de Taras Protsyuk y José Couso sigue siendo, para muchos, un símbolo de impunidad y una advertencia sobre el precio que puede pagar quien intenta contar una guerra desde el lugar mismo donde sucede. #JoséCouso #TarasProtsyuk #HotelPalestine #Bagdad2003 #Irak #Periodismo #PrensaEnGuerra #Memoria #Impunidad #WarCorrespondents #PressFreedom #JournalistsKilled #IraqWar #Baghdad #MediaHistory #NostalgiaCore, #Throwback, #TBT, #ThrowbackThursday, #Vintage, #Retro, #VintagePhotography, #HistoricalPhotos, #HistoricPhotos, #ArchivePhoto, #ArchivalPhoto, #OnThisDay, #TodayInHistory, #ThisDayInHistory, #OTD

El 8 de Abril de 2013, en Londres, moría la líder mundial que mejor representó a la derecha conservadora que basada en una política ultra liberal, opresora y represiva gobernó el Reino Unido por 11 años, ese día se apagaba la vida de "La dama de hierro", Margaret Tatcher.

Nacida en Lincolnshire el 13 de Octubre de 1925, con el nombre de Margaret Hilda Roberts, con un intelecto sobresaliente estudió ciencias químicas en la Universidad de Oxford ejerciendo su carrera profesional en el campo petrolífero, donde conoció al empresario Denis Thatcher con quién se casó en 1951. En su nueva vida conoció la alta sociedad ultraconservadora de quienes adoptó sus postulados, estudió derecho tributario y a pedido de su esposo ingresó en la política, en su primer intento en 1959 ganó un escaño en la Cámara de los Comunes. Se convirtió en una férrea enemiga de la "laxa" política fiscal del partido Laborista, a mediados de los años '60 fue nombrada secretaria de Estado para Asuntos Sociales, pero su insensibilidad provocó que fuera removida y el Primer Ministro Edward Heath la reubicara en el ministerio de Ciencia y Educación. En 1975 desplaza al propio Heath y se convierte en la líder del Partido Conservador y principal opositora al gobierno Laborista de James Callaghan, en 1979 gana las elecciones y se convierte en la Primera Ministra del Reino Unido. Para enfrentar la crisis económica implementó un plan económico suicida, liberalismo monetario, privatización de empresas públicas, desregulación financiera, flexibilización de leyes laborales, intervención de los sindicatos y reducción drástica de planes de ayuda social, siendo recordada por ser quién eliminó la distribución de leche en las escuelas. Los resultados eran los esperados, estabilidad monetaria pero quebrantos de empresas centenarias, se triplicó el desempleo, huelgas mineras e industriales y el nivel mas alto de indigencia de la historia, pero cuando todo parecía desmoronarse un suceso a 13 mil kilómetros puso patas para arriba la opinión pública, el 2 de Abril de 1982, Argentina tomaba las Islas Malvinas. Tatcher vio esto como un regalo del cielo, pese a que para el pueblo británico era un hecho ajeno a su vida cotidiana, el gobierno ayudado por los medios lo utilizó para reflotar el orgullo imperial y exacerbar el nacionalismo, la fugaz guerra y el triunfo le hicieron ganar las elecciones de 1983. La ahora "Dama de hierro" no cambió en un milímetro sus políticas, puso todas las trabas posibles para el ingreso de Inglaterra en la Unión Europea y profundizó las políticas conservadoras, una huelga de mineros terminó en una brutal represión mellando la escasa aprobación que le quedaba. En 1987 gana milagrosamente las elecciones, mientras el mundo veía al Reino Unido como una potencia, la vida cotidiana era una pesadilla debido al desempleo, que derivaron en su renuncia anticipada en 1990. A partir de allí se dedicó a escribir y le fue otorgado el título nobiliario de baronesa que le otorgaba el derecho vitalicio y no hereditario de ser miembro de la Cámara de los Lores, cargo que ejerció con intermitencia hasta su muerte el 8 de Abril de 2013.

El 8 de Abril de 1963, en Liverpool, Inglaterra, nacía un hombre que antes siquiera de pasar su niñez ya había inspirado hermosas melodías, ese día llegaba al mundo "Julian Lennon".

Hijo de John Winston Lennon y su primera esposa, Cynthia Powell, su nombre completo es "John Charles Julian Lennon", el nombre "Julian" lo eligió John en honor a su madre, Julia. La relación con su padre fue tan distante como extraña, John pasaba mucho tiempo ausente y no estaba preparado para la paternidad, por contrato debía ocultar su matrimonio, mas aún un hijo. Una de las pocas noches que pasó en familia, no soportando los gritos del bebe, lo sacó de la casa y lo dejó en el fondo de su piscina vacía. A pesar de ello, veía en él una fuente de inspiración, Julian le regaló un abstracto dibujo plagado de colores, John le pregunto ¿que es?, este le contesto "Lucy en el cielo con diamantes", sin querer dio origen a una de las mas hermosas composiciones de su padre. Para el disco "Magical Mystery Tour" le compuso la bella canción de cuna "Good Night". Cuando John dejó a su madre para casarse con Yoko Ono, Paul McCartney compuso y le dedicó una de las mejores canciones de "The Beatles", la inolvidable "Hey Jude". Julian no tenía otro destino que músico, aunque su padre jamás le dedicó tiempo, estaba sumido en la Beatlemanía, Julian se abrió camino solo. El nacimiento de su medio hermano "Sean Taro Ono Lennon" en 1975, lo separó mas aún de su padre, por lo que la muerte de John en 1980 no le significó ninguna pérdida irreparable. En 1984 no le costó conseguir un sello discográfico para grabar su disco "Valotte", su voz idéntica a la de su padre se destaca en uno de sus éxitos "Too late for Goodbyes". El gran suceso de este disco no pudo conseguir continuidad, "The Secret Value of Daydreaming" y "Mr. Jordan" pasaron rápidamente al olvido, dando paso a una profunda depresión que abrió las puertas para las drogas y el alcohol. El disco "Help Yourself" le devolvió cierto respeto pero rápidamente paso al olvido, para lo único que le hacían notas era para especular por una reunión de "The Beatles" con él reemplazando a su padre, esto lo enfurecía. Pasado el año 2000 abandonó la música y se dedicó al cine documental, allí encontró su lugar en el mundo, filmó "Whale Dreamers" en Australia, film por el que recibió innumerables premios, y reencausó su vida.

El 8 de Abril de 1922. Los Tres Chiflados: del vodevil de Brooklyn a la inmortalidad, la noche en que empezó una leyenda del humor

8 de abril de 1922. Esa fecha suele recordarse como el comienzo escénico de lo que más tarde el mundo conocería como Los Tres Chiflados, una de las formaciones humorísticas más famosas del siglo XX. Distintas notas periodísticas argentinas ubican allí su primer debut sobre un escenario en Brooklyn, aunque las biografías más consolidadas del grupo y de sus integrantes permiten hacer una precisión importante: el acto comenzó en 1922 con Ted Healy y Moe Howard, y poco después se sumó Shemp Howard; Larry Fine recién ingresó en 1925. Es decir, la efeméride del 8 de abril se usa como fecha simbólica de origen, pero la formación clásica no estuvo completa desde ese primer momento. Los hermanos Harry Moses Horwitz y Samuel Horwitz, que más tarde serían conocidos como Moe Howard y Shemp Howard, venían del mundo del vodevil y reencontraron en esos años a su viejo conocido Ted Healy, quien ya tenía camino hecho como comediante. Healy los incorporó como asistentes cómicos dentro de su troupe, en un formato de humor físico donde él intentaba cantar o contar chistes mientras sus “stooges” lo interrumpían constantemente, provocando el caos que terminaría convirtiéndose en la marca registrada del grupo. Más tarde se incorporó Louis Feinberg, el futuro Larry Fine, violinista y comediante que se integró al acto entre 1925 y 1928, según las distintas reconstrucciones históricas. También en esos años se consolidó el cambio de nombres artísticos: Harry pasó a ser Moe Howard, Samuel fue Shemp Howard y Louis Feinberg quedó definitivamente como Larry Fine, nombres con los que la historia del espectáculo los inmortalizó. La primera gran ruptura llegó cuando Shemp abandonó la formación a comienzos de los años treinta para seguir una carrera por su cuenta, cansado además del mal carácter y la dureza de Healy. Entonces apareció el hermano menor de los Horwitz, Jerome Lester Horwitz, quien, tras una prueba impulsada por Moe, terminó quedándose con el lugar. La tradición del grupo cuenta que Ted Healy le sugirió modificar su apariencia, y así nació Curly Howard, con la cabeza rapada y el estilo visual que lo volvió inolvidable. Entre 1932 y 1934, Healy y sus muchachos participaron en varias películas, y en 1934 se produjo la separación definitiva: Moe, Larry y Curly dejaron atrás a Ted Healy y comenzaron a presentarse por su cuenta como The Three Stooges. A partir de allí se abrió la etapa más gloriosa de su carrera, especialmente con los 190 cortometrajes realizados para Columbia Pictures, que serían la base de su fama mundial y luego de su éxito televisivo. Britannica y la historia del grupo coinciden en señalar que la consagración global llegó justamente con esa serie de cortos. La formación Moe-Larry-Curly fue la más célebre, pero no la única. En 1946, después de que Curly sufriera un grave deterioro de salud y ya no pudiera seguir trabajando con normalidad, Shemp regresó al grupo. El dato más emocionante para los fanáticos es que en “Hold That Lion!” se produjo la única aparición cinematográfica en la que coincidieron Moe, Shemp y Curly juntos, aunque Curly lo hizo apenas en un brevísimo cameo. Esa curiosidad histórica sigue siendo una de las grandes joyas de la filmografía chiflada. En 1952, Curly Howard murió tras años de problemas de salud. El trío siguió adelante con Shemp hasta 1955, cuando su muerte terminó de golpear el corazón de la formación histórica. Después llegarían Joe Besser y más tarde Curly Joe DeRita, en un intento de mantener vivo el legado, pero para muchos admiradores la magia irrepetible ya pertenecía a las combinaciones anteriores. Aun así, el grupo continuó activo hasta 1970, y Moe Howard y Larry Fine siguieron siendo sus dos grandes constantes hasta el final. La trascendencia de Los Tres Chiflados fue tan grande que su humor cruzó generaciones, idiomas y formatos. Sus películas encontraron una segunda vida en la televisión, lo que los transformó en un fenómeno eterno de la cultura popular. Y esa pasión también llegó con fuerza a la Argentina: el museo más importante dedicado a ellos en Iberoamérica es El Chifladoseo, en el sur del Gran Buenos Aires. Fuentes recientes lo describen como el único museo de este tipo en la región y destacan que reúne más de 1.500 piezas originales —otras publicaciones hablan de una colección que supera ampliamente ese número— entre afiches, juguetes, fotos, cómics y objetos históricos. Por eso, recordar aquella noche inicial de 1922 —real o simbólica como punto de partida— es volver al instante en que comenzó una de las aventuras humorísticas más famosas del espectáculo mundial. Los Tres Chiflados no solo hicieron reír: crearon un lenguaje propio de golpes, caos, timing perfecto y absurdo inolvidable que todavía hoy sigue provocando carcajadas en todo el mundo. #LosTresChiflados #ThreeStooges #MoeHoward #ShempHoward #LarryFine #CurlyHoward #TedHealy #HumorClásico #HistoriaDelCine #Vodevil #ClassicComedy #Slapstick #ComedyHistory #HollywoodHistory #VintageEntertainment #NostalgiaCore, #Throwback, #TBT, #ThrowbackThursday, #Vintage, #Retro, #VintagePhotography, #HistoricalPhotos, #HistoricPhotos, #ArchivePhoto, #ArchivalPhoto, #OnThisDay, #TodayInHistory, #ThisDayInHistory, #OTD

Parejas en scooters en Roma, Italia, CA. 1950 s.

Un hombre de correo camina a lo largo de una calle lluviosa, Nueva York, octubre de 1969. Fotografiado por Yale Joel-Life.

"El arte de cazar en los bosques de Misiones. Esperando que hierva el caldo del animal montaraz para arrojarlo luego. De otro modo, creen que la fiera resucita", 1912.

Vapor "Cap Arcona" llevando a bordo 650 pasajeros argentinos para luego recoger 100 pasajeros uruguayos, con el fin de efectuar un crucero de turismo a Río de Janeiro, 1935.

La Iglesia y Cerro de Tilcara. (1922) Provincia de Jujuy

Veraneantes en la localidad de Las Cuevas (1921) Mendoza

La Comitiva Oficial en las instalaciones de los baños del Hotel de Cacheuta, que fueron totalmente cubiertos por las aguas. (1920) Mendoza

Toponimia del Departamento de General Alvear. Pioneros Alveareños. OLE AASET

De nacionalidad noruega, se desempeño durante muchos años como administrador de colonización denominada La Escandinava, importante propiedad rural perteneciente a Sociedad que presidía Pedro Christophersen, quién introdujera en General Alvear el primer auto marca Ford que trajinó los entonces polvorientos caminos de la zona

Imagen Aérea de la Ciudad Capital del Departamento de General Alvear (Febrero de 1980) Mendoza

El 7 de Abril de 1937, en el barrio de Belgrano de la Ciudad de Buenos Aires, nacía un actor con mayúsculas que fue protagonista de algunas de las mejores páginas de la historia del cine y el teatro, ese día llegaba al mundo, Ulises Dumont.

Desde muy temprana edad buscó su lugar en el mundo de la actuación, intento infructuosamente ingresar en la escuela de arte dramático pero no se rindió. Su insistencia fue premiada cuando en 1964 fue seleccionado para debutar en la obra teatral "Yerma" de Federico García Lorca, 2 años más tarde hizo su debut en el cine con un pequeño papel en "Dos quijotes sobre ruedas". Ulises se convirtió rápidamente en un actor querido y respetado por sus pares antes que por el público, pese a su impuntualidad y vida desordenada era el preferido de los directores. Inteligente, oportunista y Versátil, supo mezclar papeles banales y comprometidos con gran precisión para no quedar encasillado en algún rol específico. Actuó en legendarias obras de teatro como "La nona" y "Yepeto" por el que ganó innumerables premios. La TV no era de su agrado sin embargo aceptó papeles a su antojo como en "Hombres en pugna", "Nosotros y los miedos", "Sin condena" y "Tiempo final". Fue en el cine donde se vio su mejor faceta, fue pieza fundamental del renacimiento del cine argentino de los años '70. Son recordadas sus brillantes participaciones en "Crecer de golpe", "La parte del león", "Tiempo de revancha", "Últimos días de la víctima", "No habrá más penas ni olvido", "La Rosales", "Cuarteles de invierno", "La película del rey" y su mejor papel "El censor". La muerte lo alcanzó en su Buenos Aires natal, el 29 de Noviembre de 2008, sus mas de 80 películas, sumado a decenas de premios en toda América, lo hacen un eslabón fundamental de la historia del cine.

El 7 de Abril de 1520, en Roma, Italia, con solo 37 años de edad, fallecía “Rafael Sanzio”, Rafael de Urbino, o simplemente “Rafael”.

Nació en Urbino en 1483 y junto con Leonardo y Miguel Ángel formó el trío perfecto de artistas del “Alto Renacimiento”. A pesar de quedar huérfano a muy temprana edad, frecuentó como aprendiz dos excelentes talleres y atelieres, el de Timoteo Viti en Urbino y el de Pietro Perugino en Roma, como ayudante de este, logró evolucionar y perfeccionar su talento precoz, incluso se cree que obras de Perugino fueron realizadas por Rafael y él solo las firmó. A los 25 años lo contrataron para su primer gran encargo oficial, pintar las estancias Vaticanas, para ellas realizó varios “frescos”, técnica que dominó a la perfección. Su obra fue nómade, recorrió y dejó su legado por todo el norte de Italia, siendo Florencia su lugar preferido, a pesar de ello los encargos del Vaticano le insumían mucho tiempo y en la sana competencia con Miguel Ángel y Leonardo, no quería perder terreno. Leonardo era 30 años mayor y Miguel Ángel solo 8 aunque casi no tenían relación ya que ambos lo odiaban, ya que creían que conspiraba contra ellos en las altas esferas de la iglesia. Rafael secretamente los admiraba y cuando vió de incógnito el trabajo de Miguel Angel en la Capilla Sixtina quedó tan maravillado que influenció en el resto de su carrera. En 1514 muere Bramante, el Arquitecto Vaticano y recurren a Rafael, que realizó varias obras y cambios en la Basílica de San Pedro, que lamentablemente no sobrevivieron ya que a la muerte de este, lo suplanto Miguel Ángel e hizo demoler las obras y redireccionar los diseños. Formó un gigantesco taller donde trabajaban y se perfeccionaban mas de 50 artistas, se cree que muchas de sus obras fueron hechas en su taller y él las firmaba, método que aprendió de Perugino. Si bien llevaba una vida sexual desordenada, retrasaba su casamiento, hecho que el Vaticano consideraba una actitud sacerdotal y lo saludaba con placer, por ello le otorgaba títulos y honores, como la “Orden Papal de la Espuela Dorada”. A fines de Marzo de 1520 luego de una larga noche de sexo, comenzó a subirle la fiebre, como esto se prolongó varios días, se debilitó y viendo que su estado se agravaba , redactó su testamento y recibió la extremaunción, falleció el 6 de Abril y a su pedido fue enterrado en el Panteón de Roma.

El 7 de Abril del año 2000, en Praia Grande, Brasil, se apagaba la vida de un hombre que padeció 50 años de una desproporcionada condena social, ese día fallecía Moacir Barbosa Nascimento.

Nació el 27 de Marzo de 1921 en Río Branco, este talentoso y ágil guardametas inició su carrera en el Clube Atlético Ypiranga y en 1945 dio el gran salto de su carrera al pasar al Vasco Da Gama. Cuando se aproximaba el campeonato mundial de 1950, Barbosa ya poseía 5 campeonatos en su haber por lo que era lógico que fuera el arquero del seguro campeón. La arrolladora selección brasilera aplastaba a sus rivales con goleadas vestidas de baile y fiesta, hasta que por el reducido final todo se definiría frente a Uruguay, con solo empatar Brasil sería campeón mundial de local. Brasil comenzó ganando pero sobre el final 2 jugadas de Schiaffino y Ghiggia dejaron al Brasil sin título, La afición culpó a Barbosa del “Maracanazo” alegando poca resistencia e inocencia en ambos goles. La sociedad brasilera fue implacable con él, lo convirtieron en el chivo expiatorio del fracaso convirtiendo su vida en un calvario, poco a poco fue olvidado, deambulando por clubes de segundo nivel hasta que una lesión lo alejó del futbol en 1962. Intentó reinsertarse en una sociedad que lo detestaba, era burlado en público y no conseguía trabajo estable, su único ingreso era casi una burla del destino, mantener el campo de juego del Maracaná, el escenario de su muerte futbolística. Ya anciano las burlas no cesaron, se lo tildó de “mufa” y no se le permitía interactuar con jugadores de la selección. El Vasco da Gama le adjudicó una pensión vitalicia e intentó reparar su imagen, en parte lo ha logrado, el compositor Uruguayo, Tabaré Cardozo le dedicó una canción que retrata sus penurias y ayudó a comprender su penosa vida.