Apertura de CQC (Caiga Quien Caiga) 1998. América TV

Caiga quien caiga (también conocido por sus iniciales CQC) es un programa de televisión argentino que mezcla el humor con el periodismo y el entretenimiento. Se trata de un resumen de noticias semanal que aborda la actualidad política, del espectáculo y de los deportes con una mirada satírica y humorística. Se ríe de la realidad y juega con la información. Comenzó a emitirse en América TV en 1995 con la conducción de Mario Pergolini, Eduardo De La Puente y Juan Di Natale pasando un periodo por Telefe y un breve paso por El Trece. El formato fue adquirido por Globomedia para su emisión en España en 1996 e Italia (donde es conocido con el nombre de Le Iene Show), en 1997. El formato fue vendido posteriormente a Israel, Francia, Chile, Bolivia, Brasil, Costa Rica, Honduras, México, Estados Unidos, Portugal, Paraguay, Uruguay y Holanda. Cada semana, desde un estudio en vivo y en directo, un trío de conductores presenta diferentes notas para mostrar la realidad de una forma muy diferente a la que los noticieros tradicionales acostumbran. Sus noteros entrevistan por igual a políticos, civiles o estrellas de cine, haciendo las preguntas menos convenientes y más incómodas, provocando en las celebridades las reacciones más inesperadas.

 

16 DE AGOSTO DE 1956: MURIÓ BÉLA LUGOSI — EL HOMBRE QUE CONVIRTIÓ A DRÁCULA EN UNA LEYENDA INMORTAL

El 16 de agosto de 1956 moría en Los Ángeles Béla Lugosi, el actor cuya mirada hipnótica, pronunciado acento húngaro y extraordinaria presencia escénica terminaron definiendo durante generaciones la imagen cinematográfica del conde Drácula. Había nacido el 20 de octubre de 1882 como Béla Ferenc Dezső Blaskó en Lugos, entonces perteneciente al Reino de Hungría dentro del Imperio austrohúngaro y hoy Lugoj, Rumania. Su apellido artístico, Lugosi, surgió precisamente como homenaje a su ciudad natal. Antes de convertirse en una figura del terror ya poseía una extensa experiencia sobre los escenarios europeos y había atravesado circunstancias que parecían pertenecer a una película: sirvió durante la Primera Guerra Mundial y, en los turbulentos años posteriores, participó activamente en la organización sindical de los actores húngaros. Tras la caída de la República Soviética Húngara y la persecución de sectores izquierdistas y sindicales, abandonó su país, pasó por Alemania y finalmente emigró a Estados Unidos. Allí comenzó prácticamente desde cero. Su dominio del inglés era limitado y durante sus primeros trabajos llegó a memorizar fonéticamente los parlamentos, una dificultad que paradójicamente terminaría convirtiéndose en una de sus marcas personales: aquella dicción grave, pausada y extranjera parecía creada para pronunciar palabras desde las profundidades de un castillo de Transilvania. El gran giro llegó el 5 de octubre de 1927 cuando apareció como el conde Drácula en Broadway, en la adaptación teatral de Hamilton Deane y John L. Balderston basada en la novela de Bram Stoker. La producción permaneció 261 funciones y convirtió a Lugosi en sinónimo del vampiro mucho antes de que Hollywood lo inmortalizara. Cuando Universal llevó Drácula al cine en 1931 bajo la dirección de Tod Browning, Lugosi consiguió finalmente el papel pese a que no había sido la primera elección del estudio. Su interpretación resultó decisiva: el porte aristocrático, la capa, los silencios, la mirada fija, los movimientos calculados y aquella voz irrepetible construyeron una iconografía que todavía permanece en la cultura popular. La Biblioteca del Congreso considera que su interpretación estableció durante décadas la caracterización cinematográfica por excelencia del vampiro, y en el año 2000 Drácula fue incorporada al National Film Registry de Estados Unidos por su importancia cultural, histórica y estética. Pero el personaje que le dio la eternidad también terminó encerrándolo. Hollywood comenzó a identificarlo casi exclusivamente con monstruos, científicos dementes, asesinos y criaturas sobrenaturales. Compartió pantalla varias veces con otro gigante del género, Boris Karloff, entre ellas The Black Cat, The Raven y The Invisible Ray. La supuesta historia de que Karloff conspiró para destruir su carrera pertenece mucho más al terreno de la leyenda que al de los hechos comprobados; ambos fueron, además, miembros fundadores del Screen Actors Guild. Con los años llegaron las dificultades económicas, el dolor físico y una dependencia de narcóticos por la que en 1955 Lugosi tomó una decisión extraordinariamente poco habitual para una celebridad de aquella época: solicitó voluntariamente tratamiento. Tras recuperarse volvió a trabajar y todavía filmó The Black Sleep. En sus últimos años apareció también en producciones de presupuesto mínimo dirigidas por Ed Wood, un cineasta profundamente admirador de Lugosi que lo incorporó a Glen or Glenda? y Bride of the Monster. Wood incluso había rodado algunos breves planos del actor antes de su muerte que terminarían apareciendo años después en la célebre Plan 9 from Outer Space, estrenada póstumamente. Finalmente, el 16 de agosto de 1956, a los 73 años, Lugosi murió de un ataque cardíaco mientras descansaba en su apartamento de Los Ángeles. Su esposa Hope lo encontró sin vida al regresar a casa. Su despedida terminaría alimentando una de las imágenes más poderosas de la historia de Hollywood: fue enterrado en el Holy Cross Cemetery de Culver City vestido como el personaje que había cambiado para siempre su destino. Pero existe un detalle fundamental que suele contarse equivocadamente: Lugosi no fue cremado ni dejó escrito en su testamento que deseaba descansar convertido en Drácula; su familia decidió vestirlo de esa manera como homenaje al papel que lo había hecho inmortal. La ironía final fue extraordinaria. Apenas un año después de su muerte, los viejos monstruos de Universal comenzaron a conquistar masivamente la televisión estadounidense y una nueva generación descubrió a Drácula. Lugosi, que había conocido el encasillamiento, la decadencia y el olvido, regresó desde las pantallas para convertirse en un icono permanente. Hoy, casi un siglo después de aquella película de 1931, basta una capa negra, una mirada penetrante y unas pocas palabras pronunciadas lentamente para que millones de personas sigan imaginando el mismo rostro. Béla Lugosi murió en 1956. Drácula, en cambio, jamás permitió que desapareciera. #BelaLugosi #BélaLugosi #Dracula #Drácula #UnDiaComoHoy #Efemerides #HistoriaDelCine #CineClasico #CineDeTerror #HollywoodClasico #UniversalMonsters #TodBrowning #BorisKarloff #EdWood #Historia #Cultura #HorrorCinema #ClassicHorror #ClassicMovies #FilmHistory #HollywoodHistory #UniversalMonsters #Dracula1931 #HorrorLegend #CinemaHistory #GoldenAgeHollywood #MovieHistory

16 DE AGOSTO DE 1977: EL DÍA EN QUE CALLÓ EL REY — ELVIS, LA VOZ QUE HIZO TEMBLAR AL MUNDO

El 16 de agosto de 1977, una noticia nacida en Graceland estremeció al planeta: Elvis Aaron Presley había muerto en Memphis, víctima de una insuficiencia cardíaca. Tenía solamente 42 años y se preparaba para iniciar una nueva gira. Aquel día desaparecía el hombre, pero comenzaba la inmortalidad de una figura que había revolucionado la música, la televisión, la moda y la cultura popular del siglo XX. Elvis había nacido el 8 de enero de 1935 en una humilde casa de dos habitaciones en Tupelo, Mississippi. Su hermano gemelo, Jessie Garon, nació sin vida, por lo que creció como hijo único. En 1948, cuando tenía 13 años, se trasladó con sus padres a Memphis, una ciudad donde convivían el góspel, el country, el blues y el rhythm and blues afroamericano que llenaba las calles de Beale Street. De aquella mezcla surgiría una voz imposible de encerrar en una sola categoría. Durante el verano de 1953 entró en el Memphis Recording Service, sede de Sun Records, y pagó cerca de cuatro dólares para registrar en un acetato “My Happiness” y “That’s When Your Heartaches Begin”, supuestamente como obsequio para su madre. Marion Keisker, asistente de Sam Phillips, anotó una frase sencilla pero profética: “Buen cantante de baladas”. Elvis todavía trabajaba en distintos empleos y, en 1954, conducía un camión de reparto para Crown Electric cuando recibió una nueva oportunidad. Sam Phillips lo reunió con el guitarrista Scotty Moore y el contrabajista Bill Black. Después de una sesión poco convincente, el 5 de julio de 1954 Elvis comenzó a interpretar espontáneamente y a mayor velocidad “That’s All Right”, una canción del bluesman afroamericano Arthur “Big Boy” Crudup. Black y Moore se sumaron al juego; Phillips comprendió que acababa de escuchar algo diferente y les pidió que lo repitieran para grabarlo. Tres días después, el disc jockey Dewey Phillips difundió la canción por primera vez en su programa “Red, Hot and Blue”, de la emisora WHBQ. La central telefónica se saturó con oyentes que querían saber quién era aquel joven y exigían escuchar nuevamente el tema. El desconocido camionero de Memphis comenzaba a convertirse en “El Rey”. En 1955, RCA adquirió su contrato a Sun Records por 35.000 dólares —más un bono de 5.000 para Elvis—, una cifra extraordinaria para la época. En 1956, “Heartbreak Hotel” encabezó durante ocho semanas la lista popular de Billboard y vendió más de un millón de copias. Llegarían después “Hound Dog”, “Don’t Be Cruel”, “Jailhouse Rock”, “Love Me Tender”, “Suspicious Minds” y decenas de interpretaciones que atravesaron generaciones. Protagonizó 33 películas, transformó sus presentaciones televisivas en acontecimientos nacionales y recibió 14 nominaciones a los Grammy, con tres victorias, todas por su música góspel. Elvis no inventó el rock and roll en soledad: antes y junto a él abrieron el camino pioneros afroamericanos como Sister Rosetta Tharpe, Chuck Berry, Little Richard, Fats Domino, Big Mama Thornton y Arthur Crudup. Su aporte decisivo consistió en fusionar aquellas raíces con el country, el pop y el góspel, dotarlas de una voz, una imagen y una presencia escénica arrolladoras, y llevarlas hacia audiencias masivas de todo el mundo. Su carrera también conoció controversias, excesos, desgaste y un doloroso deterioro físico, pero ninguna caída logró borrar su huella. Admirado, discutido, imitado y venerado, Elvis continúa sonando en cada generación y en innumerables artistas que soñaron con provocar sobre un escenario aquella misma electricidad. El 16 de agosto de 1977 murió Elvis Presley; “El Rey”, en cambio, nunca abandonó el edificio de la historia. No fue el único creador del rock and roll, pero sí uno de sus estallidos más poderosos, universales y eternos. #ElvisPresley #ElReyDelRock #RockAndRoll #HistoriaDeLaMúsica #Efemérides #UnDíaComoHoy #MendozAntigua #KingOfRockAndRoll #MusicHistory #RockHistory #ElvisForever #OnThisDay

16 DE AGOSTO DE 2003: MURIÓ IDI AMIN — EL DICTADOR QUE CONVIRTIÓ UGANDA EN OCHO AÑOS DE TERROR

El 16 de agosto de 2003 moría en Yeda, Arabia Saudita, lejos del país que había gobernado mediante el miedo, Idi Amin Dada, uno de los dictadores más notorios y extravagantes del siglo XX. Falleció en el King Faisal Specialist Hospital después de permanecer internado y en coma, con insuficiencia renal y un progresivo deterioro de su salud. Terminaban así décadas de exilio para un hombre que gobernó Uganda entre 1971 y 1979 y que nunca llegó a responder ante un tribunal por las atrocidades atribuidas a su régimen. Incluso sus primeros años están rodeados de cierta incertidumbre histórica. Las fuentes sitúan su nacimiento entre 1925 y 1927 en el noroeste de Uganda, habitualmente en la región de Koboko. Con escasa educación formal, ingresó en 1946 a los King’s African Rifles, las fuerzas coloniales británicas de África Oriental. Participó posteriormente en operaciones británicas en Kenia y fue ascendiendo hasta alcanzar el rango de effendi, equivalente a suboficial, uno de los puestos más elevados entonces disponibles para un africano negro dentro de aquella estructura colonial. Había además otro aspecto sorprendente en su biografía: fue un destacado boxeador y durante buena parte de la década de 1950 ostentó el campeonato ugandés de los pesos pesados. Tras la independencia de Uganda en 1962, Amin continuó trepando posiciones dentro del nuevo ejército nacional hasta transformarse en uno de los militares más poderosos del país. El 25 de enero de 1971, mientras el presidente Milton Obote se encontraba fuera de Uganda, las Fuerzas Armadas tomaron el poder y Amin quedó al frente del Estado. Al comienzo prometió reconciliación, estabilidad y reformas; muy pronto aquellas expectativas fueron reemplazadas por persecuciones, ejecuciones extrajudiciales, desapariciones, torturas y purgas dirigidas contra militares, opositores políticos, funcionarios, intelectuales y determinados grupos étnicos. Las cifras continúan siendo materia de discusión histórica: Amnesty International manejó estimaciones de entre 100.000 y 500.000 personas asesinadas durante aquellos años. Una de sus decisiones más dramáticas llegó el 4 de agosto de 1972. Amin ordenó que gran parte de la población de origen asiático abandonara Uganda en apenas 90 días. Las estimaciones varían entre unas 55.000 y 80.000 personas afectadas. Familias establecidas desde hacía generaciones debieron dejar propiedades, comercios y buena parte de sus bienes. Cerca de 40.000 terminaron instalándose en el Reino Unido. La expulsión también provocó un enorme daño económico: aquella pequeña comunidad tenía un peso extraordinario en el comercio y en los ingresos fiscales del país, y la confiscación y redistribución improvisada de sus empresas contribuyó al deterioro de la economía ugandesa. La paradoja internacional alcanzó dimensiones increíbles. En 1975, mientras las denuncias por atrocidades se acumulaban, Amin llegó a presidir la Organización de la Unidad Africana. Un año después Uganda volvió a quedar en el centro de la atención mundial por el secuestro del vuelo 139 de Air France. El avión terminó en el aeropuerto de Entebbe y documentos diplomáticos estadounidenses de la época registraron posteriormente la percepción de una cooperación del gobierno ugandés con los secuestradores. En la madrugada del 4 de julio de 1976 fuerzas israelíes irrumpieron en Entebbe y rescataron a la mayor parte de los rehenes. El episodio representó una espectacular humillación para Amin y profundizó todavía más su aislamiento. Su comportamiento público, mientras tanto, se volvía cada vez más teatral. Se proclamó presidente vitalicio, se otorgó el rango de mariscal de campo, acumuló condecoraciones y llegó a presentarse como “Conquistador del Imperio Británico”. Su fascinación por Escocia fue igualmente extravagante: vestía kilts, admiraba las bandas de gaitas e incluso llegó a considerarse una especie de “rey no coronado de Escocia”. Aquella caricaturesca megalomanía podía resultar absurda vista desde afuera, pero detrás del espectáculo permanecía un aparato estatal responsable de detenciones, asesinatos y terror. El final comenzó en 1978, cuando fuerzas ugandesas penetraron en territorio de Tanzania y ocuparon la región de Kagera. El presidente tanzano Julius Nyerere respondió militarmente. Sus tropas, acompañadas por exiliados ugandeses, avanzaron sobre Uganda y en abril de 1979 tomaron Kampala. El régimen se derrumbó. Amin huyó primero hacia Libia y pasó también por Irak antes de instalarse definitivamente en Arabia Saudita, donde se le permitió vivir mientras permaneciera apartado de la política. Allí permaneció durante más de dos décadas. Nunca fue extraditado ni procesado por los crímenes cometidos durante su gobierno. Cuando murió aquel 16 de agosto de 2003, Uganda no despidió simplemente a un antiguo presidente: desaparecía uno de los símbolos más perturbadores de la historia política africana del siglo XX, un personaje capaz de mezclar brutalidad extrema, propaganda, humor grotesco, nacionalismo, excentricidad y una desmesurada construcción de su propia figura. Detrás de los uniformes cargados de medallas y de sus títulos grandilocuentes quedaba, sin embargo, una realidad imposible de convertir en caricatura: decenas o cientos de miles de muertos, una población perseguida, comunidades expulsadas y un país profundamente devastado por ocho años de dictadura. #IdiAmin #Uganda #Historia #HistoriaMundial #Efemerides #Africa #Dictadura #DerechosHumanos #MemoriaHistorica #SigloXX #HistoriaAfricana #MendozAntigua #IdiAminDada #UgandanHistory #AfricanHistory #WorldHistory #History #OnThisDay #HumanRights #Dictatorship #HistoricalMemory #20thCenturyHistory

1926: NACIERON LOS HARLEM GLOBETROTTERS — LOS MAGOS QUE DERRIBARON BARRERAS Y CONVIRTIERON EL BÁSQUET EN UN ESPECTÁCULO PLANETARIO

En 1926, en el South Side de Chicago, comenzó a tomar forma una de las aventuras deportivas más extraordinarias del siglo XX. Sus protagonistas eran talentosos jugadores afroamericanos que, en una época atravesada por la segregación racial, encontraban cerradas muchas de las puertas del básquet profesional. Las raíces del conjunto estuvieron vinculadas con equipos como el Giles Post y el Savoy Big Five, hasta que el pequeño pero visionario Abraham “Abe” Saperstein —promotor, entrenador y futuro propietario— convirtió aquella formación itinerante en una auténtica leyenda. Aunque numerosas efemérides atribuyen su nacimiento al 16 de agosto, la historia oficial solamente confirma el año 1926 y señala que su primer partido fuera de Chicago se disputó el 7 de enero de 1927 en Hinckley, Illinois. El nombre también tenía una poderosa intención publicitaria: “Harlem” evocaba al barrio neoyorquino convertido en capital de la cultura afroamericana, mientras que “Globetrotters” prometía una dimensión internacional que el equipo todavía no había alcanzado. En sus comienzos no eran simplemente comediantes con una pelota: jugaban un básquet ferozmente competitivo. En 1940 conquistaron el World Professional Basketball Tournament y, en 1948 y 1949, derrotaron a los campeones Minneapolis Lakers, demostrando ante multitudes que los jugadores negros podían competir al máximo nivel de un deporte todavía segregado. Cuando los partidos ya estaban controlados, comenzaron a incorporar pases imposibles, malabares, discusiones cómicas, bromas con los árbitros e interacción con el público. Aquello que nació como un complemento terminó convirtiéndose en su sello universal. Figuras como Reece “Goose” Tatum, Marques Haynes, Meadowlark Lemon y Curly Neal llevaron el dominio del balón y la comedia deportiva a niveles nunca vistos, mientras que un joven Wilt Chamberlain vistió su camiseta durante la temporada 1958-1959 antes de conquistar la NBA. Sus giras también ayudaron a extender el básquet por el planeta: iniciaron sus viajes internacionales en 1950 y en 1954 desembarcaron en la Argentina, donde maravillaron a multitudes y dejaron imágenes conservadas por el Archivo General de la Nación. En 2002, el equipo fue incorporado al Salón de la Fama del Básquet. A cien años de sus orígenes, los Globetrotters han llevado su espectáculo a más de 124 países y territorios de seis continentes. Y aunque no es verdad que solamente hayan perdido cuatro veces, su registro oficial continúa siendo asombroso: alrededor de 27.000 victorias, 345 derrotas y una efectividad del 98,7 %. Los Harlem Globetrotters no fueron únicamente un equipo ni un espectáculo familiar: fueron pioneros que atravesaron las barreras del racismo, acercaron el básquet a millones de personas y demostraron que una pelota también podía convertirse en un idioma universal. #HarlemGlobetrotters #HistoriaDelBasquet #Basquetbol #LeyendasDelDeporte #HistoriaAfroamericana #AbeSaperstein #MendozAntigua #BasketballHistory #BlackHistory #SportsHistory #BasketballLegends #Globetrotters #BreakingBarriers #WorldBasketball

16 DE AGOSTO DE 1869: ACOSTA ÑU — EL DÍA EN QUE LA GUERRA ARRASTRÓ A LOS NIÑOS DE PARAGUAY AL CAMPO DE BATALLA

El 16 de agosto de 1869, cuando la Guerra de la Triple Alianza ya transitaba su etapa final, los campos de Acosta Ñu, en las cercanías de la actual ciudad paraguaya de Eusebio Ayala, quedaron convertidos en escenario de una de las jornadas más dolorosas y controvertidas de la historia sudamericana. Paraguay llevaba años soportando una guerra devastadora y su capacidad militar estaba prácticamente agotada. Durante la denominada Campaña de las Cordilleras, Francisco Solano López consiguió reunir nuevas fuerzas formadas en gran medida por ancianos, adolescentes y menores de edad, pobremente armados y alimentados. Tras el retiro del marqués de Caxias, el emperador Pedro II nombró a su yerno Gastón de Orléans, conde d’Eu, para conducir la última fase de las operaciones. Pedro II, contrariamente a una versión que suele repetirse, no había abdicado: continuaría siendo emperador hasta la caída de la monarquía brasileña en 1889. En Acosta Ñu, el general paraguayo Bernardino Caballero tuvo que enfrentar con una fuerza enormemente inferior a un ejército aliado que rondaba los 20.000 hombres, fundamentalmente brasileños y con participación de tropas argentinas. Las estimaciones sobre el contingente paraguayo y, especialmente, sobre la cantidad exacta de niños varían considerablemente según las fuentes: la Secretaría Nacional de Cultura de Paraguay menciona entre 3.500 y 5.000 paraguayos, incluidos ancianos, mujeres y aproximadamente 700 niños, mientras otras instituciones paraguayas y reconstrucciones históricas elevan considerablemente la proporción de menores. Esa diferencia documental aconseja no repetir como cifra incontrovertible que exactamente 3.500 niños combatieron o murieron allí. La lucha comenzó durante la mañana. Caballero intentaba proteger la retirada hacia Caraguatay mientras sus hombres eran presionados por infantería, artillería y caballería muy superiores. Los paraguayos resistieron durante horas, cruzaron cursos de agua, formaron cuadros defensivos y rechazaron sucesivos ataques, pero terminaron desbordados. La propia Secretaría Nacional de Cultura paraguaya recuerda que, cuando desaparecieron los veteranos que constituían el núcleo de la resistencia, quedaron principalmente jóvenes y jinetes deficientemente montados intentando sostener una defensa ya imposible. Tampoco existe una única cifra aceptada de víctimas. Una publicación histórica del Ejército Brasileño, basada entre otras fuentes en documentos de la época, registra alrededor de 2.000 paraguayos muertos y 1.200 prisioneros, frente a 26 muertos y 259 heridos brasileños; otras reconstrucciones ofrecen números diferentes. Lo que ninguna estadística consigue transmitir es la dimensión humana de una batalla en la que niños y adolescentes quedaron atrapados en una guerra que prácticamente había destruido la capacidad militar y demográfica paraguaya. Uno de los capítulos más sensibles es el incendio producido durante y después del combate. Durante décadas circuló la versión de que el conde d’Eu había ordenado incendiar los pajonales para acabar con heridos y sobrevivientes paraguayos. Esa acusación forma parte de una extensa tradición historiográfica y memorial paraguaya, pero no constituye un hecho aceptado sin discusión por todos los historiadores: otras reconstrucciones, apoyadas en testimonios como los del vizconde de Taunay, sostienen que los paraguayos encendieron inicialmente los pastizales para ocultar movimientos y que las llamas terminaron propagándose por el campo. Por eso, presentar como absolutamente demostrada una orden directa del conde d’Eu para quemar vivos a los sobrevivientes iría más allá de lo que permiten afirmar las fuentes disponibles. Acosta Ñu fue la última gran batalla de la Guerra de la Triple Alianza, pero no el final de la contienda. Solano López continuó su retirada hacia el norte hasta que el 1 de marzo de 1870 fue alcanzado y muerto en Cerro Corá, episodio que puso fin definitivamente a una guerra que había comenzado en 1864 y dejado a Paraguay devastado. Bernardino Caballero sobrevivió a aquella jornada, fue posteriormente capturado y años después alcanzó la Presidencia de Paraguay, ejerciendo entre 1880 y 1886. Pero Acosta Ñu dejó una herida que trascendió el campo militar. El 19 de julio de 1948, el presidente provisional paraguayo Juan Manuel Frutos firmó el Decreto N.º 27.484, estableciendo oficialmente el 16 de agosto como Día del Niño del Paraguay en memoria de quienes participaron y murieron en aquella batalla. La conmemoración continúa formando parte de la memoria nacional paraguaya y en 2026 la Cámara de Diputados volvió a destacar oficialmente el aniversario de Acosta Ñu y el Día del Niño como fechas de interés cultural y patriótico. Más de un siglo y medio después, Acosta Ñu sigue obligando a mirar de frente uno de los extremos más terribles de cualquier guerra: el momento en que una nación agotada termina colocando a sus propios niños en medio del fuego. Detrás de las discusiones sobre cifras, responsabilidades y versiones contrapuestas permanece una certeza mucho más poderosa: aquel 16 de agosto de 1869 miles de vidas quedaron destrozadas en un campo paraguayo y la infancia pasó a ocupar para siempre un lugar central en la memoria de la tragedia. Por eso, cada 16 de agosto Paraguay no recuerda simplemente una antigua batalla: recuerda a sus niños. #AcostaÑu #BatallaDeAcostaÑu #GuerraDeLaTripleAlianza #GuerraDelParaguay #Paraguay #HistoriaDelParaguay #HistoriaSudamericana #NiñosMártires #DíaDelNiñoParaguay #BernardinoCaballero #SolanoLópez #CondeDEu #Historia #MemoriaHistórica #WarOfTheTripleAlliance #ParaguayanWar #BattleOfAcostaNu #ParaguayHistory #SouthAmericanHistory #ChildrenOfAcostaNu #HistoricalMemory

1898: EL LIBRO QUE PARECIÓ PROFETIZAR EL TITANIC — EL TITÁN QUE NAUFRAGÓ 14 AÑOS ANTES EN LA FICCIÓN

En 1898, cuando el RMS Titanic todavía no había sido diseñado, la editorial neoyorquina M. F. Mansfield publicó Futility, una breve novela marítima escrita por Morgan Robertson que, catorce años más tarde, sería contemplada con asombro y hasta con temor. Su protagonista no era únicamente un marinero caído en desgracia, sino también una gigantesca embarcación llamada Titan: el transatlántico más grande y veloz de su tiempo, considerado prácticamente insumergible y construido con todos los adelantos que la ingeniería podía imaginar. Robertson describió un coloso de unos 244 metros de eslora, movido por tres hélices y capaz de alcanzar 25 nudos. A pesar de disponer de unas 3.000 plazas, llevaba apenas 24 botes salvavidas, suficientes para alrededor de 500 personas. Durante una noche de abril, mientras atravesaba el Atlántico Norte a toda velocidad y entre la niebla, el Titan chocaba contra un iceberg, se inclinaba violentamente sobre uno de sus costados y desaparecía con casi todos sus ocupantes. La coincidencia se convirtió en leyenda después de la noche del 14 de abril de 1912. El Titanic, de 269 metros de largo y también impulsado por tres hélices, navegaba a unos 21,5 nudos cuando rozó un iceberg por estribor durante su viaje inaugural entre Southampton y Nueva York. Transportaba aproximadamente 2.208 personas y contaba con 20 embarcaciones de salvamento cuya capacidad total era de 1.176 plazas. El buque se hundió a las 2:20 de la madrugada del 15 de abril; más de 1.500 personas murieron y 705 lograron sobrevivir. Sin embargo, la realidad no reprodujo exactamente la ficción: el Titan no realizaba su primer viaje, navegaba en sentido contrario —desde Nueva York hacia Europa—, se precipitaba sobre el hielo y volcaba casi inmediatamente, mientras que el Titanic permaneció a flote durante dos horas y cuarenta minutos y terminó partiéndose en dos. Morgan Robertson tampoco era un adivino surgido de la nada. Nacido en Oswego, Nueva York, el 30 de septiembre de 1861 e hijo de un capitán de los Grandes Lagos, había navegado entre 1877 y 1886 y llegó de grumete a primer oficial. Su conocimiento de los barcos, la competencia por construir transatlánticos cada vez más grandes y veloces y unas normas que permitían llevar botes insuficientes le dieron los elementos necesarios para imaginar una catástrofe técnicamente posible. Tras el hundimiento del Titanic, Futility fue reeditada en 1912 con el título The Wreck of the Titan, or Futility y alcanzó una difusión que nunca había conseguido en 1898. Robertson murió en Atlantic City el 24 de marzo de 1915, sin saber que su olvidada novela seguiría alimentando durante más de un siglo una pregunta fascinante: ¿había anticipado el porvenir o simplemente comprendió, antes que muchos, que la confianza ciega en la tecnología también podía conducir al desastre? #MorganRobertson #Futilidad #ElNaufragioDelTitan #Titan #Titanic #HistoriaMarítima #Literatura #MisteriosDeLaHistoria #Efemérides #MendozAntigua #Futility #TheWreckOfTheTitan #MaritimeHistory #HistoricalMysteries #OceanLiner #TitanicHistory

El Fútbol Americano en Súper Sábado. (1992) Canal 9. Buenos Aires

 

Mendoza desde Arriba. El día que Mendoza se vistió de Blanco. Nevada del 16/07/2017. Papagallos.

 

Doña Petrona C. de Gandulfo - Medialunas hojaldradas. Buenas Tardes, Mucho Gusto

 

Ana María Aleo. Reina de la Aceituna, representando a la firma Agrifoglio. Departamento de Maipú. (1976) Provincia de Mendoza

 

Espectaculares fotografías en color de Constantinopla, 1890

 Estas raras vistas en color de la capital (entonces conocida como Constantinopla ) del Imperio Otomano a fines del siglo XIX se produjeron mediante el proceso Photochrom. La técnica aplica capas de color artificial a una imagen en blanco y negro con resultados sorprendentemente realistas. En cierto modo, estos son los últimos días del Imperio Otomano, en color. Las vistas incluyen la Mezquita de Bayezit, Yeni Cami, la fuente del Sultán Ahmet III, el Puente de Gálata, el cementerio de Eyüp, la puerta del Ministerio de Guerra, el Cuerno de Oro y la gente que vivía en la ciudad. Constantinopla pasaría a llamarse oficialmente Estambul cuarenta años después, en 1930. El fotocromo fue desarrollado en la década de 1880 por un empleado de una imprenta suiza y consiste en recubrir una tableta litográfica de piedra caliza con una emulsión fotosensible y exponerla a la luz bajo un negativo fotográfico. La exposición provoca que la emulsión se endurezca en proporción a los tonos del negativo, formando una imagen litográfica fija sobre la piedra. Se preparan piedras litográficas adicionales para cada tinte que se utilizará en la imagen en color final. Una postal de un solo color puede terminar requiriendo más de una docena de piedras de tinte diferentes. El producto final del minucioso proceso son las imágenes en color con un sorprendente grado de verosimilitud, especialmente durante una era en la que la fotografía en color verdadero estaba en su infancia.

 

 

Doña Petrona C. de Gandulfo. Paté de Hígado Mucho Gusto

 

El 14 de Agosto de 1714, en Aviñón, Francia, nacía el pintor paisajista más reconocido del siglo XVIII, ese día llegaba al mundo Claude Joseph Vernet.(EH)

Nacido en el seno de una familia de artistas, su padre, Antoine Vernet, un afamado escultor y decorador, dio la primeras lecciones sobre las reglas del arte al pequeño Claude, hasta que decidió darle una educación mas avanzada y lo envió a tomar clases con el pintor Philippe Sauvan. Con una formación sólida, Claude se traslada a "Aix-en-Provence" donde es contratado por Jacques Viali para que lo ayude en su atelier que se especializaba en pinturas de Marinas, pronto Claude se encargaba personalmente de todo el trabajo. Su primer encargo fue en 1731, se trataba de dos murales con motivos marítimos para el hotel del marqués de Simiani, las obras aún permanecen allí. En 1734 viajo a Roma gracias a la protección del marqués de Caumont, inmediatamente fue aceptado en la comunidad de artistas franceses de Italia, en solo 4 años se convirtió en el más solicitado pintor de paisajes y marinas, recibía encargos de importantes clientes, como el duque de Saint-Aignan, embajador de Francia en Roma o Isabel de Farnesio, esposa de Felipe V de España. Luego de 20 años en Italia, fascinado por sus cuadros de la costa Italiana, "Luis XV" lo convocó a París para comenzar a trabajar en una serie de 15 grandes vistas topográficas de puertos, conocida como Puertos de Francia, tuvo que viajar por la costa de todo el país, luego de10 años de trabajo, abandonó el encargo sin completar la serie, pero las obras concluidas eran de tal calidad, que en vez de ser expuestas en sus lugares de origen fueron incluidas en la colección permanente de Museo del Louvre y en el Musée National de la Marine. Vernet ya no tomó encargos oficiales, se dedico a obras para particulares de gran tamaño y complejidad que lo convirtieron en el mejor paisajista del siglo XVIII, la muerte lo encontró en París, el 3 de Diciembre de 1789.

14 DE AGOSTO DE 1945: NACIÓ WIM WENDERS — EL HOMBRE QUE CONVIRTIÓ LOS CAMINOS, EL SILENCIO Y LOS ÁNGELES EN CINE

El 14 de agosto de 1945, apenas tres meses después del final de la Segunda Guerra Mundial en Europa, nació en la devastada Düsseldorf Wilhelm Ernst Wenders. Alemania se encontraba bajo ocupación aliada y la República Federal Alemana todavía no existía: sería fundada recién en 1949. Hijo de un cirujano y criado en una familia católica, durante su juventud consideró seriamente convertirse en sacerdote. Más tarde estudió medicina y filosofía, pero ninguna de esas disciplinas consiguió contener su necesidad de observar y contar el mundo. En 1966 viajó a París con el sueño de convertirse en pintor. Allí trabajó en el taller del grabador Johnny Friedlaender y pasó incontables horas en la Cinémathèque Française, viendo varias películas por día. Aquella sala oscura terminó siendo su verdadera escuela. En 1967 regresó a Alemania, ingresó en la Escuela Superior de Cine y Televisión de Múnich y comenzó a trabajar como crítico cinematográfico. Pronto se convirtió en una de las figuras esenciales del Nuevo Cine Alemán. Alicia en las ciudades, Falso movimiento y En el curso del tiempo formaron su célebre trilogía de carretera, mientras que El amigo americano, protagonizada por Bruno Ganz y Dennis Hopper, le abrió definitivamente las puertas del reconocimiento internacional. Su cine desarrolló una identidad imposible de confundir: carreteras interminables, ciudades solitarias, fronteras, rock, personajes que buscan un hogar y silencios capaces de decir más que cualquier diálogo. En 1982, El estado de las cosas obtuvo el León de Oro de Venecia. Dos años después, Paris, Texas, con Harry Dean Stanton, Nastassja Kinski, guion de Sam Shepard, fotografía de Robby Müller y música de Ry Cooder, conquistó la Palma de Oro de Cannes y se transformó en una obra de culto sobre la pérdida, la culpa y la posibilidad de regresar. En 1987 llegó Las alas del deseo, una de las películas más poéticas de la historia: los ángeles Damiel y Cassiel recorren un Berlín todavía dividido, escuchan los pensamientos de sus habitantes e intentan aliviar su dolor sin poder cambiar sus destinos. Cuando Damiel se enamora de la trapecista Marion, decide abandonar la eternidad para conocer el amor, el color, el frío, el café y la fragilidad de ser humano. La película le valió a Wenders el premio al mejor director en Cannes. Lejos de retirarse, amplió sus fronteras con documentales extraordinarios como Buena Vista Social Club, Pina y La sal de la Tierra, los tres nominados al Óscar; experimentó con el cine tridimensional en Pina y Anselm, y volvió a deslumbrar con Perfect Days, nominada al Óscar como representante de Japón. En 2024 recibió el Premio Europeo a la Trayectoria y en 2026 presidió el jurado internacional de la Berlinale. Hoy, al cumplir 81 años, Wim Wenders continúa siendo mucho más que un director: es un fotógrafo del alma humana, un poeta de los espacios vacíos y el creador de una forma de mirar en la que cada camino puede esconder una despedida y, sobre los cielos de Berlín, todavía parecen volar los ángeles. #WimWenders #HistoriaDelCine #CineAlemán #NuevoCineAlemán #ParisTexas #LasAlasDelDeseo #PerfectDays #CineDeAutor #Efemérides #MendozAntigua #CinemaHistory #GermanCinema #NewGermanCinema #FilmDirector #RoadMovie #WingsOfDesire

14 DE AGOSTO DE 1988: MURIÓ ENZO FERRARI — EL HOMBRE QUE CONVIRTIÓ LA VELOCIDAD EN UNA LEYENDA

El 14 de agosto de 1988 se apagaba, a los 90 años, una de las personalidades más gigantescas de la historia del automóvil: Enzo Ferrari, Il Commendatore, creador de una escudería, una fábrica y un símbolo que acabarían transformando para siempre el automovilismo mundial. Ferrari registra su nacimiento en Módena el 18 de febrero de 1898. Cuando tenía apenas diez años, su padre lo llevó a presenciar una competencia automovilística cerca de Bolonia y aquella experiencia cambió su vida: desde entonces la velocidad se convirtió en una obsesión. La Primera Guerra Mundial golpeó brutalmente a su familia: perdió a su padre y a su hermano mayor, la actividad familiar se derrumbó y él mismo enfermó gravemente mientras prestaba servicio militar. Terminada la guerra buscó abrirse camino en la naciente industria automotriz; Fiat rechazó su solicitud de empleo, pero Enzo encontró trabajo en pequeños talleres, comenzó a probar automóviles y en 1919 disputó sus primeras carreras. Su trayectoria como piloto nunca alcanzó la dimensión que posteriormente tendría como constructor y organizador, aunque llegó a obtener resultados importantes como el segundo puesto en la Targa Florio de 1920 y la victoria en la Coppa Acerbo de 1924. Su auténtica revolución comenzó cuando entendió que su mayor talento estaba detrás de los pilotos. El 16 de noviembre de 1929 nació oficialmente en Módena la Scuderia Ferrari, inicialmente destinada a competir con automóviles Alfa Romeo. En 1939 creó Auto Avio Costruzioni y, a fines de 1943, trasladó su actividad a Maranello, localidad que terminaría convirtiéndose en uno de los grandes templos mundiales del automóvil. Después de la Segunda Guerra Mundial llegó el momento decisivo. El 12 de marzo de 1947 Enzo puso en marcha en Maranello el motor del 125 S, el primer automóvil que llevó oficialmente el nombre Ferrari: un pequeño monstruo equipado con un V12 de apenas 1.496,77 centímetros cúbicos y unos 118 caballos. Debutó en competición el 11 de mayo de 1947 en Piacenza; aquella primera carrera terminó en abandono, pero Enzo la consideró una “derrota prometedora”. Apenas semanas después llegó la primera victoria, en Roma, con Franco Cortese. Ferrari comprendió además que vender automóviles deportivos de calle podía financiar su verdadera pasión: las carreras. En 1948 apareció el 166 Inter, considerado por Ferrari su primer modelo de carretera, y comenzó a consolidarse una fórmula extraordinaria: los éxitos deportivos alimentaban el prestigio de los automóviles de calle y las ventas ayudaban a financiar nuevas máquinas de competición. En 1950 Ferrari ingresó al recién creado Campeonato Mundial de Fórmula 1 y se convirtió con el tiempo en el único equipo presente a lo largo de toda la historia del certamen. Por sus autos pasaron nombres inmortales como Alberto Ascari, Juan Manuel Fangio, Mike Hawthorn, Phil Hill, John Surtees, Niki Lauda, Jody Scheckter, Gilles Villeneuve, Michele Alboreto y tantos otros. Villeneuve ocupó un lugar especialmente profundo en el afecto de Enzo: admiraba su manera de atacar cada carrera y su negativa a rendirse. Pero detrás de la imagen implacable de Il Commendatore existió una tragedia íntima que nunca logró superar. Su hijo Alfredo “Dino” Ferrari murió el 30 de junio de 1956, con apenas 24 años, después de luchar contra una distrofia muscular. La propia historia de Ferrari recuerda aquel golpe como uno de los momentos más dolorosos de su existencia, y la tradición familiar sostiene que Enzo visitó diariamente su tumba llevando una flor. En memoria de Dino impulsó también proyectos que trascendieron los circuitos. En 1963 promovió en Maranello la creación de una escuela técnica destinada a formar nuevas generaciones de especialistas, actual Instituto Alfredo Ferrari. En 1972 inauguró el circuito privado de Fiorano, concebido para que los ingenieros y pilotos pudieran desarrollar los automóviles prácticamente junto a la fábrica. Enzo vivió lo suficiente para ver nacer algunas de las máquinas más extraordinarias jamás construidas y para supervisar el lanzamiento del F40, presentado en 1987 como celebración de los cuarenta años de Ferrari como fabricante. Finalmente, a las 7 de la mañana del 14 de agosto de 1988, su vida terminó a los 90 años. Pero la historia todavía tenía preparada una escena que parecía escrita para una película: menos de un mes después, el 11 de septiembre, Ferrari llegó al Gran Premio de Italia en Monza enfrentando a una McLaren-Honda que había ganado todas las carreras disputadas hasta entonces. Ese día Gerhard Berger y Michele Alboreto cruzaron la meta primero y segundo. Fue la única derrota de McLaren en toda la temporada 1988 y el triunfo quedó para siempre asociado al recuerdo del hombre que acababa de morir. Enzo Ferrari había partido, pero había conseguido algo reservado para muy pocos: convertir un apellido en un color, un sonido, un caballo rampante y una idea universal de velocidad. Más que construir automóviles, construyó una leyenda que sobrevivió a su creador. #EnzoFerrari #Ferrari #IlCommendatore #ScuderiaFerrari #Maranello #Formula1 #HistoriaDelAutomovil #Automovilismo #Ferrari125S #Fiorano #MotorSport #Historia #Efemerides #EnzoFerrariLegacy #FerrariHistory #ScuderiaFerrari #MotorsportHistory #RacingLegend #ItalianMotorsport #PrancingHorse

**14 DE AGOSTO DE 2005: EL AVIÓN FANTASMA — CASI TRES HORAS DE SILENCIO, 121 VIDAS Y UN BOEING VOLANDO SOLO**

El 14 de agosto de 2005 ocurrió una de las tragedias aéreas más estremecedoras de la historia: el vuelo Helios Airways 522, un Boeing 737-300 matrícula 5B-DBY, despegó de Lárnaca, Chipre, rumbo a Praga con escala en Atenas llevando 115 pasajeros y 6 tripulantes. Lo que debía ser un vuelo rutinario terminó convertido en una pesadilla de casi tres horas. Horas antes, después de que la tripulación de un vuelo anterior informara ruidos y congelamiento alrededor de la puerta de servicio trasera derecha, mantenimiento realizó una prueba de presurización y colocó el selector del sistema en MAN —manual—. La prueba no reveló fugas, pero el avión quedó con ese selector en manual y los pilotos tampoco detectaron la posición incorrecta durante las verificaciones previas y posteriores al despegue. A unos 12.000 pies comenzó a sonar la alarma de altitud de cabina. El problema era especialmente engañoso: en aquel Boeing, el mismo sonido también servía para advertir una configuración incorrecta de despegue cuando el avión estaba en tierra. La investigación concluyó que los pilotos confundieron ambas advertencias y continuaron ascendiendo mientras la presión dentro de la cabina caía. La hipoxia comenzó silenciosamente a degradar su capacidad de pensar y reaccionar. A unos 17.000 pies se desplegaron las máscaras de oxígeno de los pasajeros, cuyo suministro estaba diseñado para durar aproximadamente 12 minutos, pero el avión siguió trepando hasta los 34.000 pies. Poco después, la tripulación de vuelo quedó incapacitada y el Boeing siguió su ruta gobernado por el sistema de gestión de vuelo y el piloto automático. Ante el prolongado silencio de la aeronave, dos F-16 de la Fuerza Aérea Griega fueron enviados a interceptarla. Lo que observó uno de sus pilotos parecía una escena imposible: el copiloto estaba desplomado sobre los controles, el asiento del comandante estaba vacío y en la cabina de pasajeros apenas se distinguían personas inmóviles y máscaras de oxígeno colgando del techo. El 737 llegó hasta Atenas siguiendo automáticamente su ruta y comenzó a efectuar circuitos de espera sobre la zona. Entonces ocurrió el último y dramático intento por cambiar el destino del vuelo: Andreas Prodromou, auxiliar de vuelo de 25 años que además poseía licencia de piloto comercial, consiguió entrar en la cabina y sentarse en el puesto del comandante. Intentó controlar el aparato e incluso pronunció varias llamadas de MAYDAY, aunque estas quedaron registradas por el grabador de cabina y no fueron transmitidas correctamente por radio. Pero ya era demasiado tarde. A las 08:49 UTC el motor izquierdo se apagó por agotamiento de combustible; minutos después hizo lo mismo el derecho. Sin potencia, el avión comenzó su descenso final. Prodromou todavía intentó nivelarlo para reducir la violencia del impacto, pero a las 09:03 UTC el Boeing se estrelló contra las colinas próximas a Grammatiko, al nordeste de Atenas. Murieron las 121 personas a bordo. La investigación forense añadió uno de los detalles más sobrecogedores del desastre: los ocupantes presentaban función cardíaca en el instante del choque, aunque los especialistas estimaron que, después de más de dos horas y media expuestos a una atmósfera severamente hipóxica, se encontraban en coma profundo irreversible. El informe oficial no redujo la tragedia a un único interruptor: señaló una cadena de fallas que incluyó la falta de reconocimiento de la posición manual del sistema, la incorrecta interpretación de las alarmas, deficiencias de organización y cultura de seguridad de la compañía, fallas de supervisión de la autoridad aeronáutica chipriota y medidas insuficientes frente a antecedentes de problemas de presurización en este modelo. El desastre del Helios 522, considerado el accidente aéreo más mortífero ocurrido en Grecia, quedó como una brutal lección de la aviación moderna: a veces una catástrofe no comienza con una explosión ni con la falla de un motor, sino con una pequeña posición incorrecta, varias oportunidades perdidas para advertirla y un enemigo invisible llamado hipoxia.#Helios522 #HeliosAirways #Vuelo522 #AvionFantasma #TragediaAerea #HistoriaDeLaAviacion #AccidenteAereo #Boeing737 #Hipoxia #Aviacion #Efemerides #Historia #MendozAntigua #GhostFlight #HeliosFlight522 #AviationHistory #AirDisaster #Boeing737 #Hypoxia #AviationSafety #OnThisDay #AviationDisaster #Flight522

**14 DE AGOSTO DE 1791: BOIS CAÏMAN — LA NOCHE QUE ENCENDIÓ LA REVOLUCIÓN QUE HIZO TEMBLAR AL MUNDO ESCLAVISTA**

El 14 de agosto de 1791 quedó grabado en la memoria haitiana como una de las noches más trascendentales de la historia del continente. En algún punto de la llanura norte de Saint-Domingue, la extraordinariamente rica colonia francesa que décadas más tarde se llamaría Haití, hombres y mujeres esclavizados se reunieron clandestinamente en Bois Caïman en una ceremonia vinculada al Vodou y a la resistencia contra un régimen construido sobre la explotación humana. La tradición sitúa entre sus protagonistas a Dutty Boukman y a la sacerdotisa Cécile Fatiman, y aunque los detalles exactos de aquella reunión siguen siendo discutidos por los historiadores, su enorme valor simbólico permanece: Bois Caïman se convirtió en la chispa espiritual y política de una rebelión que pocos días después incendiaría literalmente el sistema colonial. Saint-Domingue era una auténtica máquina económica. Para la década de 1760 ya se había convertido en la colonia más rentable de América para una potencia europea gracias principalmente al azúcar y al café, pero aquella prosperidad descansaba sobre una estructura social explosiva. Estudios históricos estiman que hacia mediados de 1791 vivían allí aproximadamente 510.000 a 520.000 personas esclavizadas, frente a unos 35.000 blancos y 32.000 libres de color: casi nueve de cada diez habitantes estaban sometidos a esclavitud. A esa brutal desigualdad se sumaban altísimas tasas de mortalidad y una constante llegada de cautivos africanos; Harvard señala que Saint-Domingue llegó a importar decenas de miles de personas esclavizadas por año para sostener sus plantaciones. La Revolución Francesa había llevado hasta el Caribe palabras explosivas —libertad, igualdad, ciudadanía—, pero en Saint-Domingue esas ideas chocaban frontalmente contra una sociedad organizada por raza, riqueza y condición jurídica. Incluso los hombres libres de color sufrían severas restricciones políticas. Uno de ellos, Vincent Ogé, rico comerciante y propietario, encabezó en 1790 un movimiento por derechos civiles para los libres de color; fue derrotado y ejecutado en 1791. Su lucha no buscaba inicialmente liberar a los cientos de miles de esclavizados, como muchas veces se afirma, pero su violento final demostró hasta dónde estaba dispuesto a llegar el orden colonial para conservar sus privilegios. La gran explosión llegó en la noche del 22 de agosto de 1791. Miles de esclavizados de las plantaciones del norte se levantaron, atacaron haciendas y destruyeron parte del aparato económico que los mantenía encadenados. La rebelión se transformó rápidamente en una guerra gigantesca y extraordinariamente compleja en la que intervinieron Francia, España y Gran Bretaña, además de diferentes facciones blancas, libres de color y ejércitos formados por antiguos esclavizados. De aquel terremoto político emergieron figuras como Toussaint Louverture, Jean-François, Georges Biassou y, posteriormente, Jean-Jacques Dessalines. Durante trece años la revolución sobrevivió a guerras civiles, invasiones extranjeras y finalmente al gigantesco intento de Napoleón Bonaparte por recuperar el control de Saint-Domingue. Francia fue derrotada. El 18 de noviembre de 1803 las fuerzas revolucionarias obtuvieron en Vertières la victoria militar decisiva y, semanas después, el 1 de enero de 1804, Dessalines proclamó la independencia de Haití. Nacía así la primera república negra independiente del mundo moderno y el segundo Estado independiente de América después de Estados Unidos, resultado de una revolución protagonizada fundamentalmente por quienes habían sido esclavizados. Su impacto atravesó el continente. Haití se convirtió en un símbolo de libertad para poblaciones esclavizadas y en una pesadilla para las sociedades esclavistas. Años más tarde, el presidente haitiano Alexandre Pétion brindaría hombres, armas y municiones a Simón Bolívar y le pediría avanzar sobre la abolición de la esclavitud en los territorios liberados, una ayuda concreta que vinculó directamente a la revolución haitiana con las luchas independentistas sudamericanas. Por eso el 14 de agosto no debería recordarse simplemente como la fecha de una ceremonia clandestina. Bois Caïman representa el instante en que religión, memoria africana, resistencia y organización política comenzaron a fundirse en una fuerza capaz de conseguir algo que las potencias coloniales consideraban imposible: que cientos de miles de personas consideradas propiedad derrotaran a ejércitos europeos, destruyeran legalmente su condición de esclavos y fundaran su propio Estado. Aquella noche comenzó a encenderse una revolución que no sólo cambió Haití: cambió para siempre la historia del Atlántico. **#RevoluciónHaitiana #Haití #BoisCaïman #DuttyBoukman #ToussaintLouverture #JeanJacquesDessalines #Historia #HistoriaUniversal #Esclavitud #Abolición #Libertad #Revolución #SaintDomingue #MemoriaHistórica #HaitianRevolution #Haiti #BoisCaiman #BlackHistory #Slavery #Abolition #Freedom #ToussaintLouverture #History #AtlanticHistory #Revolution**

🔥 1976: LA PROMOCIÓN DEL AVELINO MAURE QUE QUEDÓ PARA SIEMPRE EN LA MEMORIA DE GODOY CRUZ

En el año 1976, en el Colegio Avelino Maure de Godoy Cruz, Mendoza, una nueva camada de jóvenes cerraba una etapa inolvidable: la de los Peritos Mercantiles, formados entre aulas, cuadernos, cuentas, libros comerciales y el sueño de abrirse camino en la vida laboral. La imagen fue tomada en la histórica zona de López y Planes, en Godoy Cruz, donde el nombre Avelino Maure sigue formando parte de la identidad educativa mendocina. Cada rostro de esta fotografía guarda algo más que una promoción escolar: conserva amistades, esfuerzos, ilusiones familiares y una época en la que recibirse era motivo de enorme orgullo. Integraron aquella promoción: Silvia Gibeaud, Elsa Izán, Liliam Gaute, Cecilia Echaverría, Graciela Gangemi, Miriam Cornejo, Stella Gastaldi, Anahí Kollemberg, Graciela Badiali, Alejandro Valles, Miguel Altamira, Wálter Aporta, Héctor Fraire, Enrique Daniel, Héctor Mannone y Guillermo Bullones. Una postal escolar que no solo recuerda a sus protagonistas, sino también a una Mendoza de barrio, estudio, compromiso y futuro. #MendozAntigua #MendozaAntigua #GodoyCruz #AvelinoMaure #Promocion1976 #PeritosMercantiles #HistoriaDeMendoza #EscuelasDeMendoza #MemoriaMendocina #FotosAntiguas #OldMendoza #VintageArgentina #SchoolMemories #MendozaHistory #GodoyCruzHistory #ClassOf1976

HI-FI Philips. (1976)

 

Primera etapa en la construcción del Estadio de Fútbol Malvinas Argentinas. (Diciembre de 1976) Parque General San Martín. Ciudad de Mendoza

 

El 14 de agosto de 1856, en Oxfordshire, Reino Unido, moría el hombre que descubrió la existencia de una especie extinta desconocida hasta ese momento, los dinosaurios, ese día se apagaba la vida de William Buckland. (EH)

Nacido en Devonshire el 12 de Marzo de 1784, su infancia transcurrió entre una ferviente educación católica y una pasión por la ciencia y la geología inculcada por su padre en largas caminatas por canteras y cuevas. Si dualidad académico eclesiástica le permitía replantearse ideologías y postulados, mientras en el Corpus Christi College defendía el creacionismo y el diluvio universal, se especializaba en geología y mineralogía para confirmar o rebatir sus creencias. Sus estudios le permitieron ir modificando su fe, primero reinterpretó la palabra "creación" como un proceso prolongado de modificaciones geológicas y biológicas que crearon el entorno del hombre y luego dudando del proceso de evolución de los animales se interesó en la vida antidiluviana. En 1818 fue elegido miembro de la Royal Society, su nueva pasión por la paleontología lo llevaría a hacer uno de los descubrimientos mas revolucionarios de la ciencia. El 26 de Octubre de 1824, en una cantera de pizarra de Oxfordshire descubre un gran diente unido a una pequeña porción de maxilar, intrigado por su origen decide profundizar la excavación hasta encontrar un trozo de maxilar inferior de lo que catalogó como proveniente de un gigantesco reptil. William no encontró animal alguno del que pudiera proceder ese fósil, por ello lo bautizó "Megalosaurus" (gran lagarto) basándose en esquemas óseos de animales similares en pocos días elaboró una descripción completa del reptil y realizó bocetos de su teórica apariencia en vida. La presentación de su descubrimiento causó sensación en la Geological Society of London que lo nombró presidente, cuando aún no se habían repuesto de su descubrimiento, un año después, Gideon Mantell presenta un descubrimiento similar, el "Iguanodón", dando origen a una nueva rama de la paleontología. En la continuidad de sus estudios se trasladó a Suiza para entrevistar a una eminencia de la geología, Louis Agassiz, este pulverizó sus teorías diluvianas y le dio otras explicaciones posibles sobre las anomalías geológicas, desgastes y fragmentaciones que William le mostró, nacía la teoría de la "glaciación". Sus nuevas y acertadas revelaciones fueron publicadas en libros y artículos científicos que se transformaron en la base de nuevas teorías y descubrimientos. En 1849 contrajo una variedad de Tuberculosis que fue mellando su salud y espíritu, haciendo que sus últimos años de vida fueran un verdadero calvario, la muerte lo encontró el 14 de agosto de 1856. Mas de 30 años antes, el geólogo Richard Whatley, un gran admirador de su trabajo dijo "- Cuando veamos a nuestro gran profesor morir diremos ¿Que en paz descansen sus huesos?, si le enterramos en un rocoso sepulcro se levantará, romperá las piedras y examinará cada estrato de alrededor, porque él estará en su elemento".

Actual Loft deportes ( ex Felipe Vitale e hijos ) a la izquierda repuestos Bechara Década del 50. Departamento de Lujan de Cuyo. Provincia de Mendoza

 

Plano de Buenos Aires de la Guía Nacional 1895 de Pablo Bosch.

 

Archivo General de la Nación, colección Mapoteca

Agua Mineral Villavicencio. (1918)

 

Bar porteño, c.1940. .

Archivo fotográfico Caras y Caretas

Personas con máscaras. Pandemia de 1918

(Crédito de la foto: The LIFE Images Collection a través de Getty / Biblioteca Nacional de Medicina de EE. UU. / Archivos Nacionales / Atlantic Magazine / Texto: "Las máscaras contra la gripe fallaron en 1918, pero las necesitamos ahora", Blog de Asuntos de Salud, 12 de mayo de 2020. / Negocios Persona enterada).

Casa de Estudio No. 22, Los Ángeles, 1960

Durante décadas, el Sueño de California significó la oportunidad de poseer una casa de estuco en una franja del paraíso. El punto era el patio con las palmeras, no el contorno de las paredes. Julius Shulman ayudó a cambiar todo eso. En mayo de 1960, el fotógrafo nacido en Brooklyn se dirigió a la Stahl House del arquitecto Pierre Koenig, una casa acristalada de Hollywood Hills con una vista impresionante de Los Ángeles, una de las 36 casas de estudio de caso que formaron parte de un experimento arquitectónico que ensalza las virtudes de la modernidad. teoría y materiales industriales. Shulman fotografió la mayoría de las casas del proyecto, lo que ayudó a desmitificar el modernismo al resaltar su elegante simplicidad y humanizar sus bordes angulares. Pero ninguna de sus otras fotos fue más influyente que la que tomó de Case Study House No. 22. Para mostrar la esencia de este edificio en voladizo que rompe el aire, Shulman colocó a dos mujeres glamorosas con vestidos de cóctel dentro de la casa, donde parecen flotar sobre una ciudad mítica y centelleante. La foto, que él llamó “una de mis obras maestras”, es la imagen inmobiliaria más exitosa jamás tomada. Perfeccionó el arte de la puesta en escena aspiracional, convirtiendo una casa en la encarnación de la Buena Vida, del Hollywood empolvado de estrellas, de California como la Tierra Prometida. Y, gracias a Shulman, ese sueño ahora incluye una caja de cristal en el cielo.

(Crédito de la foto: Julius Shulman).

Puente de Galata y vista de Pera. Fotografía coloreada de Constantinopla, 1890

(Crédito de la foto: Biblioteca del Congreso).

Buenas tardes Mucho Gusto. Petrona C. de Gandulfo nos enseña a hacer Facturas. (1960)

Petrona Carrizo de Gandulfo (La Banda, Argentina; 29 de junio de 1898 - Olivos, Argentina; 6 de febrero de 1992), más conocida como «Doña Petrona», fue una cocinera televisiva argentina, pionera en su área en Argentina.

 

 

Carlitos Bala en sus 95 años 🎂 Feliz cumple Maestro (13 de Agosto)

 

“Mujeres del futuro” según el artista francés Albert Bergeret, 1902

En 1902, un fabricante francés lanzó un juego de tarjetas coleccionables diseñadas por el artista Albert Bergeret que imaginaba a las “mujeres del futuro” (original: Les Femmes de l'Avenir ). Estas tarjetas representan varias ocupaciones imaginarias que habrían parecido fantásticas para la mayoría de las mujeres en ese momento: médico, abogado, político, bombero e incluso miembros del ejército. Aunque algunas de las imágenes pueden haber sido recibidas como atrevidas en ese momento, Bergeret tenía una visión indiscutiblemente progresista para su época. De bombero a médico, de estudiante a periodista, de político a abogado, el artista acertó con sus "predicciones", aunque las elecciones de vestuario no eran prácticas. A juzgar por algunas de las prendas reveladoras, las tarjetas de 'estilo pin-up' estaban destinadas a capturar las fantasías de los hombres en lugar de ser parte de ningún movimiento feminista. De cualquier manera, hay algo encantador en este intento retro futurista de expandir el papel de la mujer en la sociedad, incluso si no era más que fantasía en ese momento. Las mujeres francesas obtuvieron el voto y fueron elegibles para ocupar el cargo en 1944, mucho más tarde que Estados Unidos y Gran Bretaña. Aunque el ejército en Francia nunca estuvo oficialmente abierto a las mujeres, se estimó que alrededor de ocho mil habían prestado servicio abiertamente en el 'armé', en tropas locales, no en los campos de batalla, entre 1792 y 1794. Bergeret se convirtió en un exitoso hombre de negocios. Su estudio fue el principal productor de postales de Francia. En 1900 produjo 25 millones de tarjetas y en 1903 publicó 75 millones de postales. Bergeret murió en 1932, pero sus postales siguen siendo famosas en la actualidad. Las tarjetas provienen de la colección de Monique y Gerard Lequy, quienes dirigen un sitio web dedicado al trabajo de Bergeret. La pareja vive en la ciudad de Nancy, Francia, donde Bergeret creó gran parte de su trabajo. En este artículo, hemos recopilado una selección de Les Femmes de l'Avenir (Mujeres del futuro) de Bergeret

(Crédito de la foto: Fantaisies Bergeret).

 

Fotos de moda de la posguerra de Genevieve Naylor en colores impresionantes, 1945-1959

Genevieve Naylor nació en 1915 en Springfield, Massachusetts. Asistió a Miss Hall's School y más tarde, a los 16 años, Music Box, una escuela de artes, donde estudió pintura. Fue en Music Box donde Genevieve conoció a Misha Reznikoff, su maestra. Dos años más tarde, en 1933, estaban enamorados, y cuando Misha se mudó a Nueva York, Genevieve pronto la siguió, y se establecieron en el estilo de vida bohemio de Greenwich Village viviendo en un apartamento tipo estudio: un enorme establo reformado lleno de pinturas coloridas y cigarrillos. cajas y, a menudo, el hogar de fiestas con músicos, artistas y fanáticos que duraron días.

En 1934, Naylor asistió a una exposición de la fotógrafa Berenice Abbott y admiró tanto el trabajo de Abbott que pasó de la pintura a la fotografía. Naylor se convirtió en aprendiz de Abbott en 1935 y mantuvieron su relación profesional hasta la muerte de Naylor. Su carrera profesional comenzó en 1937 cuando se convirtió en una de las primeras fotoperiodistas contratadas por Associated Press. Además de AP, sus fotografías comenzaron a aparecer en las revistas TIME, Fortune y LIFE. Luego se convirtió en una destacada fotógrafa de moda cuyo trabajo apareció en VOGUE, Harper's Bazaar, Good Housekeeping, McCall's y Cosmopolitan. En 1940, el Departamento de Estado de Estados Unidos asignó a Genevieve Naylor como parte de un equipo para viajar a Brasil. En un esfuerzo por promover y fortalecer la relación antinazi entre Estados Unidos y Brasil y promover la conciencia cultural mutua, la Oficina de Asuntos Interamericanos de los Estados Unidos, bajo el liderazgo de Nelson Rockefeller, creó un equipo de estadounidenses notables que incluía a Orson Welles, Errol Flynn y Walt Disney. Genevieve Naylor y su pareja (y luego esposo) Misha Reznikoff llegaron a Brasil en octubre de 1940, donde mostró sus pinturas mientras la señorita Naylor tomaba fotografías. Como era época de guerra, la película estaba racionada y el equipo de Naylor era modesto. No tenía flash ni luces de estudio y tuvo que elegir cuidadosamente sus tomas, equilibrando la espontaneidad con una composición cuidadosa. De su trabajo, sobrevivieron y se conservaron casi 1350 fotos. Después de su regreso a los Estados Unidos en 1943, Naylor se convirtió en la segunda fotógrafa en recibir una exposición individual cuando su trabajo fue exhibido en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

(Crédito de la foto: Genevieve Naylor / Corbis).