El 19 de mayo de 1935, en Dorset, Inglaterra, murió Thomas Edward Lawrence, más conocido como “Lawrence de Arabia”: arqueólogo, militar, escritor, estratega y una de las figuras más fascinantes —y discutidas— de la Primera Guerra Mundial. Nacido en Gales el 16 de agosto de 1888, Lawrence estudió Historia en Oxford y se apasionó por la arquitectura militar medieval. Su tesis sobre castillos cruzados fue publicada después de su muerte como Crusader Castles. Antes de convertirse en leyenda, trabajó como arqueólogo en Medio Oriente, especialmente en Carquemis, Siria, bajo expediciones vinculadas al British Museum. Ese conocimiento del territorio, las lenguas y las rutas del desierto lo llevó al mundo de la inteligencia militar. En 1914 participó en una misión de reconocimiento en el Sinaí y, durante la guerra contra el Imperio Otomano, se transformó en enlace y asesor del príncipe Faysal, uno de los líderes de la Rebelión Árabe. Su figura quedó unida a la guerra de guerrillas en el desierto, al sabotaje del ferrocarril del Hiyaz —la línea vital que conectaba las guarniciones otomanas— y a la entrada de las fuerzas árabes en Damasco en 1918. Luego narró esa experiencia en Los siete pilares de la sabiduría, obra que mezcló memoria, épica, culpa y desencanto. Pero detrás del mito también hubo sombras. Lawrence creyó en la posibilidad de una gran autonomía árabe, mientras las potencias europeas negociaban en secreto el reparto de antiguos dominios otomanos. El acuerdo Sykes-Picot de 1916, firmado por Gran Bretaña y Francia con aval ruso, proyectó zonas de influencia sobre Siria, Irak, Líbano y Palestina, y quedó como símbolo de la traición colonial a las promesas de independencia. Tras la guerra, cansado de su propia fama, Lawrence intentó desaparecer bajo otros nombres y se alistó en la RAF como T. E. Shaw. El 13 de mayo de 1935 sufrió un accidente en motocicleta cerca de su casa de Clouds Hill, en Dorset, y murió seis días después, el 19 de mayo, a los 46 años. Su vida quedó suspendida entre la historia y la leyenda: un hombre brillante, contradictorio y atormentado, capaz de soñar despierto con un mundo distinto, pero también testigo de cómo los imperios podían convertir esos sueños en mapas ajenos. #MendozAntigua #LawrenceDeArabia #TELawrence #ThomasEdwardLawrence #PrimeraGuerraMundial #RebeliónÁrabe #ImperioOtomano #SykesPicot #MedioOriente #HistoriaMundial #Arqueología #LosSietePilaresDeLaSabiduría #ArabRevolt #LawrenceOfArabia #WorldWarI #MiddleEastHistory #OttomanEmpire #MilitaryHistory
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martes, 19 de mayo de 2020
Un 19 de Mayo de 1935, en Dorset, Inglaterra, moría Lawrence de Arabia: el arqueólogo que soñó con la libertad árabe y terminó atrapado por el imperio
El 19 de mayo de 1935, en Dorset, Inglaterra, murió Thomas Edward Lawrence, más conocido como “Lawrence de Arabia”: arqueólogo, militar, escritor, estratega y una de las figuras más fascinantes —y discutidas— de la Primera Guerra Mundial. Nacido en Gales el 16 de agosto de 1888, Lawrence estudió Historia en Oxford y se apasionó por la arquitectura militar medieval. Su tesis sobre castillos cruzados fue publicada después de su muerte como Crusader Castles. Antes de convertirse en leyenda, trabajó como arqueólogo en Medio Oriente, especialmente en Carquemis, Siria, bajo expediciones vinculadas al British Museum. Ese conocimiento del territorio, las lenguas y las rutas del desierto lo llevó al mundo de la inteligencia militar. En 1914 participó en una misión de reconocimiento en el Sinaí y, durante la guerra contra el Imperio Otomano, se transformó en enlace y asesor del príncipe Faysal, uno de los líderes de la Rebelión Árabe. Su figura quedó unida a la guerra de guerrillas en el desierto, al sabotaje del ferrocarril del Hiyaz —la línea vital que conectaba las guarniciones otomanas— y a la entrada de las fuerzas árabes en Damasco en 1918. Luego narró esa experiencia en Los siete pilares de la sabiduría, obra que mezcló memoria, épica, culpa y desencanto. Pero detrás del mito también hubo sombras. Lawrence creyó en la posibilidad de una gran autonomía árabe, mientras las potencias europeas negociaban en secreto el reparto de antiguos dominios otomanos. El acuerdo Sykes-Picot de 1916, firmado por Gran Bretaña y Francia con aval ruso, proyectó zonas de influencia sobre Siria, Irak, Líbano y Palestina, y quedó como símbolo de la traición colonial a las promesas de independencia. Tras la guerra, cansado de su propia fama, Lawrence intentó desaparecer bajo otros nombres y se alistó en la RAF como T. E. Shaw. El 13 de mayo de 1935 sufrió un accidente en motocicleta cerca de su casa de Clouds Hill, en Dorset, y murió seis días después, el 19 de mayo, a los 46 años. Su vida quedó suspendida entre la historia y la leyenda: un hombre brillante, contradictorio y atormentado, capaz de soñar despierto con un mundo distinto, pero también testigo de cómo los imperios podían convertir esos sueños en mapas ajenos. #MendozAntigua #LawrenceDeArabia #TELawrence #ThomasEdwardLawrence #PrimeraGuerraMundial #RebeliónÁrabe #ImperioOtomano #SykesPicot #MedioOriente #HistoriaMundial #Arqueología #LosSietePilaresDeLaSabiduría #ArabRevolt #LawrenceOfArabia #WorldWarI #MiddleEastHistory #OttomanEmpire #MilitaryHistory
lunes, 18 de mayo de 2020
Imágenes de los lujosos e icónicos vestidos de Christian Dior de los año...
El icónico fotógrafo Mark Shaw documentó el mundo de la moda parisina ultra exclusivo, centrándose en el antiguo diseñador de moda de París, Christian Dior. Las fotografías de Shaw, algunas de las primeras fotografías de moda tomadas en color, capturan la moda más sorprendente y extraordinaria de la época. Este espléndido volumen encarna el glamour de esa época, desde raros momentos de Christian Dior durante el montaje hasta fotografías de estilo editorial de modelos, socialites y actrices posando en los vestidos de gala, trajes de día y colecciones de alta costura de Dior. El estilo de fotoperiodismo de Shaw cambió la fotografía de moda para siempre: su enfoque consistía en fotografiar de forma amplia, dando al sujeto una sensación de contexto, creando un ambiente tan exquisitamente transformador como el sujeto y la prenda. Con un ojo para la intimidad y la opulencia, estas fotografías en color y en blanco y negro, muchas de ellas nunca antes publicadas, han sido encontradas recientemente en una bóveda secreta por su patrimonio. Las fotografías capturan el drama y la elegancia del estilo de la época y serán atesoradas por los amantes de la fotografía, la moda, el estilo, la historia y la vida culta.
18 de Mayo de 1969, Apolo 10: la misión que rozó la Luna y dejó el camino abierto para el salto más grande de la humanidad
El 18 de mayo de 1969, desde el Centro Espacial Kennedy, despegó el Apolo 10, impulsado por el gigantesco cohete Saturno V. A bordo viajaban tres hombres destinados a cumplir una misión decisiva: Thomas P. Stafford, John W. Young y Eugene A. Cernan. No iban a pisar la Luna, pero sí a demostrar que todo estaba listo para que otros lo hicieran pocas semanas después. NASA registra que el lanzamiento se produjo desde el Complejo 39B, el 18 de mayo de 1969, y que la misión regresó a la Tierra el 26 de mayo. El Apolo 10 fue el gran ensayo general del alunizaje. Debía probar casi todas las maniobras de una misión lunar real: viaje hacia la Luna, entrada en órbita, separación del módulo lunar, descenso controlado, navegación, comunicaciones, fotografía del sitio previsto para el Apolo 11 y regreso al módulo de mando. La diferencia crucial era una sola: no debía aterrizar. El informe oficial de NASA señala que su objetivo era confirmar los procedimientos del alunizaje “excepto” el descenso final, el aterrizaje, la permanencia y el ascenso desde la superficie lunar. El momento más intenso llegó cuando Stafford y Cernan, dentro del módulo lunar Snoopy, descendieron hasta apenas 47.400 pies sobre la superficie lunar, unos 14,4 kilómetros. Desde allí observaron y fotografiaron la zona elegida para el futuro aterrizaje del Apolo 11, en el Mar de la Tranquilidad, mientras Young los esperaba en órbita dentro del módulo de mando Charlie Brown. Aquel descenso alimentó una de las grandes leyendas de la carrera espacial: la sensación de haber tenido la Luna demasiado cerca, casi al alcance de la mano. Sin embargo, lo documentado por NASA es claro: el Apolo 10 no fue una misión para improvisar una hazaña, sino para eliminar dudas, medir riesgos y dejar listo el camino. El propio Smithsonian recuerda que esta misión hizo posible el éxito del Apolo 11: probó el sistema, las comunicaciones, el módulo lunar y la coordinación necesaria para intentar el primer alunizaje humano. Cernan tendría años después su revancha histórica. No fue el primero en caminar sobre la Luna, pero en Apolo 17 se convirtió en el último ser humano en dejar allí sus huellas. NASA lo recuerda como el astronauta que voló tres veces al espacio, dos veces hacia la Luna y fue el último hombre en pisar su superficie. Aquel 18 de mayo de 1969 no despegó solamente una nave. Despegó la prueba final antes del gran salto. El Apolo 10 rozó la Luna, miró de cerca el lugar donde la humanidad cambiaría su historia y regresó con una certeza: el próximo intento ya no sería un ensayo. #Apolo10 #Apollo10 #NASA #SaturnoV #CarreraEspacial #EugeneCernan #ThomasStafford #JohnYoung #Snoopy #CharlieBrown #Apolo11 #LaLuna #HistoriaEspacial #ExploraciónEspacial #MendozaAntigua #MendozAntigua #SpaceRace #MoonMission #SaturnV #MoonLanding #SpaceHistory #ApolloProgram #HumanExploration
18 de Mayo de 1995, en West Hollywood, California, moría Alexander Godunov, el bailarín que desafió a la URSS y terminó conquistando Hollywood
El 18 de mayo de 1995 murió en Los Ángeles Alexander Borisovich Godunov, una de las figuras más magnéticas del ballet soviético y un rostro inolvidable del cine de los años ochenta. Había nacido el 28 de noviembre de 1949 en la isla de Sajalín, en la entonces Unión Soviética, y desde niño mostró una fuerza escénica fuera de lo común. Su formación comenzó en Riga, donde compartió camino con Mikhail Baryshnikov, otro nombre destinado a cambiar la historia de la danza. Godunov llegó al Ballet Bolshói y se convirtió en uno de sus grandes primeros bailarines. Su potencia física, su presencia imponente y su estilo apasionado lo transformaron en favorito del público. En 1973 obtuvo la medalla de oro en el Concurso Internacional de Ballet de Moscú, consolidándose como una de las estrellas más importantes de su generación. Pero su vida dio un giro de película en 1979, durante una gira del Bolshói por Nueva York. Allí pidió asilo político en Estados Unidos, provocando un fuerte incidente diplomático entre Washington y Moscú. Su esposa, la bailarina Ludmila Vlasova, fue subida a un avión rumbo a la URSS, pero las autoridades estadounidenses impidieron la partida durante 73 horas para comprobar si regresaba por voluntad propia. Finalmente, ella volvió a la Unión Soviética y la pareja terminó separándose. Ya en Estados Unidos, Godunov ingresó al American Ballet Theatre, aunque su paso por la compañía terminó tras diferencias con Baryshnikov. Luego continuó como artista invitado y comenzó una nueva etapa en el cine. Su debut internacional llegó con Witness junto a Harrison Ford, luego apareció en The Money Pit con Tom Hanks y alcanzó popularidad mundial como Karl en Die Hard, donde su presencia física y mirada fría quedaron grabadas en la memoria del cine de acción. También fue recordado por su relación con la actriz Jacqueline Bisset y por una vida marcada por el desarraigo, la fama, las exigencias del arte y una búsqueda constante de identidad. Murió a los 45 años, demasiado joven, dejando la imagen de un artista que parecía haber nacido para el escenario, pero que también supo imponer su figura frente a una cámara. El Los Angeles Times informó que su certificado de defunción atribuyó la causa a complicaciones vinculadas al alcoholismo crónico. Alexander Godunov fue mucho más que un bailarín soviético que desertó o el villano rubio de Duro de matar. Fue un cuerpo hecho para la danza, una presencia cinematográfica irrepetible y un símbolo de aquellos artistas que, en plena Guerra Fría, pagaron un precio enorme por elegir su propio destino. #AlexanderGodunov #BalletBolshoi #BalletClasico #DuroDeMatar #DieHard #CineDeLos80 #HistoriaDelBallet #DanzaClasica #GuerraFria #HollywoodOchentas #MikhailBaryshnikov #AmericanBalletTheatre #CineYBallet #MendozAntigua #AlexanderGodunov #BolshoiBallet #ClassicBallet #DanceHistory #ColdWarHistory #HollywoodCinema #DieHardMovie #EightiesCinema #BalletLegend #FilmHistory
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Mendoza, Argentina
West Hollywood, California, EE. UU.
El 18 de mayo de 1920, en Wadowice, Polonia, nacía Karol Józef Wojtyła. Juan Pablo II: el papa que cruzó guerras, atentados y multitudes hasta convertirse en símbolo de una era
El 18 de mayo de 1920, en Wadowice, Polonia, nació Karol Józef Wojtyła, el hombre que décadas más tarde sería conocido por el mundo como Juan Pablo II. Su vida estuvo marcada desde temprano por la pérdida: su madre murió en 1929, su hermano Edmund en 1932 y su padre en 1941. Durante la ocupación nazi, cuando la Universidad Jagellónica fue cerrada, trabajó en una cantera y luego en la fábrica química Solvay, mientras comenzaba en secreto su formación sacerdotal en el seminario clandestino de Cracovia. Antes de llegar al Vaticano, Wojtyła fue estudiante, actor de teatro, obrero, sacerdote, intelectual, obispo y arzobispo de Cracovia. En 1967 fue creado cardenal por Pablo VI, y el 16 de octubre de 1978 fue elegido papa. Al tomar el nombre de Juan Pablo II, se convirtió en el primer pontífice no italiano en 455 años y en el primero proveniente de un país eslavo. Su pontificado, de más de 26 años, fue uno de los más extensos de la historia. La imagen adjunta reúne distintos momentos de un papa que hizo de la presencia pública una marca de época. Juan Pablo II fue llamado muchas veces “el papa viajero”: realizó 104 viajes internacionales, visitó 129 países y recorrió más de 700.000 millas, llevando su mensaje a multitudes en todos los continentes. También fue una figura central en el tránsito político del siglo XX, especialmente por su influencia espiritual y simbólica en la Polonia comunista y en el movimiento que desembocó en la caída del bloque soviético. Su pontificado combinó carisma multitudinario, fuerte defensa de la fe católica y posturas conservadoras en temas doctrinales y morales. También quedó atravesado por tensiones y cuestionamientos: el largo gobierno de Juan Pablo II convivió con crisis internas de la Iglesia, debates sobre el manejo de casos de abusos clericales y decisiones muy discutidas, como algunas que salieron a la luz años después en el informe vaticano sobre Theodore McCarrick. El 13 de mayo de 1981, Juan Pablo II sobrevivió a un atentado en la Plaza San Pedro. Fue herido durante una audiencia pública y, años más tarde, visitó en prisión a Mehmet Ali Ağca, el hombre que le disparó, en un gesto que quedó asociado a su mensaje de perdón. En sus últimos años, el avance del Parkinson volvió cada aparición pública una escena de esfuerzo físico y resistencia espiritual. Murió el 2 de abril de 2005, en el Vaticano, a los 84 años. Fue beatificado el 1 de mayo de 2011 y canonizado el 27 de abril de 2014, en una ceremonia presidida por el papa Francisco. Aquel niño polaco nacido el 18 de mayo de 1920 terminó convertido en una de las figuras más influyentes y debatidas del siglo XX: amado por millones, discutido por otros, pero imposible de borrar de la historia contemporánea. #JuanPabloII #KarolWojtyla #Wadowice #HistoriaDeLaIglesia #Vaticano #PapaViajero #Polonia #SigloXX #Atentado1981 #IglesiaCatólica #MendozaAntigua #MendozAntigua #JohnPaulII #PopeJohnPaulII #CatholicHistory #VaticanHistory #PolandHistory #20thCenturyHistory #WorldHistory #SpiritualLegacy
Gente Bailando en la Década de 1960
En comparación con muchos bailes de las décadas anteriores, ya no se necesitaban socios para unirse a la diversión. Bailes famosos en los años sesenta a menudo se asociaron con una canción. En algunos casos, la letra instruía a los oyentes sobre cómo realizar el baile. Sin embargo, a menudo los cantantes simplemente rogaban a los bailarines que "hicieran el [nombre del baile]". Depende de amigos, DJs y programas de televisión como American Bandstand difundir los movimientos a la última moda de baile. Muchas danzas famosas de esta época eran en realidad modas pasajeras. Hubo algunas danzas famosas en este período, como Freddie, Frug, Hitch-Hike, Loco-motion, Mashed Potato, Shimmy, Swim, Twist ...
Y estas instantáneas fascinantes capturaron a personas haciendo con algunos bailes de la década de 1960
18 de Mayo de 1989, se quita la vida Julio De Grazia, el actor que hizo reír a generaciones y dejó una tristeza imposible de olvidar
El 18 de mayo de 1989 murió en Buenos Aires Julio De Grazia, uno de esos actores argentinos capaces de pasar de la comedia popular al drama más intenso sin perder verdad ni humanidad. Nacido en 1929, su recorrido cinematográfico comenzó en los años cincuenta y quedó registrado en más de seis décadas de cine nacional: Cine Nacional lo ubica con participación en 62 películas entre 1954 y 1989. Su debut llegó con Días de odio, película de Leopoldo Torre Nilsson estrenada en 1954 y basada en Emma Zunz, el célebre cuento de Jorge Luis Borges. Aquel primer paso lo vinculó desde temprano con un cine argentino de prestigio literario y mirada intensa. Con los años, De Grazia se volvió un rostro querido por el gran público. Su personaje de Mojarrita en la saga de Los Superagentes lo convirtió en parte de la memoria popular, junto a Víctor Bó y Ricardo Bauleo. Cine Nacional lo registra como Mojarrita en Los superagentes contra todos, estrenada en 1980. Pero su talento iba mucho más allá del humor. En los años ochenta brilló en títulos fundamentales como Tiempo de revancha, Últimos días de la víctima, Plata dulce y Esperando la carroza, donde interpretó a Jorge Musicardi, uno de los personajes más recordados del clásico dirigido por Alejandro Doria. Detrás de esa voz ronca, esa presencia entrañable y esa capacidad para conmover, también hubo una vida atravesada por momentos difíciles. Tras una profunda crisis personal, intentó quitarse la vida el 15 de mayo de 1989 y falleció tres días después, el 18 de mayo, en el Hospital Fernández. Distintas crónicas coinciden en que su muerte dejó preguntas abiertas y un enorme vacío en el espectáculo argentino. Julio De Grazia fue mucho más que Mojarrita o Jorge Musicardi: fue un actor completo, popular y sensible, capaz de habitar personajes que todavía viven en la memoria colectiva. A 35 años de su partida, su rostro sigue apareciendo en escenas que los argentinos no olvidan, porque algunos actores no se van del todo: quedan hablando para siempre desde la pantalla. #JulioDeGrazia #CineArgentino #EsperandoLaCarroza #JorgeMusicardi #LosSuperagentes #Mojarrita #TiempoDeRevancha #PlataDulce #ActoresArgentinos #CineNacional #HistoriaDelCine #MemoriaArgentina #MendozAntigua #ArgentineCinema #ClassicCinema #ArgentineActors #FilmHistory #CinemaLegacy #CultMovies #ArgentinaCulture #VintageCinema
18 de Mayo de 1897, Drácula: la noche en que Bram Stoker soltó al vampiro que conquistó el mundo
La imagen evoca el universo oscuro de Bram Stoker y su criatura más inmortal: Drácula, la novela gótica que convirtió al vampiro en uno de los grandes mitos de la cultura universal. Aunque algunas efemérides la recuerdan el 18 de mayo de 1897, varias referencias bibliográficas ubican su publicación en Londres a fines de mayo de ese año, probablemente el 26 de mayo, por la editorial Archibald Constable and Company. La obra fue escrita con una estructura epistolar, es decir, a través de diarios personales, cartas, telegramas y recortes de prensa. No hay un narrador único: la historia se reconstruye con las voces de sus personajes. Todo comienza cuando el joven abogado Jonathan Harker viaja a Transilvania para visitar el castillo del conde Drácula, sin imaginar que ese encuentro abriría una pesadilla capaz de cruzar Europa hasta llegar a Inglaterra. Stoker, escritor irlandés y hombre ligado al teatro londinense, trabajó durante años como administrador del Lyceum Theatre, junto al actor Henry Irving. Ese contacto con la escena, el dramatismo y la atmósfera victoriana ayudó a darle a su novela un clima teatral, sombrío y profundamente visual. El origen del conde mezcla folklore, literatura previa y miedos de su época. Se suele vincular el nombre de Drácula con Vlad III de Valaquia, conocido como Vlad el Empalador, aunque los especialistas advierten que la relación directa entre el personaje histórico y el vampiro literario es más compleja de lo que repitió la cultura popular. Stoker también se nutrió de leyendas de vampiros, relatos góticos anteriores y libros sobre Transilvania, una región que nunca llegó a conocer personalmente. En su tiempo, Drácula fue leída como una novela sensacionalista de terror, pero con los años se transformó en una obra fundamental de la literatura gótica. Su fuerza no quedó solo en los libros: el conde pasó al teatro, al cine, al cómic, a la pintura, a la televisión y al imaginario colectivo. La versión teatral autorizada de 1924 y luego el cine ayudaron a fijar la imagen moderna del vampiro elegante, de capa oscura y mirada hipnótica. Aquel libro no solo presentó a un monstruo. Creó un símbolo: el miedo al extranjero, a la noche, al deseo, a la muerte y a lo desconocido. Desde entonces, millones de personas saben quién es Drácula, incluso sin haber leído jamás la novela. Ese es el verdadero poder de los mitos: sobreviven a su autor, atraviesan generaciones y siguen despertando la misma pregunta cada vez que cae la noche. #Drácula #BramStoker #LiteraturaGótica #TerrorClásico #Vampiros #NovelaGótica #Transilvania #VladElEmpalador #CulturaPopular #HistoriaLiteraria #MendozAntigua #Dracula #BramStoker #GothicLiterature #ClassicHorror #VampireLegend #HorrorHistory #VictorianGothic #PopCulture #LiteraryHistory
domingo, 17 de mayo de 2020
Postales Francesas Vintage de Poderosos Hombres Bigotudos con Flores
Las postales son muy populares porque son tangibles y se pueden guardar todo el tiempo que desee, en su refrigerador o en una colección, a diferencia de los correos electrónicos que se pueden borrar con un solo clic del mouse. Estas son algunas de las divertidas e interesantes postales francesas antiguas que muestran a hombres jóvenes llevando un ramo de rosas. Estas tarjetas fueron producidas en Francia desde alrededor de la década de 1910, y parcialmente coloreadas a mano. Fue el período de progreso social, económico, tecnológico y político conocido como la belle époque , 'la era hermosa', aunque fue llamado así después de la Primera Guerra Mundial debido a la nostalgia por días mejores. Esta era fue la edad de oro de la postal. Como los periódicos no contenían fotografías, la postal se usó como un nuevo medio. Los fotógrafos locales establecen para la posteridad los eventos y escenas típicas de la vida cotidiana. Hoteles, cafeterías y tiendas de todo tipo utilizaron la postal como medio publicitario. En las primeras postales, el reverso estaba reservado para la dirección, y el anverso se usaba tanto para la foto como para escribir un mensaje.
(Photos via letslookupandsmile)
Imágenes Coloreadas de Bellas Japonesas en Traje de Baño a principios de...
Este set de Okinawa Soba contiene fotos coloreadas de geishas y maiko en su mayoría que se hacen pasar por bellezas de baño durante las épocas Meiji y Taisho del antiguo Japón.
El 17 de Mayo de 1510, en Florencia, moría Botticelli: el genio que pintó a Venus, desafió el olvido y dejó su mirada dentro del Renacimiento
El 17 de mayo de 1510, en Florencia, murió Sandro Botticelli, uno de los grandes maestros del Renacimiento florentino. Su verdadero nombre fue Alessandro di Mariano Filipepi, y el apodo “Botticelli” provendría de su hermano mayor Giovanni, llamado “Botticello”, según recoge Britannica. Nacido hacia 1445, fue hijo de un curtidor y comenzó formándose en el ambiente artesanal antes de llegar al taller de Fra Filippo Lippi, donde aprendió la elegancia de las figuras, la suavidad de los rostros y el dominio de la pintura sobre tabla y fresco. Botticelli no fue simplemente un pintor de belleza idealizada: fue el artista que convirtió la línea en poesía. Hacia 1470 ya tenía taller propio en Florencia y pronto entró en contacto con el círculo de los Médici, para quienes realizó algunas de sus obras más ambiciosas. La National Gallery de Londres recuerda que, en la cima de su fama, fue uno de los artistas más estimados de Italia, admirado por sus madonnas, retablos y grandes escenas mitológicas. Entre sus obras más célebres se encuentran La Primavera y El nacimiento de Venus, dos imágenes que terminaron representando, para millones de personas, el espíritu mismo del Renacimiento: belleza clásica, mitología, gracia femenina y pensamiento humanista. La Galería Uffizi conserva El nacimiento de Venus, fechada hacia 1485, y la describe como la llegada de la diosa del amor y la belleza a la orilla, de pie sobre una concha, empujada por los vientos. Su prestigio fue tan grande que en 1481 el papa Sixto IV lo convocó a Roma, junto a otros grandes artistas, para decorar los muros de la Capilla Sixtina. Allí participó en el ciclo de historias de Moisés y de Cristo, antes de que Miguel Ángel transformara para siempre la bóveda del templo. Los Museos Vaticanos confirman que la decoración mural del siglo XV fue realizada por un equipo integrado por Perugino, Botticelli, Ghirlandaio y Cosimo Rosselli, entre otros, entre 1481 y 1482. Pero el final de Botticelli estuvo rodeado de sombras. Durante mucho tiempo se repitió que murió pobre, enfermo y olvidado; Britannica matiza esa imagen y señala que, aunque Vasari lo describió empobrecido y deteriorado en sus últimos años, otras evidencias sugieren que pudo haber conservado una situación más estable de lo que indica la leyenda. Lo cierto es que falleció en Florencia el 17 de mayo de 1510, dejando una obra que sería redescubierta y admirada siglos después. Botticelli pintó vírgenes, santos, filósofos, dioses paganos y rostros que parecen suspendidos entre la tierra y el sueño. Su arte unió cristianismo, mitología, belleza clásica y sensibilidad florentina. Murió en 1510, pero su mirada —esa mirada que parece atravesar los siglos— sigue viva en cada línea de sus cuadros. #SandroBotticelli #Botticelli #Renacimiento #Quattrocento #Florencia #HistoriaDelArte #ArteRenacentista #NacimientoDeVenus #LaPrimavera #CapillaSixtina #Medici #Uffizi #PinturaItaliana #Efemerides #MendozAntigua #ArtHistory #RenaissanceArt #ItalianRenaissance #Florence #BotticelliArt #BirthOfVenus #Primavera #UffiziGallery #SistineChapel #CulturalHistory
El 17 de Mayo de 2009, 📖✨ HOY SE CUMPLEN 16 AÑOS DE LA PARTIDA DEL HOMBRE QUE LE ENSEÑÓ AL MUNDO A AMAR CON PALABRAS — MARIO BENEDETTI, EL POETA QUE NUNCA TERMINA DE IRSE ✨📖
Hay escritores que llenan estantes. Y hay uno que llenó corazones en veinte idiomas. El 17 de mayo de 2009, Montevideo se quedó en silencio. Poco después de las 18:00, Mario Orlando Hardy Hamlet Brenno Benedetti Farrugia falleció en su casa, a los ochenta y ocho años de edad. El Palacio Legislativo fue designado como sitio de su velatorio, y el gobierno uruguayo decretó duelo nacional con honores patrios. A sus pies, la gente dejó flores... y bolígrafos. El gesto lo decía todo. Con el apellido de un escritor inglés y el nombre de uno de los personajes más célebres de la literatura universal, parecía signado a ser escritor. Nació el 14 de septiembre de 1920 en Paso de los Toros, Tacuarembó, en una familia de inmigrantes italianos. Comenzó sus estudios en el Colegio Alemán de Montevideo, donde aprendió alemán, conocimiento que le permitió convertirse en el primer traductor de las obras de Franz Kafka en Uruguay. Las dificultades económicas interrumpieron varias veces su educación formal y desde los catorce años trabajó en una empresa de repuestos para automóviles. Nunca terminó el secundario. Y sin embargo, se convirtió en uno de los escritores más importantes del siglo XX. En 1938 viajó a Buenos Aires, donde descubrió la poesía y el periodismo. De regreso en Montevideo en 1943, comenzó a colaborar en revistas literarias fundamentales. Entre 1954 y 1960 ocupó tres veces la dirección literaria de Marcha, el semanario más influyente de la vida política y cultural del Uruguay. En 1960 alcanzó proyección internacional con La tregua, novela traducida a más de veinte idiomas y adaptada al cine, que consolidó su prestigio a escala mundial. En 1971 fue uno de los fundadores del Movimiento de Independientes 26 de marzo, que luego integraría el Frente Amplio. El golpe de estado de 1973 lo obligó a abandonar su país, iniciando un largo exilio de doce años que lo llevó a Argentina, Perú, Cuba y España. Durante esos años sin patria no dejó de escribir, publicando obras esenciales como Primavera con una esquina rota (1982), donde plasmó con crudeza el dolor de quienes viven separados de su tierra. Regresó a Uruguay en marzo de 1985, iniciando el autodenominado período del desexilio. Ese mismo año Joan Manuel Serrat grabó El sur también existe, sobre poemas de Benedetti, contando con su colaboración personal. Sus libros fueron traducidos a más de veinte idiomas y le valieron el Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana, cinco doctorados honoris causa, y el honor de que un asteroide lleve su nombre: el (5346) 1981 QE3. En su testamento dejó creada la Fundación Mario Benedetti para preservar su obra y apoyar la lucha por los derechos humanos en Uruguay. Su obra lo convierte en uno de los tres grandes escritores uruguayos de todos los tiempos, junto con Eduardo Galeano y Juan Carlos Onetti. Hoy, dieciséis años después, sus versos siguen apareciendo en conversaciones, en cartas de amor, en paredes y en redes sociales, porque Benedetti no escribía para la eternidad, escribía para el lunes por la mañana, para el empleado de oficina, para el exiliado, para el enamorado sin palabras propias. Y por eso, la eternidad lo eligió a él. "No fue una vida fácil, francamente." — Mario Benedetti. Y sin embargo, qué vida.
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17 de Mayo de 1814 La batalla que apagó el poder español en el Río de la Plata: Brown, Montevideo y el golpe naval que cambió la independencia
El 17 de mayo de 1814, frente a las costas de Montevideo, culminaba uno de los combates navales más decisivos de la historia rioplatense: el Combate Naval de Montevideo, también recordado como Combate del Buceo. No fue una batalla más. Fue el golpe que quebró el dominio marítimo realista en el Río de la Plata y dejó a Montevideo, último gran bastión español de la región, prácticamente sin salida. La Armada Argentina recuerda esta victoria como el hecho que dio origen a su día institucional, establecido cada 17 de mayo. Desde octubre de 1812, Montevideo soportaba un sitio por tierra, pero mientras el puerto siguiera en manos españolas, la ciudad podía recibir víveres, armas, refuerzos y comunicaciones. Allí funcionaba el Apostadero Naval de Montevideo, base de la fuerza realista en el Río de la Plata, la Patagonia y Malvinas. El problema era claro: sin dominar el agua, la revolución no podía cerrar el cerco. Para cambiar esa situación, el gobierno de las Provincias Unidas organizó en 1814 una nueva escuadra y puso su mando en manos de un marino irlandés que ya empezaba a escribir su leyenda: Guillermo Brown. Su insignia flameó en la fragata Hércules, y su objetivo era tan audaz como peligroso: neutralizar la fuerza naval española y aislar Montevideo por completo. Antes del golpe final, Brown comprendió que debía tomar una pieza estratégica: la isla Martín García, llave de acceso a los ríos Paraná y Uruguay. Tras duros combates, los patriotas lograron ocuparla el 15 de marzo de 1814, obligando a las fuerzas realistas de Jacinto de Romarate a replegarse aguas arriba del Uruguay. Esa maniobra separó a parte de la flota española de Montevideo y debilitó el dispositivo defensivo realista. Entonces llegó la batalla decisiva. Entre el 14 y el 17 de mayo de 1814, en aguas cercanas al puerto del Buceo, la escuadra realista salió a enfrentar a Brown. Al principio, los vientos débiles demoraron las acciones principales, pero el jefe patriota aprovechó su conocimiento del río, maniobró con inteligencia y desordenó la formación enemiga. Durante las jornadas siguientes atacó sin descanso hasta acorralar a los buques españoles contra la costa. La victoria fue total. El poder naval realista quedó destruido o inutilizado, y Montevideo perdió su última gran vía de abastecimiento. La caída de la ciudad ya era cuestión de tiempo: el 23 de junio de 1814, apenas poco más de un mes después, las fuerzas patriotas tomaron Montevideo. La Armada Argentina destaca que esa capitulación trastocó los planes españoles de reconquista y dejó a los realistas sin su principal base en el Atlántico Sur. La dimensión histórica fue enorme. Según recuerda la Armada, San Martín consideró aquella victoria de Brown como “lo más importante hecho por la revolución americana hasta el momento”. No era exageración: sin Montevideo realista, el Río de la Plata quedaba más seguro, y la revolución podía mirar hacia nuevos frentes, entre ellos el futuro cruce de los Andes y la campaña libertadora en Chile y Perú. Aquel 17 de mayo no solo se ganó una batalla naval. Se cerró una puerta al poder español, se abrió otra hacia la independencia y nació una tradición marítima que todavía hoy se recuerda como uno de los momentos fundacionales de la historia argentina. #GuillermoBrown #CombateNavalDeMontevideo #CombateDelBuceo #DíaDeLaArmadaArgentina #HistoriaArgentina #IndependenciaArgentina #RíoDeLaPlata #Montevideo1814 #BatallasNavales #Efemérides #MendozAntigua #ArgentineHistory #NavalHistory #WilliamBrown #BattleOfMontevideo #RioDeLaPlata #IndependenceWar #SouthAmericanHistory #NavalBattle #HistoryLovers
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17 de Mayo de 1886, en Illinois, EEUU, moría el herrero que domó la tierra: John Deere, el hombre que convirtió un arado en una revolución agrícola
El 17 de mayo de 1886, en Moline, Illinois, moría John Deere, el herrero estadounidense que transformó para siempre la historia del trabajo rural. Había nacido el 7 de febrero de 1804 en Rutland, Vermont, y su vida estuvo marcada desde muy temprano por la adversidad: cuando era niño, su padre viajó a Inglaterra en busca de una herencia familiar y nunca regresó; se presume que murió en el mar. Criado por su madre con recursos escasos, Deere recibió una educación básica y, a los 17 años, inició el aprendizaje del oficio que cambiaría su destino: la herrería. En 1836, buscando mejores oportunidades, dejó Vermont y se instaló en Grand Detour, Illinois, una pequeña comunidad agrícola donde sus habilidades como herrero fueron rápidamente valoradas. Allí observó un problema que desesperaba a los agricultores del Medio Oeste: los arados de hierro fundido, pensados para suelos más livianos del este de Estados Unidos, se atascaban constantemente en la tierra pesada y pegajosa de las praderas. Cada pocos metros, los campesinos debían detenerse para limpiarlos a mano. Deere comprendió que la solución no estaba solo en fabricar un arado más fuerte, sino uno que pudiera deslizarse mejor. En 1837 creó un arado de acero pulido, usando una hoja de sierra rota, con una forma capaz de cortar y voltear la tierra sin que el barro se adhiriera con tanta facilidad. Aquella herramienta, conocida como arado de acero autolimpiante, fue una revolución silenciosa: permitió trabajar con mayor rapidez los suelos duros de la frontera agrícola estadounidense y abrió nuevas posibilidades para la expansión del cultivo en las praderas. El invento fue un éxito. La demanda creció año tras año: para 1841 Deere ya producía alrededor de 100 arados anuales; en 1843 se asoció con Leonard Andrus para aumentar la fabricación, y en 1848 trasladó la empresa a Moline, a orillas del río Mississippi, un punto estratégico por su acceso al transporte, la energía hidráulica, el carbón y mejores rutas comerciales. Desde allí, el pequeño taller comenzó a convertirse en una industria. En 1858, John Deere dejó la conducción cotidiana de la empresa en manos de su hijo Charles Deere, aunque conservó el título de presidente. En 1868, la firma se incorporó formalmente como Deere & Company. Con el tiempo, la compañía amplió su producción más allá de los arados: cultivadores, sembradoras, carros, tractores, cosechadoras y, ya en la era moderna, maquinaria agrícola, forestal, de construcción, motores y soluciones tecnológicas. Pero John Deere no fue solo un inventor exitoso. También participó activamente en la vida pública de Moline: fue fundador y presidente del National Bank of Moline, miembro de la iglesia congregacional, impulsor de instituciones locales y alcalde de la ciudad durante dos años. Su nombre quedó ligado a una frase que resume su filosofía industrial: fabricar herramientas confiables para quienes trabajan la tierra. Hoy, casi dos siglos después de aquel primer arado, el apellido Deere sigue siendo sinónimo de campo, maquinaria, potencia y progreso. Lo que nació en una herrería de frontera terminó convirtiéndose en uno de los símbolos más reconocibles de la mecanización agrícola mundial. #JohnDeere #HistoriaAgrícola #MaquinariaAgrícola #Campo #Agricultura #HistoriaDelCampo #RevoluciónAgrícola #Tractores #MundoRural #Efemérides #MendozAntigua #JohnDeereHistory #AgriculturalHistory #FarmMachinery #SteelPlow #FarmingHistory #RuralHeritage #Tractors #AmericanHistory #AgriculturalRevolution
17 de Mayo de 1953 🎤🔥 HOY HUBIERA CUMPLIDO 73 AÑOS EL EXTRANJERO MÁS ARGENTINO DE TODOS: LUCA PRODAN, EL ELEGIDO QUE LLEGÓ DE ROMA PARA INCENDIAR EL ROCK DE UN CONTINENTE 🔥🎤
🌍 Roma, 17 de mayo de 1953. El mundo no lo sabía todavía, pero acababa de nacer alguien que lo iba a cambiar. Mito, leyenda, ícono, profeta — todos esos títulos le quedan cortos. Luca George Prodan nació en Roma el 17 de mayo de 1953, hijo de Mario Prodan, ciudadano italiano nacido en Estambul, y de Cecilia Pollock, hija de escoceses que residieron en Shanghái y Pekín antes de la Segunda Guerra Mundial. Un ciudadano del mundo desde antes de abrir los ojos. Prodan pasó gran parte de su vida en el Reino Unido, primero en Escocia y luego en Inglaterra. En Moray asistió al prestigioso Colegio Gordonstoun. Tenía 17 años cuando abandonó el instituto y su decisión provocó que su familia iniciara una intensa búsqueda con ayuda de Interpol. Durante ese período recorrió distintos países de Europa y regresó a Roma, donde su madre lo encontró cuando era detenido. Volvió cuando se le dio la gana, tal como haría toda su vida con todo. Establecido en Londres durante la década de los setenta, Prodan consiguió un empleo en la tienda de la discográfica Virgin y formó su primera banda, The New Clear Heads. Su sensibilidad musical, influida por el auge de los ritmos de las excolonias británicas como el dub y el reggae, se vio marcada también por el estilo de cantautores post-punk como Joe Jackson, Graham Parker o Elvis Costello. Tras el suicidio de su hermana Claudia —quien era adicta, como él, a la heroína— Luca había tocado fondo en 1979 y estuvo en coma por una sobredosis. Fue entonces cuando su amigo Timmy McKern le envió una postal desde un lugar recóndito de Argentina, y Luca tomó el primer avión. Durante su estadía en Córdoba, McKern le presentó a Germán Daffunchio y, cuando volvió al país, Luca se instaló con la familia McKern en Hurlingham, donde conoció también a Alejandro Sokol. Al finalizar una cena, Daffunchio comenzó a tocar una guitarra criolla y Luca cantó, naciendo entre ellos la idea de formar una banda. La zona era un hervidero de artistas y hippies que huían de la represión imperante durante la dictadura militar. De esa primera chispa nació SUMO. La primera presentación oficial de Sumo fue en el pub Caroline, de El Palomar, en febrero de 1982, una época difícil porque el país se preparaba para la dolorosa Guerra de Malvinas. En 1982 la Junta Militar ordenó no difundir música en inglés. Sumo, por entonces, era una banda que tenía gran parte de su repertorio en ese idioma — idioma que Luca hablaba a la perfección — aunque la prohibición no impediría que la banda continuara con su novedosa propuesta. Sumo se volvería uno de los grupos más influyentes en moldear el rock argentino contemporáneo. Se le acredita por introducir el post-punk británico en la escena latinoamericana y por brindar un contrapunto visceral a las influencias entonces dominantes en el rock en español. La revista Rolling Stone Argentina escribiría que "Divididos por la Felicidad apareció como un manual de supervivencia para la generación post Malvinas, justo cuando empezaba el fin de la alegría democrática. El impacto fue tremendo y aún hoy sigue sorprendiendo." La formación final que terminaría haciendo historia fue con Luca en la voz, Diego Arnedo en el bajo, Ricardo Mollo y Germán Daffunchio en guitarras, Roberto Pettinato en saxo y "Superman" Troglio en batería. Roberto Pettinato ingresó luego de que Luca le hiciera una entrevista histórica; al finalizar la misma, trabaron amistad y decidieron incorporarlo a la banda. El último recital de Sumo se realizó en el estadio del Club Atlético Los Andes el 20 de diciembre de 1987. Sus compañeros recordaron que esa noche, momentos antes de interpretar una poderosa versión de "Fuck You", Luca dijo: "Ahí va la última". Dos días después, el martes 22 de diciembre, fue hallado muerto en su habitación de la calle Alsina 451, en el barrio de San Telmo. Había sufrido un paro cardíaco debido a una grave hemorragia interna causada por una cirrosis hepática. Tras su disolución, Sumo dejó su ADN musical en dos importantes bandas: Las Pelotas (con Sokol, Daffunchio y Troglio) y Divididos (con Mollo y Arnedo). Luca Prodan fue un artista de vanguardia, rebelde y muy sensible a la música. Nunca le importaron los límites políticos ni las divisiones culturales. Simplemente fue él: un extranjero en Argentina, tan auténtico, que hasta el día de hoy muchos argentinos lo sienten más nacional que nadie. "Vivo del rock y me voy a morir así. Tengo el rock adentro como ustedes." — Luca Prodan 💬 Feliz cumpleaños, Luca. Donde estés, que suene fuerte. #LucaProdan #Sumo #RockArgentino #LucaProdan73 #SumoLaBanda #FelizCumpleañosLuca #AphroditesChild #DivididosPorLaFelicidad #LlegandoLosMonos #AfterChabón #RockNacional #MúsicaArgentina #PatrimonioRocker #HomenajeLuca #Dividido #LucaProdan #SumoBanda #ArgentineRock #RockLegend #BornToRock #PostPunk #ReggaeRock #ArgentinaMusic #RockHistory #LucaForever #UndergroundRock #BuenosAiresRock #LatinRock #RockNacional #IconOfRock
Hospital de Niños Ricardo Gutierrez primer hospital pediátrico de Latinoamérica (creado en 1875) a instancias del Dr. Ricardo Gutiérrez y con la ayuda de Dolores Lavalle, hija del General y guerrero de nuestra Independencia 🏥 Calle Gallo 1330, Buenos Aires (1925).
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Gallo 1330, C1425EFD CABA, Argentina
Miembros de la Colonia Italiana, festejando con un banquete la conmemoración del día nacional italiano. Fueron comensales el jefe Político de la localidad de San Justo y las principales autoridades. (1919) Buenos Aires
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San Justo, Buenos Aires, Argentina
sábado, 16 de mayo de 2020
Comisión de señoritas que actuaron en los festejos organizados en celebración de la Fiesta Italiana, lo recaudado se destinó a la Cruz Roja de Italia. Fuerte General Roca. (1919) Provincia de Río Negro
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Ciudad de General Roca, Río Negro, Argentina
Los Hermanos McDonald frente al aún no inaugurado primer McDonald's en San Bernardino, California, noviembre de 1948
La innovación también ha sido uno de los factores diferenciadores que ha ayudado a mantenerse por delante de la competencia. Un ejemplo importante es el servicio de autoservicio de McDonalds, que fue el resultado de un problema que enfrentó cerca de una base militar en Arizona, donde a los soldados en un lugar determinado no se les permitía salir de sus automóviles mientras vestían su uniforme. Así surgió la idea de Drive-thru, que fue un éxito instantáneo en los Estados Unidos.
En 1937, Patrick McDonald abrió The Airdrome, un puesto de comida. Las hamburguesas eran diez centavos. En 1940, sus dos hijos, Maurice y Richard (Mac y Dick), mudaron todo el edificio a San Bernardino, California. El restaurante pasó a llamarse "McDonald's Bar-BQ" y sirvió veinticinco artículos a la parrilla en su menú. En octubre de 1948, después de que los hermanos McDonald se dieran cuenta de que la mayoría de sus ganancias provenían de la venta de hamburguesas, cerraron su autocine para establecer un sistema con un menú simple de hamburguesas, hamburguesas con queso, papas fritas, batidos, refrescos y manzana. tarta. El autocine se eliminó para crear una forma de comer autoservicio. Mac y Dick McDonald instalaron su cocina como una línea de montaje para asegurarse de que tuvieran la máxima eficiencia. El nombre del restaurante fue cambiado nuevamente, esta vez simplemente a "McDonald's", y volvió a abrir el 12 de diciembre de 1948.
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San Bernardino, California, EE. UU.
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