sábado, 16 de mayo de 2020
Conocida es la imagen del General San Martín, perpetuada en el famoso daguerrotipo tomado en París, en 1848.
Fue a instancias de su hija Mercedes, dos años antes de su muerte. Ese día se tomaron dos imágenes, una es la que vemos aquí, y la otra se extravió, pero tenemos idea de cómo era, porque han sobrevivido fotos de ese daguerrotipo perdido. Ambas imágenes son muy parecidas, solo cambia la posición de las manos. Se observa a Don José con chaquetón y pañuelo al cuello, con la mirada algo estrabica y perdida. Ya desde 1845 estaba ciego por cataratas, quizás esto justifique su mirar. Pero, ¿nunca te preguntaste que tan grande es un daguerrotipo? La segunda imagen te da la respuesta. Eran muy pequeños, pero con una gran nitidez y fidelidad de la imagen.
Impresionantes Imágenes en Blanco y Negro de los Teddy Boys a mediados d...
Los Teddy Boys fueron un movimiento juvenil con vestimenta llamativa, rebelde y a veces violento que se originó en Gran Bretaña en la década de 1950. La chaqueta eduardiana de tres cuartos de longitud con cuello de terciopelo, pantalones de tubo de drenaje y quiff se convirtió en un foco de moda masculina que todavía mantiene el estatus de culto en la actualidad. La invención del "adolescente" en la década de 1950 fue un fenómeno global, casi simultáneo. Definidos por grupos de jóvenes que se rebelan contra las expectativas de sus padres y la sociedad en general en su comportamiento, actitudes y vestimenta, surgieron movimientos en Estados Unidos, Australia, Japón y más allá. Identificables por su ropa y la música que tocaban, estos jóvenes se deleitaban en una libertad de posguerra que no disfrutaba la generación anterior. En el Reino Unido, una faceta de esta cultura juvenil recientemente emergente fue que los jóvenes de clase trabajadora adoptaron la sastrería formal y extravagante del vestido eduardiano. Conocidos como los 'Teds', sus chaquetas, a menudo suntuosos terciopelos, tenían solapas con muescas anchas adornadas con una corbata delgada o cordones de botas, y llevaban zapatos de burdel en sus pies. "El Ted se pavoneó con todo al frente, la sexualidad masculina abierta", escribió el periodista Richard Smith. Además de una forma de vestir y un estilo de música, debido a varios incidentes de alto perfil, los Teds también se asociaron con comportamientos rebeldes y juveniles y peleas públicas que los llevaron a ser expulsados de algunos lugares. Entre 1976 y 1979, Chris Steele-Perkins, en colaboración con el escritor Richard Smith, documentó el fenómeno de la cultura Ted en todo el Reino Unido en una serie de sorprendentes fotografías en blanco y negro. "Una gran parte de la iconografía de los Teds es obviamente prestada de Estados Unidos, pero no se manifestó en Estados Unidos de la misma manera", dijo Steele-Perkins. “No les importaba una pelea de vez en cuando, por lo que rápidamente se establecieron como una amenaza para la sociedad. Se pavoneaban sus cosas en las esquinas de las calles de Gran Bretaña y asustaban a las ancianas. Steele-Perkins fue más allá de simplemente capturar la moda distintiva del movimiento al documentar a los Teds interactuando en los alrededores de la sala de baile, el pub, la casa suburbana, los aparcamientos y los paseos marítimos. La serie se convirtió rápidamente en un clásico de la fotografía documental social británica.
16 de Mayo de 1929, La noche en que Hollywood inventó su propia inmortalidad: nacía el Oscar
El 16 de mayo de 1929, en el Blossom Room del Hollywood Roosevelt Hotel de Los Ángeles, se realizó la primera ceremonia de los premios de la Academia, todavía lejos del espectáculo televisivo y global que conocemos hoy. Aquella noche se distinguieron películas estrenadas entre 1927 y 1928, en una ceremonia íntima, elegante y breve, presidida por Douglas Fairbanks, entonces presidente de la Academia. La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas había nacido poco antes, en 1927, impulsada por figuras centrales de Hollywood como Louis B. Mayer, con la idea de organizar, fortalecer y prestigiar una industria cinematográfica que crecía a una velocidad impresionante. Pronto surgió la necesidad de premiar la excelencia artística y técnica del cine, y así nació un galardón que terminaría convertido en el símbolo más famoso del séptimo arte. En aquella primera edición, el premio a Mejor Actor fue para Emil Jannings, reconocido por sus trabajos en The Last Command y The Way of All Flesh. La estatuilla a Mejor Actriz fue para Janet Gaynor, mientras que Wings quedó registrada como la primera ganadora en la categoría principal, entonces llamada Outstanding Picture. También fueron reconocidas películas fundamentales como Sunrise y The Jazz Singer, esta última clave en el avance del cine sonoro. El trofeo, oficialmente llamado Academy Award of Merit, fue diseñado por Cedric Gibbons, director artístico de MGM, y llevado a forma tridimensional por el escultor George Stanley. La Academia describe la figura como un caballero de estilo art déco, de pie sobre un rollo de película, sosteniendo una espada. Sus cinco radios representan las ramas originales de la institución: actores, directores, productores, técnicos y guionistas. Durante años circularon versiones y leyendas sobre el origen del nombre “Oscar”. La explicación más repetida dentro de la propia Academia cuenta que Margaret Herrick, bibliotecaria y luego directora ejecutiva de la institución, dijo que la estatuilla se parecía a su tío Oscar. El apodo ya era conocido en 1934 y recién en 1939 fue adoptado oficialmente por la Academia. Lo que comenzó como una cena reservada para la elite cinematográfica terminó transformándose en una de las ceremonias más famosas del planeta. Aquella noche de 1929 no solo se entregaron premios: Hollywood empezó a construir su propio ritual de gloria, memoria y leyenda. #PremiosOscar #Oscars #HistoriaDelCine #Hollywood #AcademyAwards #CineClásico #HollywoodRoosevelt #PrimeraCeremoniaOscar #CineMudo #Wings #EmilJannings #JanetGaynor #MendozAntigua #OscarHistory #FilmHistory #ClassicHollywood #OldHollywood #CinemaHistory #GoldenAgeHollywood #AcademyAwardsHistory
16 de Mayo de 1703, en París, moría Charles Perrault: el hombre que tomó viejas leyendas populares y creó el reino eterno de los cuentos de hadas
El 16 de mayo de 1703, en París, moría Charles Perrault, el escritor francés que transformó relatos orales, leyendas antiguas y narraciones populares en algunas de las historias más famosas de la literatura universal. Había nacido en París el 12 de enero de 1628 y perteneció a una familia acomodada, vinculada al mundo intelectual y administrativo de la Francia de Luis XIV. La Académie française, de la que fue elegido miembro en 1671, lo recuerda como poeta, funcionario y hombre clave del debate cultural de su tiempo. Perrault no empezó su vida literaria como autor de cuentos infantiles. Estudió Derecho, trabajó cerca de los círculos de poder y participó activamente en instituciones culturales del reino. También escribió odas, discursos y textos ligados al prestigio de la monarquía francesa. Britannica destaca que fue abogado de formación, funcionario de edificios reales y una figura importante en la célebre disputa entre “antiguos y modernos”, donde defendía la idea de que la literatura de su época podía superar a la tradición clásica grecolatina. Pero su verdadera inmortalidad llegó tarde, cuando ya era un hombre mayor. En 1697 publicó “Histoires ou contes du temps passé”, obra conocida como “Cuentos de mamá ganso” o “Tales of Mother Goose”. Allí reunió y dio forma literaria a relatos que venían circulando desde hacía generaciones: historias de miedo, advertencias morales, fantasías campesinas y tradiciones populares que hasta entonces vivían sobre todo en la oralidad. De ese libro salieron versiones decisivas de cuentos como Caperucita Roja, La bella durmiente, El gato con botas y Barba Azul. También quedaron asociados a su legado relatos como Cenicienta y Pulgarcito, que luego serían reescritos, suavizados, ilustrados y adaptados una y otra vez en libros, teatro, cine y televisión. Lo notable es que Perrault no eliminó por completo la oscuridad original de esos cuentos: los ordenó, los embelleció y les dio una forma elegante, pero mantuvo su corazón inquietante. En sus historias hay encanto, sí, pero también peligro, desobediencia, castigo, astucia y advertencias para la vida. Perrault convirtió el cuento popular en literatura. Les dio castillos, reyes, princesas, ogros, hadas, animales parlantes y finales memorables. Pero, sobre todo, les dio una estructura capaz de atravesar los siglos. Por eso sus relatos siguen vivos más de 300 años después: porque hablan de miedos universales, de niñas frente al bosque, de jóvenes perseguidos, de puertas prohibidas, de zapatos perdidos, de sueños mágicos y de la eterna esperanza de que la inteligencia pueda vencer al peligro. Uno de los espacios más asociados a su imaginario es el Castillo de Ussé, en el valle del Loira. El propio sitio del château lo presenta como inspiración para La bella durmiente, y la oficina turística de Touraine también vincula sus torres, fachadas y atmósfera con el cuento que Perrault inmortalizó. Charles Perrault murió en París, pero dejó abiertas las puertas de un mundo que todavía habitamos. Cada vez que alguien escucha “había una vez”, cada vez que un niño imagina un castillo encantado, cada vez que un bosque parece esconder una amenaza o una promesa, vuelve a aparecer la sombra luminosa de aquel escritor que tomó viejas voces del pueblo y las convirtió en eternidad. Porque Perrault no inventó todos los cuentos. Hizo algo quizá más poderoso: les dio una forma capaz de no morir nunca. #CharlesPerrault #CuentosDeHadas #CuentosDeMamáGanso #LiteraturaUniversal #CaperucitaRoja #Cenicienta #LaBellaDurmiente #ElGatoConBotas #BarbaAzul #Pulgarcito #HistoriaDeLaLiteratura #MendozAntigua #FairyTales #MotherGoose #ClassicLiterature #FrenchLiterature #Storytelling #LiteraryHistory #ChildrensBooks #FolkloreHistory
16 de Mayo de 1990, en Beverly Hills, moría Sammy Davis Jr.: el artista que bailó contra el racismo y convirtió el escenario en libertad
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El 16 de mayo de 1990, en Beverly Hills, se apagaba la vida de Sammy Davis Jr., uno de los artistas más completos y magnéticos del siglo XX. Cantante, bailarín, actor, músico, comediante y showman absoluto, fue conocido como “Mr. Entertainment”, un apodo que resumía una carrera marcada por el talento, la energía y una capacidad única para dominar cualquier escenario. Había nacido el 8 de diciembre de 1925, en Harlem, Nueva York, hijo de artistas del vodevil. Desde niño vivió entre camarines, giras y teatros: a los tres años ya actuaba junto a su padre y su tío en el Will Mastin Trio, y a los siete debutó en el cine en el cortometraje Rufus Jones for President. No tuvo una infancia común: creció trabajando, aprendiendo a bailar, cantar, imitar, actuar y sobrevivir en un mundo que todavía cerraba demasiadas puertas a los artistas afroamericanos. Su vida estuvo atravesada por el racismo. Durante sus giras, muchos hoteles, restaurantes y clubes aceptaban que actuara, pero no que usara las instalaciones. En el ejército, durante la Segunda Guerra Mundial, también sufrió humillaciones y maltratos raciales. Davis transformó ese dolor en impulso: alguna vez explicó que su talento era su arma para enfrentar el prejuicio. En 1954 sufrió un grave accidente automovilístico que le hizo perder el ojo izquierdo. Durante la recuperación se acercó al judaísmo, religión a la que terminó convirtiéndose, al encontrar paralelos entre la persecución sufrida por el pueblo judío y la discriminación padecida por los afroamericanos. Ese episodio no lo detuvo: volvió al escenario, primero con un parche y luego con una prótesis, y siguió construyendo una carrera imparable. En los años 50 y 60 se convirtió en una figura central del espectáculo estadounidense. Cantaba, bailaba tap, actuaba, hacía imitaciones, tocaba instrumentos y tenía una velocidad escénica que pocos podían igualar. Integró el mítico Rat Pack junto a Frank Sinatra, Dean Martin, Peter Lawford y Joey Bishop, y brilló en Las Vegas, Broadway, televisión y cine. En 1960 participó en Ocean’s Eleven, película que ayudó a consolidar la leyenda de aquel grupo. Pero Sammy Davis Jr. no solo rompió barreras artísticas: también desafió barreras sociales. Su matrimonio con la actriz sueca May Britt, en 1960, provocó una ola de rechazo racista en una época en la que el matrimonio interracial seguía siendo ilegal en muchos estados de Estados Unidos. La pareja recibió amenazas, sufrió presiones y pagó costos profesionales por vivir una historia de amor que incomodaba a una sociedad todavía profundamente segregada. Su carrera dejó discos, películas, musicales y momentos inolvidables. Actuó en Broadway, fue nominado al Tony por Golden Boy, participó en películas como Porgy and Bess, Sweet Charity, The Cannonball Run y Tap, y fue reconocido con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, el Kennedy Center Honor y, de manera póstuma, el Grammy Lifetime Achievement Award. En 1989 le diagnosticaron cáncer de garganta. La enfermedad avanzó con rapidez y el 16 de mayo de 1990 murió a los 64 años. Como homenaje, las luces del Strip de Las Vegas se apagaron durante diez minutos, un gesto reservado a figuras de enorme impacto público. Sus restos descansan en Forest Lawn Memorial Park, en Glendale, California. Sammy Davis Jr. fue mucho más que un entertainer. Fue un hombre que cargó sobre su cuerpo las heridas del racismo, la fama, la enfermedad y el prejuicio, pero aun así salió a escena con una sonrisa, un paso de baile y una voz capaz de llenar el mundo. Porque Sammy no actuaba solamente para entretener. Actuaba para demostrar que el talento también puede ser una forma de resistencia. #SammyDavisJr #MrEntertainment #RatPack #FrankSinatra #DeanMartin #HistoriaDelEspectáculo #HollywoodClásico #LasVegas #Broadway #Jazz #TapDance #CulturaAfroamericana #DerechosCiviles #MendozAntigua #ClassicHollywood #EntertainmentHistory #BlackHistory #CivilRights #AmericanMusic #ShowBusiness
El 16 de Mayo de 1990, fallecía Jim Henson: el mago que convirtió muñecos de tela en criaturas eternas y cambió para siempre la infancia del mundo
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El 16 de mayo de 1990 se apagaba la vida de Jim Henson, el creador de The Muppets, uno de los artistas más originales e influyentes de la televisión y el cine del siglo XX. Aunque muchas veces se lo recuerda como “titiritero”, Henson fue mucho más que eso: fue creador, guionista, director, productor, actor de voz, diseñador de mundos y un verdadero revolucionario de la imaginación. Fuentes biográficas ubican su muerte en Nueva York, a los 53 años, tras una breve y fulminante enfermedad. Desde joven entendió que la televisión podía darle a los muñecos una vida nueva. En los años 50 creó Sam and Friends, un breve programa televisivo donde apareció por primera vez Kermit, la rana que luego se transformaría en uno de los personajes más queridos del planeta. Ese ciclo le valió a Henson un premio Emmy en 1958 y marcó el comienzo de una forma distinta de hacer humor, fantasía y emoción con marionetas. Su gran salto llegó en 1969, cuando Joan Ganz Cooney lo convocó para participar en Sesame Street. Allí, Henson y su equipo dieron vida a personajes inolvidables como Ernie, Bert, Oscar the Grouch, Grover, Cookie Monster y otros habitantes de una calle que enseñó a millones de niños a contar, leer, imaginar y convivir. Sesame Workshop recuerda que el primer episodio de Sesame Street se emitió en 1969 y que, ya en su primera temporada, alcanzó a millones de chicos y familias. Pero Henson no quería que sus criaturas quedaran encerradas solo en el público infantil. Soñaba con un espectáculo para toda la familia. Después de años de rechazos en Estados Unidos, encontró apoyo en el productor británico Lew Grade, y en 1976 nació The Muppet Show. El éxito fue gigantesco: según The Jim Henson Legacy, el programa llegó a 235 millones de espectadores en más de 100 países y ganó tres premios Emmy durante sus cinco temporadas. Por aquel escenario desfilaron estrellas internacionales como Gene Kelly, Rudolph Nureyev, Steve Martin y John Cleese, mientras Kermit, Miss Piggy, Fozzie Bear, Gonzo, Animal y tantos otros demostraban que un muñeco de tela podía tener más humanidad que muchos actores de carne y hueso. Henson no solo movía personajes: les daba pausas, miradas, dudas, torpezas, ternura y una expresividad que parecía imposible. En los años 80 llevó su ambición creativa todavía más lejos. Con películas como The Dark Crystal y Labyrinth, esta última producida por George Lucas, exploró mundos fantásticos, criaturas complejas y nuevas tecnologías de animatrónica. The Jim Henson Company destaca que esos proyectos impulsaron el desarrollo de personajes tridimensionales con movimientos avanzados y dieron origen a lo que luego sería Jim Henson’s Creature Shop, un espacio clave para la creación de criaturas y efectos especiales. Henson murió demasiado joven, pero dejó un universo que sigue vivo. Sus personajes enseñaron que la ternura también puede ser inteligente, que el humor puede convivir con la emoción y que la imaginación, cuando está bien hecha, no envejece. Jim Henson no creó simples muñecos. Creó amigos de tela para millones de personas. Y cada vez que una rana canta, un monstruo ríe, un oso cuenta un chiste malo o un niño aprende mirando una pantalla, algo de su magia vuelve a respirar. Porque Jim Henson no solo entretuvo a la infancia: le enseñó al mundo a creer que hasta un pedazo de tela podía tener alma. #JimHenson #TheMuppets #LosMuppets #Kermit #PlazaSésamo #SesameStreet #TelevisiónInfantil #HistoriaDeLaTV #CulturaPop #CineFantástico #TheDarkCrystal #Labyrinth #MendozAntigua #MuppetsHistory #JimHensonLegacy #ChildhoodMemories #PopCultureHistory #Puppetry #ClassicTV #FantasyCinema. Jim Henson murió el 16 de mayo de 1990, a los 53 años, por una infección bacteriana fulminante que derivó en síndrome de shock tóxico estreptocócico, sepsis y falla orgánica. Al comienzo creyó que era un resfrío fuerte o una gripe, pero la infección avanzó muy rápido. PEOPLE señala que falleció por shock tóxico causado por Streptococcus pyogenes; UTMB resume el desenlace como falla orgánica producto de sepsis. Sus restos no descansan en una tumba tradicional. Fue cremado, y sus cenizas fueron conservadas por su familia hasta que en 1992 fueron esparcidas cerca de Taos, Nuevo México, un lugar que él había señalado como especial.
16 de Mayo de 2006, en Miami, EEUU, fallecía Jorge Porcel: el “Gordo de América” que hizo reír a millones, conquistó la TV argentina y llegó hasta Hollywood
El 16 de mayo de 2006, en Miami, fallecía Jorge Porcel, uno de los grandes nombres del humor popular argentino y latinoamericano. Había nacido como Jorge Raúl Porcel de Peralta el 7 de septiembre de 1936, en la ciudad de Buenos Aires, y murió a los 69 años, después de una operación de vesícula biliar, según recordó La Nación en su despedida. Su historia artística comenzó lejos de las grandes luces. De joven animaba reuniones, hacía imitaciones y contaba historias con una gracia natural que no tardó en llamar la atención. Su gran puerta de entrada fue “La revista dislocada”, el célebre ciclo radial donde compartió camino con figuras como Carlos Balá, Mario Sapag y Nelly Beltrán. A partir de allí llegó la televisión, el teatro de revista y una carrera que lo convertiría en un verdadero fenómeno de masas. En los años 60, los hermanos Gerardo y Hugo Sofovich lo incorporaron a “Operación Ja Ja”, y luego llegaría “El botón”, uno de los programas humorísticos más recordados de la televisión argentina. Allí coincidió con una constelación de actores populares y, sobre todo, con quien sería su gran compañero de ruta: Alberto Olmedo. La Nación recuerda que en 1972 ambos hicieron “Fresco y Batata”, y que juntos conformaron una de las duplas de mayor impacto popular de la Argentina. Porcel y Olmedo fueron, durante años, una máquina de teatro, cine y televisión. Con guiones picarescos, improvisación, timing cómico y una química explosiva, dominaron una época. Porcel también brilló en ciclos como “Polémica en el bar”, “La Tuerca”, “Operación Porcel”, “¿Lo viste a Porcel?”, “Las gatitas y ratones de Porcel” y “La Tota y la Porota”. Su humor podía ser ingenuo, desbordado, popular, exagerado y profundamente televisivo: una forma de comedia que millones esperaban frente a la pantalla. En cine dejó una huella enorme. Cine Nacional registra su participación en 48 películas argentinas o coproducciones, con una carrera cinematográfica que se extendió entre 1964 y 1988, y con títulos emblemáticos como “Los caballeros de la cama redonda”, “Las mujeres son cosa de guapos”, “Mi novia el...”, “Los colimbas se divierten” y “Rambito y Rambón, primera misión”. Su fama fue tan grande que cruzó fronteras. Ya radicado en Estados Unidos, participó en “Carlito’s Way”, la película de Brian De Palma protagonizada por Al Pacino. Allí interpretó a Reinaldo “Ron” Sasso, dueño de un club nocturno, en lo que fue una de las apariciones más inesperadas y recordadas de un actor argentino en Hollywood. TN recuerda que aquella película marcó su regreso al cine después de cinco años y también su última incursión cinematográfica. Pero detrás del ídolo popular también hubo un hombre atravesado por cambios profundos. En Miami condujo programas para el público hispano, cantó boleros, abrió un restaurante llamado “A la Pasta con Porcel” y, en sus últimos años, se acercó fuertemente a la fe evangélica. La Nación señala que en Florida dedicó buena parte de sus energías a la actividad religiosa y que allí vivió hasta su muerte. Su trayectoria también fue reconocida por la Fundación Konex, que le otorgó en 1981 el Diploma al Mérito como Actor de Variedades, confirmando su lugar entre las grandes figuras del espectáculo argentino. Jorge Porcel fue una figura inmensa, con luces, sombras, excesos, popularidad arrolladora y una marca imborrable en la memoria televisiva. Fue el hombre de los gestos enormes, de la risa fácil, del morcilleo, de la dupla inolvidable con Olmedo y de una forma de humor que pertenece a una Argentina que ya no existe, pero que muchos todavía recuerdan con nostalgia. Porque Porcel no solo hacía chistes: ocupaba la pantalla entera. Y cuando aparecía, millones sabían que algo estaba por pasar. #JorgePorcel #ElGordoPorcel #HumorArgentino #TelevisiónArgentina #CineArgentino #AlbertoOlmedo #OlmedoYPorcel #OperaciónJaJa #PolémicaEnElBar #LaTuerca #CarlitosWay #AlPacino #HistoriaDeLaTV #MendozAntigua #ArgentineComedy #ClassicTV #ArgentineCinema #LatinAmericanComedy #ComedyLegend #TVHistory. Los restos de Jorge Porcel descansan en el Panteón de la Asociación Argentina de Actores, en el Cementerio de la Chacarita, en Buenos Aires. Fueron trasladados desde Miami y sepultados allí el 24 de mayo de 2006. Según publicó La Nación, su féretro fue ubicado frente al de Alberto Olmedo, su histórico compañero de dupla humorística.
Antiguos Métodos Anticonceptivos. Testículos de Comadreja
Las mujeres de la edad media creían en este método porque lo suponían infalible y consistía en atarse testículos de ese animal en la parte interior del muslo. Según ellas, se creaba una mágica barrera protectora que anulaba el efecto de los espermas, aunque se supone que funcionaba porque los hombres deben haber salido corriendo ante esta terrible escena. También se pensaba que si la mujer llevaba un hueso de comadreja atado a su cuello, en el momento del coito, quedaría esteril para siempre.
viernes, 15 de mayo de 2020
Imágenes de Motores de Vapor después de una Explosión de Caldera fin del...
Hay muchas causas para las explosiones de la caldera, como un mal tratamiento del agua que causa escamas y sobrecalentamiento de las placas, bajo nivel de agua, una válvula de seguridad atascada o incluso una explosión del horno que, a su vez, si es lo suficientemente grave, puede causar una explosión de la caldera. La mala capacitación del operador que resulta en negligencia u otro mal manejo de la caldera ha sido una causa frecuente de explosiones desde el comienzo de la revolución industrial. Las explosiones de la caldera son un peligro particular en las calderas de tubo de fuego (tipo locomotora) porque la parte superior de la caja de fuego (lámina de corona) debe estar cubierta con cierta cantidad de agua en todo momento; o el calor del fuego puede debilitar la lámina de la corona o la corona se queda hasta el punto de falla, incluso a la presión de trabajo normal. Este tipo de falla no se limita a los motores ferroviarios, ya que las calderas de tipo locomotora se han utilizado para motores de tracción, motores portátiles, motores de deslizamiento utilizados para minería o tala, motores estacionarios para aserraderos y fábricas, para calefacción y como calderas de paquetes que proporcionan vapor. para otros procesos En todas las aplicaciones, mantener el nivel de agua adecuado es esencial para una operación segura. En las calderas de locomotoras de vapor, dado que el conocimiento se obtuvo por ensayo y error en los primeros días, las situaciones explosivas y el consiguiente daño debido a las explosiones eran inevitables. Sin embargo, el diseño y el mantenimiento mejorados redujeron notablemente el número de explosiones de calderas a fines del siglo XIX. Otras mejoras continuaron en el siglo XX. En las calderas terrestres, las explosiones de los sistemas de presión ocurrieron regularmente en calderas de vapor estacionarias en la era victoriana, pero ahora son muy raras debido a las diversas protecciones proporcionadas, y debido a las inspecciones regulares obligadas por los requisitos gubernamentales y de la industria. Los calentadores de agua pueden explotar con sorprendente violencia cuando sus dispositivos de seguridad fallan.
15 de mayo de 1993: Día Internacional de la Familia, instituido por el Asamblea General de las Naciones Unidas.
Familia en un conventillo en Buenos Aires, 1908.
"Don Blas y doña Paula Livona junto a los niños Valentina, Pascual, Ángela
"Don Blas y doña Paula Livona junto a los niños Valentina, Pascual, Ángela
Indianápolis 15 de Mayo de 1982: el día en que la velocidad mostró su rostro más brutal
El 15 de mayo de 1982, durante las pruebas de clasificación para las 500 Millas de Indianápolis, el automovilismo vivió una de sus jornadas más estremecedoras. Aquel día murió el piloto estadounidense Gordon Smiley, después de perder el control de su monoplaza en una vuelta de calentamiento y chocar de frente contra el muro del Indianapolis Motor Speedway. La prensa de la época informó que el accidente ocurrió antes de los ensayos oficiales de clasificación para la carrera del 30 de mayo. Smiley no era un improvisado. Había nacido en Omaha, Nebraska, y había recorrido buena parte del automovilismo norteamericano: Fórmula Ford, Fórmula Atlantic, Can-Am, Fórmula 5000 y Super Vee. También compitió en Europa en la Aurora AFX British F1 Championship, donde en 1979 logró una victoria en Silverstone con un Surtees-Cosworth, un dato que muestra hasta dónde había llegado su carrera antes de probar suerte en la Indy. En Indianápolis ya tenía experiencia. En la edición de 1980 largó 20.º y abandonó por problemas de turbo, mientras que en 1981 partió 8.º, llegó a liderar una vuelta y terminó fuera por accidente en la vuelta 141, según los registros históricos oficiales del Indianapolis Motor Speedway. Pero 1982 era otro mundo. Los autos de Indy, empujados por la aerodinámica de efecto suelo y motores cada vez más potentes, estaban entrando en una era de velocidades extremas. En ese contexto, Smiley salió a pista con el auto número 35 de Intermedics. En la curva, el coche se descontroló, corrigió bruscamente y terminó impactando casi de frente contra el muro a una velocidad cercana a las 200 millas por hora, cerca de 320 km/h. Autoweek recuerda que Smiley fue el primer piloto muerto en Indianápolis desde 1973 y que, hasta hoy, sigue siendo el último fallecido durante una clasificación en esa pista. La tragedia ocurrió apenas una semana después de la muerte de Gilles Villeneuve en la clasificación del Gran Premio de Bélgica de Fórmula 1, en Zolder. Aquella seguidilla de accidentes dejó al descubierto una verdad incómoda: los autos se habían vuelto velocísimos, pero la seguridad todavía no avanzaba al mismo ritmo. Con el tiempo, el automovilismo comenzó a cambiar. La investigación de accidentes, la mejora de los habitáculos, los materiales más resistentes y los monocascos de fibra de carbono se volvieron parte central de la evolución técnica. McLaren ya había iniciado esa revolución en la Fórmula 1 con el MP4/1, el primer auto ganador con estructura compuesta de fibra de carbono, una tecnología que marcaría el futuro de la seguridad en los monoplazas. La muerte de Gordon Smiley quedó grabada como una de las advertencias más duras de la historia del deporte motor. No fue solo el final de un piloto veloz y ambicioso: fue una señal brutal de que la búsqueda de récords necesitaba ir acompañada por una transformación profunda en la protección de quienes se sentaban al volante. Aquel 15 de mayo de 1982, Indianápolis dejó de hablar solamente de velocidad. Empezó a hablar, también, de supervivencia. #MendozAntigua #GordonSmiley #Indianapolis500 #Indy500 #IndianapolisMotorSpeedway #Automovilismo #HistoriaDelAutomovilismo #DeporteMotor #IndyCar #RacingHistory #MotorsportHistory #Formula1 #GillesVilleneuve #SeguridadAutomovilistica #VelocidadYRiesgo #EfemeridesDeportivas #VintageRacing #AutoRacing #MotorsportSafety #RacingLegends
Paraguay 15 de Mayo de 1811: la noche en que un puñado de jóvenes desafió al Imperio y encendió una patria libre
El 15 de mayo de 1811 quedó marcado como uno de los días fundacionales de la historia paraguaya. En Asunción, durante la noche del 14 y la madrugada del 15, un grupo de jóvenes oficiales criollos dio el paso decisivo que abrió el camino hacia la independencia del Paraguay. La Secretaría Nacional de Cultura del Paraguay recuerda que aquella revolución fue el primer paso para la creación de un Paraguay independiente y que sus protagonistas eran en su mayoría hombres muy jóvenes, de entre veinte y veintiocho años. El contexto era explosivo. España estaba sacudida por la invasión napoleónica y por la caída de Fernando VII; Buenos Aires, desde la Revolución de Mayo de 1810, buscaba extender su influencia sobre las antiguas provincias del Virreinato; y en Paraguay crecía el rechazo a las presiones externas, a las trabas comerciales y al gobierno del español Bernardo de Velasco. La crisis no venía de un solo frente: llegaba desde Europa, desde Buenos Aires y desde el propio malestar interno paraguayo. La noche del 14 de mayo, los revolucionarios se movieron con rapidez. Entre los nombres centrales aparecen Pedro Juan Caballero, Vicente Ignacio Iturbe, Juan Bautista Rivarola, Mauricio José Troche y otros patriotas. Según la Secretaría Nacional de Cultura paraguaya, aquel grupo tomó los principales cuarteles de Asunción y, en la madrugada del día 15, presentó una nota al gobernador Velasco exigiendo la entrega de armas, dinero y documentos oficiales. El Archivo Nacional de Asunción conserva documentos fundamentales de esa jornada, entre ellos la nota de Pedro Juan Caballero al gobernador Bernardo de Velasco, fechada el 15 de mayo de 1811, en la que se solicitaba la entrega de la plaza, armamentos y otras medidas decisivas para asegurar el control del movimiento revolucionario. Velasco terminó cediendo. No fue apartado de inmediato, pero su autoridad quedó herida de muerte. El 16 de mayo se formó un gobierno provisorio integrado por el propio Velasco, José Gaspar Rodríguez de Francia y Juan Valeriano Zevallos. Como ocurrió en otros procesos americanos, todavía se juró fidelidad formal a Fernando VII: una maniobra política para ganar tiempo y evitar una reacción inmediata de las fuerzas realistas. Pero el proceso ya no tenía retorno. Lo que había comenzado como una acción cívico-militar en Asunción terminó abriendo el camino a una independencia singular: Paraguay no quiso quedar sometido ni a España ni a Buenos Aires. Educ.ar resume ese punto clave al señalar que Paraguay se emancipó y se convirtió en uno de los primeros países latinoamericanos en organizarse como nación independiente. Por eso el 14 y 15 de mayo de 1811 no recuerdan solo una fecha patria. Recuerdan una decisión histórica: la de un pueblo que eligió gobernarse a sí mismo. Sin grandes ejércitos extranjeros, sin una batalla sangrienta en la capital y sin esperar permiso de nadie, Paraguay empezó a escribir su propio destino. Aquella madrugada, entre campanas, cuarteles, documentos y ultimátums, nacía una certeza que ya no podría apagarse: Paraguay quería ser libre. #IndependenciaDelParaguay #Paraguay1811 #HistoriaParaguaya #PedroJuanCaballero #VicenteIgnacioIturbe #FulgencioYegros #BernardoDeVelasco #Asunción #PatriaLibre #HistoriaLatinoamericana #MendozAntigua #ParaguayanIndependence #ParaguayHistory #LatinAmericanHistory #Freedom #IndependenceDay #HistoricMemory #SouthAmericanHistory
El 15 de Mayo de 2004, en Madrid, España fallecía Narciso Ibáñez Menta: el hombre que convirtió el miedo en arte y dejó una sombra eterna en la TV argentina
El 15 de mayo de 2004, en Madrid, se apagaba la vida de Narciso Ibáñez Menta, una de las figuras más extraordinarias del teatro, el cine y la televisión en lengua española. Había nacido en Sama de Langreo, Asturias, el 25 de agosto de 1912, y murió a los 91 años, dejando una huella imborrable en la cultura argentina y española. Hijo del actor Narciso Ibáñez y de la cantante Consuelo Menta, creció entre escenarios. Fue un niño prodigio: en la Argentina lo conocieron como “Narcisín”, aquel pequeño artista que cantaba, bailaba, recitaba e interpretaba con una seguridad asombrosa. Debutó en Buenos Aires en 1919, con apenas siete años, en la zarzuela Los granujas, en el Teatro de la Comedia. Pero el niño prodigio se transformaría con el tiempo en algo mucho más poderoso: un artesano del miedo. Admirador del arte de la caracterización, aprendió maquillaje, gestualidad, climas y silencios hasta convertirse en un actor capaz de cambiar de rostro, de voz y de alma ante el público. En la Argentina desarrolló una etapa decisiva de su carrera: entre 1931 y 1963 se radicó en el país, donde trabajó intensamente en teatro y llegó a afirmar que se sentía no solo un actor argentino, sino también “un hombre argentino”. En los escenarios llevó adelante obras clásicas y modernas como Fausto, Muerte de un viajante, Manos sucias, El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde y El fantasma de la ópera. En 1934 se casó con la actriz argentina Josefina “Pepita” Serrador Marí, madre de su único hijo, Narciso Ibáñez Serrador, el recordado “Chicho”, con quien compartiría páginas fundamentales de la televisión de suspenso. Su nombre también quedó ligado al cine argentino. Participó en películas como Una luz en la ventana, La bestia debe morir y Obras maestras del terror. El sitio Cine Nacional registra su participación en 31 películas argentinas o coproducciones, mientras que el Archivo Lumiton recuerda que Una luz en la ventana es considerada la primera película argentina de terror y marcó su debut cinematográfico como protagonista. Pero fue en la televisión donde se volvió leyenda. En Canal 7 brilló con ciclos como Los malditos de la historia y Obras maestras del terror. Luego llegarían títulos inolvidables como El hombre que volvió de la muerte, Otra vez Drácula, El Robot y El pulpo negro. Su figura quedó asociada para siempre a una forma de terror elegante, teatral, psicológico y profundamente humano: no necesitaba gritos ni efectos excesivos; le bastaba una mirada, una pausa, una puerta entreabierta. También trabajó en España junto a su hijo en producciones que marcaron época. Historias para no dormir, emitida por TVE entre 1965 y 1970, se convirtió en un clásico del terror televisivo, y episodios como El asfalto siguen siendo recordados como piezas inquietantes de la televisión iberoamericana. Narciso Ibáñez Menta fue uno de los primeros artistas reconocidos con el Premio Martín Fierro y en 1981 recibió el Diploma al Mérito Konex como uno de los cinco mejores actores dramáticos de radio y televisión de la historia argentina. Su grandeza no estuvo solo en asustar. Estuvo en comprender que el verdadero terror no nace del monstruo visible, sino de la espera, del silencio, de la sombra que se mueve lentamente. Por eso su legado sigue vivo: porque Narciso Ibáñez Menta no actuaba el miedo. Lo construía. Lo respiraba. Lo convertía en arte. #NarcisoIbáñezMenta #MaestroDelTerror #HistoriaDeLaTV #TelevisiónArgentina #CineArgentino #TeatroArgentino #ObrasMaestrasDelTerror #ElHombreQueVolvióDeLaMuerte #ElPulpoNegro #HistoriasParaNoDormir #MendozAntigua #HorrorLegend #ArgentineCinema #ClassicHorror #TelevisionHistory #TheatreLegend #SpanishHorror #VintageTV
El 15 de Mayo de 1930, en Córdoba, nacía Juan Carlos Mesa: el cordobés que escribió la risa de la televisión argentina
El 15 de mayo de 1930, en la ciudad de Córdoba, nacía Diego Isidro Mesa, a quien el país conocería para siempre como Juan Carlos Mesa: actor, autor, guionista, humorista, libretista y una de las grandes plumas de la comedia argentina. Su nombre real, fecha de nacimiento y muerte —2 de agosto de 2016— figuran registrados en Todo Tango, que también lo recuerda como letrista, actor y libretista. Mesa empezó en la radio cordobesa, ese territorio donde la imaginación tenía que hacerlo todo: poner la escena, fabricar personajes, crear ritmo y sostener la atención del oyente solo con voces y palabras. En 1956 impulsó “La Troupe de la Gran Vía”, un programa nacido en Córdoba que reflejaba con humor lo que pasaba en la vida urbana de la ciudad y que tuvo gran repercusión. Con el tiempo, aquella gracia cordobesa cruzó definitivamente hacia Buenos Aires. Fue convocado para escribir en televisión y terminó integrando una generación de autores que cambió la manera de hacer humor en la pantalla chica. En Canal 11 trabajó en “Los sueños del gordo Porcel” y luego, junto a Carlos Garaycochea y Jorge Basurto, participó en la creación de “La Matraca”, ciclo que más tarde se mudó a Canal 13. Su firma quedó detrás de algunos de los grandes nombres del humor nacional. Escribió para figuras como Pepe Biondi, Carlos Balá, Alberto Olmedo y Tato Bores, y sus textos acompañaron programas emblemáticos como “La Tuerca”, “Hupumorpo”, “Los Campanelli”, “Mi cuñado” y “Mesa de noticias”. La Prensa lo definió como una figura clave del humor argentino y destacó su rol como autor de ciclos fundamentales de la televisión. Pero Juan Carlos Mesa no fue solamente un hombre que hacía reír: fue un escritor de precisión. Su humor no dependía del golpe fácil ni de la grosería. Trabajaba el equívoco, el absurdo, la ternura, la exageración y el juego verbal. En una entrevista publicada por La Nación, él mismo recordaba su amor por la poesía, la literatura y la escritura, y explicaba que siempre buscó un humor sin agresión gratuita ni vulgaridad. En 1983 llegó uno de sus mayores éxitos: “Mesa de noticias”, donde además de escribir también actuó. Aquel programa instaló personajes, frases, estilos y situaciones que quedaron en la memoria popular. Después vendrían otros trabajos, como “El gordo y el flaco”, junto a Gianni Lunadei, y participaciones en ficciones como “Primicias”, de Pol-ka, donde interpretó a Américo Baigorria. También dejó huella en el cine, con guiones para películas como “El veraneo de los Campanelli”, “El picnic de los Campanelli”, “Los colimbas se divierten”, “Rambito y Rambón primera misión” y “Los colimbas al ataque”. Su obra atravesó radio, televisión, cine, teatro y café concert, convirtiéndolo en una verdadera usina creativa del espectáculo argentino. En 1997 regresó a Córdoba y volvió a la radio con “El despertador”, ciclo por el que obtuvo importantes reconocimientos, entre ellos premios Martín Fierro. Era, de algún modo, el regreso al origen: la palabra al aire, el oído del público, la gracia cordobesa convertida en compañía diaria. Juan Carlos Mesa murió el 2 de agosto de 2016, a los 86 años, dejando una marca enorme en la cultura popular. Fue uno de esos artistas que parecen haber estado siempre: detrás de un sketch, de una frase, de una escena familiar, de un personaje inolvidable o de una carcajada compartida frente al televisor. Porque Mesa no solo escribió humor. Escribió una parte de la memoria afectiva de la televisión argentina. #JuanCarlosMesa #HumorArgentino #TelevisiónArgentina #ComediaArgentina #MesaDeNoticias #LaTuerca #LosCampanelli #TatoBores #PepeBiondi #CarlosBalá #AlbertoOlmedo #CórdobaArgentina #HistoriaDeLaTV #MendozAntigua #ArgentineComedy #ArgentineTV #ClassicTV #ComedyLegend #TVHistory #LatinAmericanTelevision
El 15 de Mayo de 1925, en Las Garzas, Provincia de Santa Fe, nacía Horacio Guarany: el cantor que desafió al silencio y convirtió al folclore en bandera popular
El 15 de mayo de 1925, en Las Garzas, provincia de Santa Fe, nacía Eraclio Catalín Rodríguez Cereijo, el hombre que el país conocería como Horacio Guarany. No fue solo un cantor: fue una voz áspera, sentimental y combativa que llevó al folclore argentino desde los caminos polvorientos hasta los grandes escenarios. Nacido en el corazón del chaco santafesino, creció marcado por la vida dura del monte, la pobreza rural y la memoria de los trabajadores explotados en tiempos de La Forestal. La Secretaría de Cultura de la Nación recuerda que aquellas penurias familiares quedarían grabadas en su sensibilidad y, años después, alimentarían muchas de sus canciones. Desde muy joven sintió que el canto era destino. Aprendió guitarra y payada, y a los 17 años se fue a Buenos Aires para probar suerte. Vivió en pensiones, trabajó en oficios humildes y cantó en bares de La Boca, mientras buscaba abrirse camino con una voz que parecía venir del monte, del vino, de la tristeza y de la rebeldía. Su carrera comenzó a tomar fuerza cuando se acercó a músicos paraguayos y empezó a cantar también en guaraní. En 1957, su interpretación de “El mensú”, de Ramón Ayala, lo instaló definitivamente en la radio y lo acercó a una temática que lo acompañaría siempre: la vida de los trabajadores, los olvidados, los perseguidos y los pueblos explotados. En 1961 pisó por primera vez el escenario del Festival Nacional de Cosquín, el mismo año de su nacimiento, y desde entonces se convirtió en una presencia legendaria de la plaza Próspero Molina. Allí crecieron canciones como “Guitarra de medianoche”, “Milonga para mi perro”, “Piel morena”, “Regalito” y la inmortal “Si se calla el cantor”. Guarany fue mucho más que un intérprete de canciones: fue poeta, guitarrero, escritor, actor y símbolo popular. La Fundación Konex destaca que grabó más de 80 discos y compuso más de 600 canciones, una obra enorme que lo ubica entre los grandes nombres de la música argentina. Pero su vida también estuvo atravesada por la persecución. Por sus ideas políticas y por el contenido social de su canto, recibió amenazas, sufrió atentados y debió exiliarse en la década de 1970. Algunas de sus canciones fueron censuradas durante la dictadura, y sus discos desaparecieron de radios y catálogos. Aun así, volvió al país en 1978 y siguió cantando, aun bajo amenazas. Con el regreso de la democracia, su figura recuperó fuerza. Volvió a los escenarios, a la televisión, a los festivales y al contacto directo con un público que nunca lo había olvidado. En 1985 recibió el Premio Konex de Platino como cantante masculino de folclore, y en 2014 fue reconocido con el Konex a la Trayectoria. Horacio Guarany murió el 13 de enero de 2017, en Luján, a los 91 años. Pero su voz sigue viva cada vez que alguien canta una zamba, una milonga o una canción de protesta con el corazón encendido. Porque Guarany no cantaba para adornar el silencio. Cantaba para romperlo. #HoracioGuarany #FolcloreArgentino #SiSeCallaElCantor #MúsicaPopular #CantorDelPueblo #Cosquín #HistoriaArgentina #CulturaArgentina #LasGarzas #SantaFe #MendozAntigua #ArgentineFolklore #FolkMusic #LatinAmericanMusic #ArgentineCulture #PeopleSinger #MusicHistory #ProtestSong
jueves, 14 de mayo de 2020
Imágenes de Abraham Lincoln, el Primer Presidente de los Estados Unidos ...
Abraham Lincoln, el decimosexto presidente de los Estados Unidos, fue el primer presidente en ser ampliamente fotografiado. Las siguientes imágenes son algunas de las icónicas que ayudan a documentar su vida, desde sus primeros años en la política hasta su ascenso a la presidencia.
Estación de Servicio YPF, autorizada. En el lugar más céntrico del departamento de Tunuyan. Propietario Felipe Martín (1942) Provincia de Mendoza
Talleres con mecánicos expertos para cualquier trabajo. Repuestos para todo género de coches. Servicio nocturno permanente
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