jueves, 14 de mayo de 2020
La Edad de Oro Holandesa: Hermosas Pinturas de Johannes Vermeer a Mediad...
Johannes Vermeer (1632-1675) fue un pintor del período barroco holandés que se especializó en escenas interiores domésticas de la vida de clase media. Fue un pintor de género provincial moderadamente exitoso en su vida, pero evidentemente no era rico, dejando a su esposa e hijos endeudados con su muerte, tal vez porque produjo relativamente pocas pinturas.
Vermeer trabajó lentamente y con mucho cuidado, y con frecuencia usaba pigmentos muy caros. Es particularmente conocido por su tratamiento magistral y el uso de la luz en su trabajo.
“Casi todas sus pinturas están aparentemente ubicadas en dos habitaciones pequeñas en su casa en Delft; muestran los mismos muebles y decoraciones en varios arreglos y a menudo representan a las mismas personas, en su mayoría mujeres ". Vermeer fue reconocido durante su vida en Delft y La Haya, pero su modesta celebridad dio paso a la oscuridad después de su muerte. En el siglo XIX, fue redescubierto por Gustav Friedrich Waagen y Théophile Thoré-Bürger, quienes publicaron un ensayo que le atribuye 66 cuadros, aunque solo 34 cuadros se le atribuyen universalmente hoy. Desde entonces, la reputación de Vermeer ha crecido, y ahora es reconocido como uno de los más grandes pintores de la Edad de Oro holandesa. Al igual que algunos artistas holandeses importantes de la Edad de Oro, como Frans Hals y Rembrandt, Vermeer nunca fue al extranjero. Al igual que Rembrandt, fue un ávido coleccionista de arte y comerciante.
Estas increíbles fotos de hermosas pinturas son parte del trabajo de Vermeer entre las décadas de 1650 y 1670.
El 14 de Mayo de 2015, en Las Vegas, EEUU, moría B.B. King: el hombre que hizo llorar a Lucille y convirtió el blues en idioma universal
El 14 de mayo de 2015, en Las Vegas, murió B.B. King, el legendario “Rey del Blues”, uno de los guitarristas y cantantes más influyentes del siglo XX. Tenía 89 años y dejaba una obra inmensa, marcada por una forma única de tocar: pocas notas, vibrato inconfundible y una emoción capaz de atravesar cualquier frontera. Britannica lo define como una figura principal en el desarrollo del blues y una influencia decisiva para generaciones de músicos populares. Había nacido el 16 de septiembre de 1925, cerca de Itta Bena, Mississippi, con el nombre de Riley B. King. Creció en el Delta, entre el trabajo duro, la pobreza rural, el gospel de la iglesia y el sonido profundo de los campos algodoneros. Esa mezcla de dolor, fe y resistencia sería la base emocional de toda su música. De joven trabajó en tareas agrícolas y comenzó a cantar y tocar la guitarra en iglesias y radios locales. Su destino cambió cuando llegó a Memphis, una ciudad clave para el blues. Allí trabajó como disc jockey en la emisora WDIA, donde recibió el apodo de “Blues Boy”, luego abreviado simplemente como B.B. King. Su carrera despegó en los años cincuenta con “Three O’Clock Blues”, su primer gran éxito. Desde entonces, King no dejó de grabar, viajar y presentarse. Llegó a tocar cientos de conciertos por año, convirtiendo el escenario en su verdadera casa. Su guitarra, Lucille, se volvió inseparable de su leyenda: no era solo un instrumento, era una voz paralela, una extensión de su alma. La historia de Lucille nació en un incendio durante una actuación en Arkansas. Dos hombres pelearon por una mujer llamada Lucille y el local comenzó a arder. King logró salir, pero volvió a entrar para rescatar su guitarra. Desde entonces decidió llamar Lucille a sus guitarras, como recordatorio de no arriesgar la vida por una pelea ajena. Esa anécdota terminó convirtiéndose en uno de los mitos más conocidos del blues En 1964, grabó en Chicago el histórico álbum “Live at the Regal”, una obra considerada esencial para entender su fuerza en vivo. Luego, en 1969, su versión de “The Thrill Is Gone” lo acercó a nuevas audiencias y le dio su primer Grammy. Con el tiempo alcanzaría 15 premios Grammy y 30 nominaciones, además de recibir el Grammy a la trayectoria en 1987. Ese mismo año, 1987, fue incorporado al Rock and Roll Hall of Fame, confirmando que su influencia ya no pertenecía solo al blues: también había moldeado el lenguaje del rock, el soul y la música popular moderna. El propio Salón de la Fama lo presenta como el “King of the Blues” y destaca su capacidad de unir públicos a través de una música nacida del dolor y transformada en belleza. B.B. King compartió escenarios con leyendas, abrió conciertos para los Rolling Stones en 1969 y llevó el blues a públicos que quizá nunca se habían acercado a ese género. El Museo B.B. King recuerda que también fue incorporado al Blues Foundation Hall of Fame en 1984 y que recibió doctorados honorarios y reconocimientos de numerosas instituciones. Hasta sus últimos años siguió tocando, viajando y defendiendo una idea simple pero poderosa: el blues no era tristeza pura, sino una manera de sobrevivir a la tristeza. Por eso su música suena como una conversación entre la herida y la esperanza. El 14 de mayo de 2015 se apagó Riley B. King, pero no se apagó Lucille. Cada nota larga, cada silencio exacto y cada frase de guitarra que parece responderle a una voz humana siguen recordando que B.B. King no solo tocó blues: lo convirtió en una forma universal de sentir.
El 14 de Mayo de 1944 en California, EEUU, nacía George Walton Lucas. (EH)
Desde muy joven su sueño era ser piloto de carreras, pero al finalizar la secundaria sufrió un grave accidente que casi le cuesta la vida, por lo que cambió su destino e ingresó a la carrera de cine, donde se destacó de inmediato, presentó algunos cortos y ganó una beca para ser aprendiz de Francis Ford Coppola. Coppola vio en Lucas la gema de un mago y le produjo su primera película, una idea original de George, "THX 1138" una película subterránea en línea argumental de "Un mundo feliz" y "1984", Lucas fundó "Lucasfilm Ltd" y realizó su pequeña pero no menos importante "American Graffiti". En 1974 se embarcó el gran proyecto de su vida, "Star Wars", debido a la exigencia técnica que requería la historia, hubo que "reinventar el cine", el mismo Lucas fundó "ILM", “Industrial, Light & Magic”, que en solo 2 años realizó el salto tecnológico mas importante de la historia del cine. Con "Star Wars" la industria del cine cambió por completo, las salas debieron ser remodeladas, fue la primera película sin créditos en el comienzo y la de mayor cantidad de copias en circulación. Cuando el proyecto estaba listo lo presentó a la Twentiethy Century Fox que dudaba de su viabilidad, Lucas propuso renunciar a su salario a cambio del 40% de la facturación de la película y los derechos del merchandising, Fox aceptó creyendo hacer un buen trato, gran sorpresa se llevaron cuando tuvieron que compartir los millonarios dividendos que transformaron a Lucas en el mejor pago de la historia del cine. Lucas paso de ser un desconocido, al gurú de la industria, ya no necesitó que un estudió le financie un film, el se encargó con su propio dinero de completar la saga "Star Wars", todos se querían asociar con él, pero eligió a su amigo Steven Spielberg, para dirigir su siguiente proyecto, la trilogía de "Indiana Jones" e hizo con la Paramount el mismo trato que con la Fox. Se dedicó a la producción de películas de fantasía hasta que su empresa “ILM” realizó “Jurassic Park”, entonces decidió que estaba en condiciones técnicas de llevar a la pantalla sus proyectos pendientes, el resultado son la segunda trilogía de “Star Wars”, “The Phantom Menace”, “Attack of the Clones” y “Revenge of the Sith”. Su obra esta ligada a las fantasías de 3 generaciones de jóvenes que crecieron y desarrollaron sus sueños en escenarios diseñados en su mente. Influiría en la vida de millones de personas, abriendo las puertas de la imaginación y la magia, los personajes de sus planetas lejanos adornan los dormitorios de millones de niños en todo el mundo. La venta de “Lucasfilm Ltd” a la Disney para la realización de una nueva trilogía de Star Wars bajo su supervisión nos garantiza que “El sueño continua”.
14 de Mayo de 2003, muere Dante Quinterno: el hombre que dibujó a Patoruzú y convirtió la historieta argentina en leyenda
El 14 de mayo de 2003, en Buenos Aires, murió Dante Raúl Quinterno, uno de los grandes pioneros de la historieta y la animación argentina. Tenía 93 años y dejaba detrás un universo gráfico que marcó a generaciones: Patoruzú, Isidoro Cañones, Patoruzito, Upa, la Chacha, Patora y Pampero, personajes que pasaron del papel a la memoria popular. La imagen adjunta lo muestra rodeado de figuras de sus criaturas más famosas, como si el creador estuviera acompañado por ese mundo propio que había nacido de su imaginación. Allí está la clave de su legado: Quinterno no solo dibujó personajes, construyó una mitología criolla. Había nacido en Buenos Aires el 26 de octubre de 1909, dentro de una familia de origen piamontés vinculada a la zona rural de San Vicente, donde sus antepasados se dedicaron al cultivo de frutales. Desde chico mostró una inclinación evidente por el dibujo. La Secretaría de Cultura recuerda que su primera colaboración en un medio apareció cuando tenía apenas 9 años, en una sección infantil de Caras y Caretas. Más tarde se formó cerca de figuras decisivas como Diógenes “el Mono” Taborda y Arturo Lanteri, pioneros del humor gráfico nacional. Su debut profesional llegó en 1925 con la tira “Panitruco”. Luego vendrían “Don Fermín”, “Un porteño optimista” y “Las aventuras de Don Gil Contento”. En 1928, dentro de esa última historieta publicada en el diario Crítica, apareció por primera vez un personaje de nombre casi imposible: Curugua Curuguagüigua. Poco después sería rebautizado como Patoruzú, nombre inspirado en una golosina de la época llamada Pasta de Orozú. Aquel cacique tehuelche ficticio, noble, fuerte, generoso y justiciero, se convirtió en uno de los grandes símbolos de la historieta argentina. La Secretaría de Cultura lo define como uno de los héroes ficcionales más importantes del país, y La Nación señaló que Patoruzú logró instalarse en la vida cotidiana de varias generaciones. El éxito fue enorme. En 1936, Quinterno lanzó la revista Patoruzú, que agotó rápidamente su primera tirada. Más tarde, el universo se expandió con personajes como Isidoro Cañones, el vividor porteño que funcionaba como contrapunto perfecto de la nobleza de Patoruzú, y Patoruzito, la versión infantil del cacique. En los años 50, la revista llegó a vender cerca de 300.000 ejemplares semanales, una cifra impresionante para el mercado editorial argentino. Quinterno también fue un pionero de la animación. Viajó a Estados Unidos para estudiar producción de dibujos animados y tomó contacto con los estudios Fleischer y con Walt Disney. A su regreso impulsó “Upa en apuros”, estrenada el 20 de noviembre de 1942, considerada el primer dibujo animado cinematográfico en colores realizado en Argentina y en la región. El proyecto había nacido con la ambición de ser un largometraje, pero la falta de película virgen durante la Segunda Guerra Mundial obligó a reducirlo. Además de dibujante, Quinterno fue empresario editorial y productor agropecuario. Fundó un verdadero imperio alrededor de sus personajes y también creó “Dinámica Rural”, publicación vinculada a su otra gran pasión: el campo. Con el tiempo se alejó del primer plano público, pero siguió controlando la producción y el destino de sus creaciones desde la editorial. Dante Quinterno fue reservado, meticuloso y casi misterioso. Dio muy pocas entrevistas, evitó la exposición y prefirió que hablaran sus dibujos. Pero su obra habló fuerte: llevó la historieta argentina a una escala masiva, creó personajes inolvidables y abrió un camino entre el humor gráfico, la industria editorial y la animación. Murió el 14 de mayo de 2003, pero Patoruzú sigue galopando en la memoria cultural argentina. Porque Quinterno no solo inventó un personaje: dibujó una parte profunda, contradictoria y entrañable del imaginario nacional. #MendozAntigua #DanteQuinterno #Patoruzú #IsidoroCañones #Patoruzito #UpaEnApuros #HistorietaArgentina #ComicArgentino #HumorGráfico #DibujoAnimadoArgentino #CulturaArgentina #Efemérides #BuenosAires #MemoriaPopular #ArgentineComics #ComicHistory #AnimationHistory #ArgentineCulture #ClassicComics #CulturalHeritage
miércoles, 13 de mayo de 2020
Mujeres de la Década de 1950 eran más Geniales de lo que Sabíamos
Estas instantáneas muestran que las mujeres de la década de 1950 eran geniales.
El 13 de Mayo de 1930, en Lysaker, moría el hombre que venció al hielo y después salvó vidas: Fridtjof Nansen, el gigante noruego que convirtió la aventura en humanidad
El 13 de mayo de 1930, en Lysaker, cerca de Oslo, moría Fridtjof Wedel-Jarlsberg Nansen, uno de los personajes más extraordinarios de la historia noruega: explorador polar, científico, oceanógrafo, diplomático y humanitario. Había nacido el 10 de octubre de 1861, en la antigua Kristiania —hoy Oslo—, y desde joven combinó una rara mezcla de disciplina intelectual, resistencia física y espíritu aventurero. Britannica lo define como explorador, oceanógrafo, estadista y humanitario, reconocido por sus expediciones al Ártico y por su labor internacional después de la Primera Guerra Mundial. Antes de convertirse en leyenda, Nansen fue científico. Estudió zoología, trabajó en el Museo de Bergen y realizó investigaciones sobre el sistema nervioso de animales marinos. Su formación académica no fue un detalle menor: esa mirada científica lo acompañó siempre, incluso cuando se internó en los hielos. Para él, explorar no era solo conquistar territorios desconocidos, sino observar, medir, comprender y dejar conocimiento. Britannica recuerda que sus trabajos sobre histología y sistema nervioso fueron considerados pioneros y que luego orientó gran parte de su carrera hacia la oceanografía. Su primera gran hazaña llegó en 1888, cuando lideró la travesía del casquete helado de Groenlandia. En lugar de avanzar desde la zona habitada hacia el interior, eligió comenzar desde la costa oriental, una decisión extrema: al cortar la posibilidad de retirada, el grupo solo podía seguir adelante. Cruzaron el hielo entre tormentas, frío intenso y aislamiento, y debieron pasar el invierno en Godthåb, actual Nuuk, donde Nansen estudió la vida de los inuit. De aquella experiencia nacieron obras que marcaron la literatura de exploración polar, como The First Crossing of Greenland y Eskimo Life. Pero su nombre entró definitivamente en la historia con la expedición del Fram, el barco diseñado para no ser destruido por la presión del hielo, sino para elevarse sobre él. Nansen partió en 1893 con la audaz idea de dejar que la nave quedara atrapada en la banquisa y derivara lentamente a través del océano Ártico. El plan parecía una locura, pero era ciencia aplicada al límite. El Fram, construido según sus ideas, resistió la presión del hielo, y Nansen, junto a Hjalmar Johansen, intentó alcanzar el Polo Norte con trineos, perros y kayaks. No llegaron al polo, pero alcanzaron los 86°14’ norte, la latitud más septentrional lograda hasta entonces por un ser humano. A su regreso, Noruega lo recibió como a un héroe. Sin embargo, Nansen no quedó atrapado en su propia gloria. Continuó investigando, enseñando y escribiendo. Fue profesor en la Universidad de Kristiania y realizó importantes aportes a la oceanografía física, especialmente en el estudio de las corrientes marinas, las aguas del Ártico y la formación de aguas profundas. Su vida parecía suficiente para una leyenda científica, pero aún faltaba su etapa más humana. En 1905, durante el proceso de separación entre Noruega y Suecia, Nansen participó activamente en la vida política de su país. Aunque muchos lo veían como una figura capaz de encarnar el futuro nacional, apoyó la instauración de la monarquía constitucional y fue nombrado primer ministro de Noruega en Londres entre 1906 y 1908. Durante la Primera Guerra Mundial, también negoció en Estados Unidos el abastecimiento de productos esenciales para Noruega. Después de la guerra, su prestigio mundial fue puesto al servicio de una causa inmensa: rescatar seres humanos. La Sociedad de las Naciones le encargó la repatriación de prisioneros de guerra dispersos tras el conflicto. Según Britannica, la tarea involucraba a cerca de 500.000 prisioneros, y Nansen informó en 1922 que 427.886 habían sido repatriados. El Nobel Prize señala que su labor incluyó el intercambio de unos 400.000 prisioneros entre Rusia, Alemania y el antiguo Imperio austrohúngaro. Su nombre quedó unido para siempre al “Pasaporte Nansen”, un documento creado en 1922 para personas desplazadas y apátridas, que les permitía cruzar fronteras, buscar trabajo y reconstruir una vida cuando ya no tenían patria que los reconociera. ACNUR recuerda que ese documento fue uno de los antecedentes históricos más importantes de los actuales documentos de viaje para refugiados. También intervino en la terrible hambruna que golpeó a Rusia entre 1921 y 1922. Trabajó junto a la Cruz Roja y otras organizaciones para llevar ayuda a millones de personas afectadas por el hambre. Por esa combinación de eficacia, coraje moral y compromiso con los desplazados, los hambrientos y los prisioneros, recibió el Premio Nobel de la Paz en 1922. La motivación oficial del Nobel fue su papel en la repatriación de prisioneros de guerra, la ayuda internacional y su tarea como Alto Comisionado de la Sociedad de las Naciones para los refugiados. Fridtjof Nansen murió el 13 de mayo de 1930, pero su legado siguió vivo. Varias islas, regiones árticas e instituciones llevan su nombre, y el Nansen International Office for Refugees, creado después de su muerte, obtuvo el Premio Nobel de la Paz en 1938. Pocos hombres lograron unir de forma tan poderosa la aventura, la ciencia y la compasión. Nansen no fue solo el explorador que desafió al hielo: fue el hombre que entendió que la mayor frontera no estaba en el Polo Norte, sino en la capacidad humana de ayudar a quienes habían perdido todo. #FridtjofNansen #Nansen #Historia #Efemerides #Noruega #Exploradores #PoloNorte #Fram #PremioNobelDeLaPaz #Refugiados #PasaporteNansen #HistoriaMundial #MendozAntigua #History #WorldHistory #Norway #PolarExplorer #ArcticExploration #NobelPeacePrize #Humanitarian #Refugees #NansenPassport
13 de Mayo de 1981, el disparo que estremeció al Vaticano: el día en que Juan Pablo II sobrevivió al odio y respondió con perdón
El 13 de mayo de 1981, la Plaza San Pedro pasó en segundos de la emoción religiosa al espanto. Durante la audiencia general, mientras el papa Juan Pablo II recorría la plaza en un vehículo abierto y saludaba a los fieles, el turco Mehmet Ali Ağca abrió fuego contra él. Según la cronología oficial de la Santa Sede, el ataque ocurrió a las 17:19 y el pontífice, gravemente herido, fue trasladado al Policlínico Gemelli, donde debió ser operado durante seis horas. Ağca disparó en medio de una multitud que no alcanzó a comprender de inmediato lo que estaba ocurriendo. La escena fue caótica: gritos, corridas, custodios abalanzándose sobre el vehículo y una plaza paralizada por el miedo. Vatican News recuerda que, tras los disparos, Juan Pablo II cayó ensangrentado en brazos de su secretario y comenzó una carrera desesperada hacia el hospital, mientras el mundo seguía las noticias con angustia. El atentado no solo sacudió a la Iglesia Católica: también abrió una de las investigaciones más enigmáticas de la Guerra Fría. Durante años se habló de posibles conexiones con redes turcas, mafias internacionales, servicios secretos búlgaros e incluso intereses soviéticos. Sin embargo, esa llamada “pista búlgara” debe contarse con cautela: documentos del Departamento de Estado de Estados Unidos señalaban ya en 1982 que las afirmaciones de Ağca sobre un complot búlgaro no estaban confirmadas y advertían que el atacante había caído en contradicciones y mentiras durante la investigación. Lo que sí quedó grabado para siempre fue la reacción del propio Juan Pablo II. Apenas cuatro días después del ataque, desde su cama del hospital Gemelli, pidió rezar por “el hermano que me disparó” y dijo que lo había perdonado sinceramente. Años más tarde, el 27 de diciembre de 1983, el papa visitó a Ağca en la cárcel romana de Rebibbia. La conversación fue privada, sin micrófonos, pero la imagen del pontífice sentado frente al hombre que quiso matarlo recorrió el mundo como uno de los gestos de perdón más impactantes del siglo XX. El episodio también quedó unido a la devoción de Juan Pablo II por la Virgen de Fátima. El atentado ocurrió un 13 de mayo, fecha vinculada a la primera aparición de Fátima en 1917. El Vaticano señala que, tras sobrevivir, el papa pidió conocer el texto del llamado “tercer secreto” de Fátima, y años después interpretó su supervivencia con una frase que se volvió célebre: una “mano materna” habría guiado el camino de la bala. En junio de 2000, el presidente italiano Carlo Azeglio Ciampi concedió el indulto a Ağca, quien fue enviado a Turquía para cumplir condenas pendientes por delitos anteriores. La Santa Sede registró que Juan Pablo II expresó satisfacción por la clemencia concedida a su agresor. Desde aquel día, la seguridad pontificia cambió para siempre. El atentado marcó el fin de una época en la que los papas podían acercarse a las multitudes con una protección mucho más simple. A partir de entonces, los vidrios blindados, los protocolos estrictos y las comitivas de seguridad se volvieron parte habitual de cada aparición pública. Pero la historia del 13 de mayo de 1981 no se recuerda solamente por los disparos. Se recuerda porque, en medio de una época atravesada por la violencia política, la Guerra Fría y el fanatismo, Juan Pablo II respondió con un gesto inesperado: sobrevivió al odio y eligió el perdón. #JuanPabloII #MehmetAliAgca #AtentadoAlPapa #PlazaSanPedro #Vaticano #Historia #Efemerides #GuerraFria #Perdon #Fe #Fatima #IglesiaCatolica #MendozAntigua #JohnPaulII #PopeJohnPaulII #Vatican #StPetersSquare #ColdWar #History #Forgiveness #Faith #AssassinationAttempt #WorldHistory
El 13 de Mayo de 1948, en La Habana, Cuba, Nacía un iluminado, un elegido por el destino para trasmitir el arte de las palabras y las escenas, para beneplácito de América Latina, llegaba al mundo "Pepe Cibrián Campoy". (EH)
Ya de muy Joven “Pepito” se convirtió en un gran actor, pero en el “detrás de escena” lo esperaba el éxito, enfrentando a desalmados prejuicios y descalificaciones debido a su sexualidad, se convirtió en el mas destacado productor de grandes musicales y un eximio director de teatro, como dramaturgo adaptó famosos textos de la literatura, tanto para grandes producciones como para contundentes unipersonales. Su abnegada lucha por los derechos de las minorías lo colocó en un lugar que no buscó, pero acepto con hidalguía, tomó como suya la pelea por la ley de adopción y de matrimonio igualitario, por ello fue invitado a dar sus argumentos a favor de la ley al congreso nacional. En lugar de un discurso político, interpretó el final de su obra “Marica” sobre las últimas horas del poeta español “Federico García Lorca”, provocando el estupor, la emoción y las lágrimas de los asistentes y de los que seguían la sesión por TV, la ley fue finalmente sancionada. Hijo de dos grandes figuras del teatro como José Cibrián y Ana María Campoy, fue en ese ámbito donde cosechó experiencia para volcarla en todo el espectro teatral, su trabajo meticuloso y profesional ya se vio en “Aquí no podemos hacerlo” y “El silencio es salud” pero emergió para el gran público con la superproducción “Drácula” en 1991 con letra de Cibrián y música de Angel Mahler, esta monumental obra musical estuvo 5 temporadas en cartel y fue vista por mas de 2 millones de personas. La formula Cibrián-Mahler se convirtió en marca registrada, y se sucedieron los éxitos y los premios, “El Jorobado de París”, “Las mil y una noches”, “Calígula”, “Otelo”, “Excalibur” y “Dorian Gray” son solo alguno de sus grandes títulos. En 2011 fue declarado ciudadano ilustre de la ciudad de Buenos Aires y en 2012 recibió la mención de honor “Domingo Faustino Sarmiento” que entrega el Honorable Senado de la Nación. Hoy alterna grandes superproducciones detrás de escena y se sube a las tablas para unipersonales avasallantes, la escena Argentina y Latino americana tienen el privilegio de contar con un artista de esta talla.
El 13 de mayo de 1942, en las costas de Miami un submarino alemán hundía al petrolero "Potrero del Llano" provocando que México abandonara su neutralidad y participara activamente en la Segunda Guerra Mundial. (EH)
El 13 de Mayo de 2003, en Buenos Aires, moría un hombre que llevaba el teatro en el corazón, que se movía con comodidad tanto en la comedia como en el drama, ese día se apagaba la vida de Marcos Zucker. (EH)
Nacido el 15 de Febrero de 1921 en el barrio del Abasto en el seno de una humilde y numerosa familia de inmigrantes judío polaca. Tal eran las carencias que solía decir, "En mi hogar, hasta las alegrías se lloraban". A los 6 años fue descubierto por Arturo Capdevila, que lo incorpora al proyecto "Rosa de oro". En su adolescencia comenzó a interpretar a galanes y seductores, pero se hizo conocido por sus papeles de comedia, cuando creó el personaje del "Jubilado Polaco" rompió las barreras del cine y el teatro para formar parte del nuevo fenómeno, la televisión. Su participación en el programa "La tuerca" lo llevó a la más alta consideración del público. En 1977, su hijo Ricardo, integrante de Montoneros, fue secuestrado por un comando militar y aún permanece desaparecido. Este hecho provocó un vuelco en la carrera de Marcos, se dedicó a papeles dramáticos, en los cuales alcanzaba una profundidad y compromiso que afectaban al público, era común ver gente retirándose de la sala del teatro por no poder soportar el clima que se generaba. Filmó más de 50 películas y compartió elenco con grandes luminarias del cine nacional. La edad y los sinsabores le hicieron perder el fuego sagrado y sus ojos se fueron cerrando de a poco, finalmente el brillo se acabó el 13 de Mayo de 2003, sus restos descansan en el Panteón de Actores del Cementerio de la Chacarita.
martes, 12 de mayo de 2020
El 12 de Mayo de 2001, en Moscú, Rusia, fallecía Alexei Tupolev: el ingeniero soviético que desafió al Concorde y llevó la Guerra Fría al cielo supersónico
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El 12 de mayo de 2001 murió en Moscú Alexei Andréyevich Tupolev, uno de los grandes nombres de la ingeniería aeronáutica soviética y heredero de una dinastía que marcó la historia de la aviación mundial. Nacido el 20 de mayo de 1925 en Moscú, fue hijo de Andréi Nikoláyevich Tupolev, el legendario diseñador que dio nombre a una de las oficinas técnicas más importantes de la Unión Soviética. El Instituto de Aviación de Moscú lo recuerda como diseñador aeronáutico, especialista en aerodinámica, académico de la Academia de Ciencias de la URSS, profesor y constructor general de la firma Tupolev. Su carrera comenzó en plena Segunda Guerra Mundial. Durante la evacuación de la familia Tupolev a Omsk, en 1942, Alexei empezó a trabajar en la oficina de diseño dirigida por su padre, cuando todavía era muy joven. Su primera tarea técnica estuvo relacionada con una solución de guerra: una pieza de madera para el fuselaje del Tu-2, pensada para ahorrar metal en un momento en que cada recurso era vital para el frente soviético. Luego estudió en el Instituto de Aviación de Moscú, se graduó en 1949 y regresó definitivamente al mundo de los diseños “Tu”. Desde allí participó en una lista impresionante de proyectos: bombarderos, aviones civiles, aeronaves experimentales, drones de reconocimiento y diseños supersónicos. Su nombre aparece vinculado al Tu-16, al Tu-104, al Tu-114, al Tu-134, al Tu-154, al Tu-160, al Tu-204 y, sobre todo, al avión que lo convirtió en protagonista de una de las carreras tecnológicas más fascinantes del siglo XX: el Tupolev Tu-144. El Tu-144 fue la respuesta soviética al sueño supersónico occidental. Mientras el mundo miraba al Concorde franco-británico, la Unión Soviética buscaba adelantarse y demostrar que también podía dominar los cielos a más del doble de la velocidad del sonido. Britannica señala que el Tu-144 fue diseñado por Andréi Tupolev y su hijo Alexei; realizó su primer vuelo de prueba en diciembre de 1968 y superó la barrera del sonido en junio de 1969. Fue, además, el primer avión de transporte supersónico del mundo. La competencia con el Concorde fue una verdadera batalla simbólica de la Guerra Fría. El Tu-144 voló antes, rompió la barrera del sonido antes y fue presentado como una victoria tecnológica soviética. En Occidente lo apodaron “Concordski”, por su parecido con el Concorde, aunque el avión soviético ya había logrado hitos propios antes que su rival europeo. Radio Free Europe recuerda que el Tu-144 despegó por primera vez el 31 de diciembre de 1968, dos meses antes que el Concorde, y alcanzó velocidades supersónicas en junio de 1969. Pero aquella gloria también tuvo su tragedia. En 1973, durante el Salón Aeronáutico de París, un Tu-144 se estrelló en plena demostración aérea, provocando la muerte de sus seis tripulantes y de ocho personas en tierra. El accidente golpeó duramente al programa soviético y retrasó su desarrollo. Aun así, Tupolev y su equipo continuaron trabajando. El avión volvió a presentarse en París en 1975 y llegó a operar con Aeroflot en la ruta Moscú–Alma Ata, primero con carga y correo y luego con pasajeros, aunque su vida comercial fue breve. La historia del Tu-144 no fue solo la de un avión: fue la de una época en la que dos sistemas políticos competían por demostrar quién llegaba más alto, más rápido y más lejos. El Concorde quedó como ícono occidental; el Tu-144, como el audaz relámpago soviético que quiso conquistar el futuro a toda velocidad. Alexei Tupolev también siguió ligado a proyectos de enorme ambición tecnológica. Bajo su dirección o participación se desarrollaron aeronaves como el bombardero estratégico Tu-160, aviones civiles de nueva generación y diseños experimentales vinculados a combustibles criogénicos y sistemas aeroespaciales reutilizables. El propio Instituto de Aviación de Moscú destaca su participación en numerosos desarrollos de la familia Tupolev, incluidos proyectos supersónicos, estratégicos y aeroespaciales. En el contexto de los años ochenta, la Unión Soviética también impulsó el programa Buran, su respuesta al transbordador espacial estadounidense. Britannica recuerda que Buran realizó un único vuelo no tripulado y automático en 1988, pero el proyecto quedó paralizado por los enormes costos y la crisis final de la URSS. Alexei Tupolev murió el 12 de mayo de 2001, pocos días antes de cumplir 76 años. Dejó atrás una vida dedicada a transformar cálculos, planos y túneles de viento en máquinas capaces de cruzar continentes, romper la barrera del sonido y representar el poder tecnológico de una época. No fue solo el hijo de un apellido legendario. Fue el ingeniero que tomó esa herencia y la empujó hacia el futuro, hasta convertir al cielo en otro campo de batalla de la Guerra Fría. #AlexeiTupolev #Tupolev #Tu144 #Concordski #AviacionSovietica #IngenieriaAeronautica #GuerraFria #HistoriaDeLaAviacion #UnionSovietica #Aeroflot #Buran #Concorde #HistoriaMundial #MendozAntigua #AviationHistory #SovietAviation #ColdWarHistory #SupersonicFlight #TupolevTu144 #EngineeringHistory #AerospaceHistory
El 12 de Mayo de 1986, en la Ciudad de Buenos Aires, moría Alicia Moreau de Justo: la médica rebelde que desafió al patriarcado, peleó por el voto femenino y nunca abandonó la democracia
El 12 de mayo de 1986 murió en Buenos Aires Alicia Moreau de Justo, una de las figuras más poderosas y constantes del feminismo argentino, del socialismo democrático y de la lucha por los derechos humanos. Tenía 100 años y había atravesado casi todo el siglo XX con una lucidez que incomodó a gobiernos, partidos, prejuicios y estructuras hechas para dejar a las mujeres fuera de la historia. Había nacido en Londres el 11 de octubre de 1885, en una familia marcada por el exilio político. Su padre, Armand Moreau, había estado vinculado a las ideas revolucionarias de la Comuna de París, y la persecución obligó a la familia a abandonar Europa. En 1890 llegaron a la Argentina y se instalaron en Buenos Aires, donde abrieron una librería y se acercaron a los primeros círculos socialistas del país. Alicia tenía apenas cinco años, pero desde muy chica respiró ese clima de lectura, debate político, justicia social y compromiso con los trabajadores. Estudió en la Escuela Normal N.º 1 y luego en la Universidad de Buenos Aires. En una época en la que la presencia femenina en la universidad era excepcional, se abrió paso en la carrera de Medicina y se graduó en 1914 con diploma de honor. Se especializó en ginecología y atendió especialmente a mujeres de bajos recursos, trabajadoras y sectores que muchos profesionales preferían no mirar. Para ella, la medicina no era solo una profesión: era una forma concreta de justicia social. Pero Alicia no se conformó con curar cuerpos. Quiso transformar la sociedad que enfermaba de desigualdad. Muy joven se vinculó al Centro Socialista Femenino, participó en la creación de bibliotecas populares y jardines maternales, dio conferencias sobre higiene, educación y ciudadanía, y convirtió cada espacio en una tribuna para discutir el lugar de la mujer en la Argentina moderna. En 1906 participó del Congreso Internacional de Libre Pensamiento; en 1907 integró el Comité Pro-Sufragio Femenino junto a Julieta Lanteri; y en 1910 fue una de las impulsoras del Primer Congreso Femenino Internacional realizado en Buenos Aires. Su batalla central fue el voto femenino. Durante décadas, las mujeres argentinas fueron excluidas de la vida política formal, aun después de la Ley Sáenz Peña de 1912, que amplió el voto masculino pero dejó afuera a la mitad de la población. Alicia Moreau entendió que sin derechos políticos no había ciudadanía completa. En 1918 fundó la Unión Feminista Nacional, y desde allí impulsó campañas, ensayos electorales, publicaciones, debates y presión legislativa para demostrar que las mujeres no querían pedir permiso: querían decidir. En 1932 participó en la elaboración de un proyecto de ley de sufragio femenino que fue presentado por el diputado socialista Mario Bravo. La iniciativa logró media sanción en Diputados, pero fue frenada en el Senado, dominado por sectores conservadores. La ley nacional de voto femenino recién llegaría en 1947, con la Ley 13.010, y las mujeres votarían por primera vez en elecciones presidenciales en 1951. Ese triunfo no nació de un solo día: fue el resultado de décadas de lucha de pioneras como Alicia Moreau de Justo, Julieta Lanteri, Elvira Rawson y tantas otras. También fue periodista, docente, escritora y dirigente socialista. Publicó artículos sobre educación, política, feminismo y ciudadanía; dirigió y colaboró en publicaciones como Humanidad Nueva, Nuestra Causa y La Vanguardia, órgano histórico del socialismo argentino. En 1922 se casó con Juan Bautista Justo, fundador del Partido Socialista, pero su figura nunca quedó reducida al apellido de su esposo. Alicia construyó una identidad propia: médica, pensadora, militante, feminista, pacifista y defensora de la democracia. Su coherencia política también la llevó a posiciones difíciles. Fue crítica del peronismo, aunque no rechazó el avance histórico que significó el reconocimiento de los derechos políticos femeninos. También se opuso al autoritarismo, al militarismo y a las dictaduras. En los años más oscuros de la Argentina, cuando muchos callaban por miedo o conveniencia, Alicia volvió a ponerse del lado de las víctimas: en 1975 fue una de las fundadoras de la Asamblea Permanente por los Derechos Humanos, organismo que cumplió un papel clave durante la última dictadura cívico-militar. Alicia Moreau de Justo vivió un siglo entero, pero no como testigo pasiva. Vivió discutiendo, escribiendo, curando, organizando, denunciando y abriendo caminos. Peleó por el voto femenino cuando parecía imposible, por la educación cuando era privilegio, por la salud de las mujeres pobres cuando eran invisibles y por los derechos humanos cuando defender la vida podía costar la vida. Murió el 12 de mayo de 1986, pero dejó una herencia inmensa: la idea de que la democracia no se hereda, se defiende; que la igualdad no se mendiga, se conquista; y que una mujer con ideas firmes puede incomodar a todo un siglo. Alicia Moreau de Justo no fue solo una médica ni solo una militante. Fue una conciencia argentina. Una voz que no se apagó. Una mujer que abrió puertas para que muchas otras pudieran entrar. #AliciaMoreauDeJusto #FeminismoArgentino #VotoFemenino #MujeresEnLaHistoria #HistoriaArgentina #SocialismoArgentino #DerechosHumanos #MujeresPioneras #SufragioFemenino #Democracia #MujeresQueHicieronHistoria #UBA #LaVanguardia #MendozAntigua #ArgentineHistory #WomenInHistory #FeministHistory #WomenRights #HumanRights #Democracy #SocialistHistory #LatinAmericanHistory
El 12 de Mayo de 1820, en Florencia, Gran Ducado de Toscana, nacía la mujer que modeló la enfermería profesional moderna, ese día llegaba al mundo Florence Nightingale. (EH)
Nacida en el seno de una familia británica de firmes raíces católicas, cuando decidió dedicarse a la enfermería torció el deseo de sus padres de casarse y solo llevar adelante el rol de madre. Su abultada situación económica le permitió viajar, estudiar y perfeccionarse con tareas de campo en varios países como Alemania, Grecia y Egipto, adquiriendo una amplia experiencia en todos los eslabones de la enfermería. Su estrecha relación con políticos le permitió acceder a cargos gubernamentales desde donde impulsó programas de capacitación para enfermeras y realizar las primeras estadísticas sanitarias y epidemiológicas. Luego de una invalorable experiencia en la Guerra de Crimea, en 1860 creó la escuela de enfermería con sede en el hospital Saint Thomas de Londres y una sucursal en el hospital Real Buckinghamshire de Aylesbury. En estas escuelas se enseñaba enfermería de manera profesional pero orientada a asistir humanitariamente a heridos de guerra, marginados sociales y enfermos terminales, sus postulados fueron los que inspiraron a Henri Dunant para fundar la "Cruz Roja Internacional" en 1863. Fue la primera mujer admitida en la Royal Statistical Society británica, miembro honorario de la American Statistical Association y galardonada con la Orden de Mérito del Reino Unido por pedido de la propia Reina Victoria en 1883. En homenaje a su contribución a la profesión en 1893 se instituyó el "Juramento Nightingale" para los que se reciben de la carrera de enfermería, además se fijó el día de su cumpleaños como el "Día del enfermero". A los 90 años falleció plácidamente mientras dormía en su casa de Park Lane en Londres, pese a que se le ofreció a sus familiares sepultarla con honores en la Abadía de Westminster, prefirieron hacer honor a su vida humilde y fue enterrada en el cementerio de la Iglesia de St. Margaret en East Wellow, Hampshire.
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